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  • La noticia Queer de la Semana: Alice Weidel y las contradicciones de la ultraderecha alemana

    La noticia Queer de la Semana: Alice Weidel y las contradicciones de la ultraderecha alemana

    La ultraderecha acaba de conseguir una victoria histórica en Alemania. Y una de sus principales figuras es una mujer lesbiana que vive con su pareja, nacida en Sri Lanka, y sus dos hijos adoptivos en Suiza.

    Se trata de Alice Weidel, una de las líderes de Alternativa para Alemania (AfD), el partido de extrema derecha que obtuvo el 44 % de los votos en las elecciones regionales de Sajonia-Anhalt. Aunque todavía no tiene los votos suficientes para gobernar en solitario, el resultado abre por primera vez desde la Segunda Guerra Mundial la posibilidad de que la extrema derecha llegue a encabezar un gobierno estatal alemán.

    Y ahí aparece una contradicción que resulta especialmente difícil de ignorar para la comunidad queer.

    Una mujer lesbiana al frente de un partido que defiende la familia tradicional

    Weidel mantiene desde 2009 una relación con Sarah Bossard, productora cinematográfica nacida en Sri Lanka, y ambas tienen dos hijos adoptivos. La familia vive en Suiza.

    Al mismo tiempo, la AfD sostiene políticamente un modelo de familia tradicional y ha defendido que la familia formada por padre, madre e hijos sea el principal referente de sus políticas familiares. De hecho, desde el propio partido han respondido a cuestionamientos sobre la vida familiar de Weidel afirmando que su situación personal no contradice la posición política de la AfD.

    Pero la contradicción tampoco termina ahí.

    La pareja de Weidel nació en Sri Lanka y fue adoptada por una familia suiza. Mientras tanto, uno de los principales ejes políticos de la AfD es endurecer las políticas migratorias y promover lo que el partido denomina “remigración”: un conjunto de medidas que incluye deportaciones de personas obligadas a abandonar Alemania, restricciones migratorias y el retorno de determinadas personas a sus países de origen.

    El problema no es que una persona LGBT sea conservadora

    Y acá hay una distinción importante.

    Que Alice Weidel sea lesbiana no significa que tenga que defender políticas progresistas. Las personas LGBTIQ+ no pensamos todas igual, no votamos igual y no tenemos que cumplir con una ideología determinada para pertenecer a nuestra comunidad.

    El problema aparece cuando una persona que forma parte de una comunidad históricamente discriminada ayuda a fortalecer un proyecto político que promueve políticas de exclusión hacia otras comunidades vulnerabilizadas.

    La AfD plantea, por ejemplo, una fuerte reducción de la inmigración, controles fronterizos más estrictos y una política de retorno de personas que no tengan derecho a permanecer en Alemania.

    Y mientras esas propuestas pueden afectar directamente a personas migrantes, también es importante recordar algo que la historia de los derechos humanos ha demostrado una y otra vez: las narrativas de exclusión rara vez se quedan en un solo grupo.

    Cuando la exclusión empieza a normalizarse

    La victoria de la AfD en Sajonia-Anhalt no significa que Alemania haya elegido un gobierno de extrema derecha a nivel nacional. Tampoco significa que el partido ya controle el estado: obtuvo 39 de los 83 escaños y necesita acuerdos con otras fuerzas para poder gobernar.

    Pero el resultado sí marca un cambio histórico.

    La AfD consiguió convertirse en la fuerza más votada en un estado alemán y quedó a las puertas de formar el primer gobierno estatal de extrema derecha desde el final de la Segunda Guerra Mundial. Su discurso antimigración y nacionalista fue una parte central de esa campaña.

    Y por eso esta historia también nos toca como comunidad queer.

    Porque el debate no debería ser si una lesbiana puede ser de ultraderecha. Claro que puede.

    La pregunta es qué ocurre cuando la identidad de una persona se utiliza como prueba de que un movimiento político es inclusivo, mientras ese mismo movimiento construye su proyecto alrededor de quién pertenece y quién no pertenece a la sociedad.

    Hoy pueden ser las personas migrantes.

    Mañana, las familias que no encajan en el modelo tradicional.

    Después, quienes aman diferente, piensan diferente o simplemente son diferentes.

    La identidad de una persona no vuelve inclusiva a una política. Y pertenecer a una comunidad no significa que un movimiento que también te incluye esté necesariamente defendiendo tus derechos.

    Para esta y más noticias unite a Flamingo de Noche, hoy jueves a las 9:00 p.m. por 95.5 FM, Amplify Radio y sé parte de la Flamilia.

  • Científicos Advierten debuta entre psicodelia, nostalgia y una mirada distópica

    Científicos Advierten debuta entre psicodelia, nostalgia y una mirada distópica

    Hay sueños que se sienten más familiares que la realidad. Desde San José, Científicos Advierten parte de esa sensación para presentar “Fue Sueño”, su primer sencillo, una canción que combina indie rock, dream pop, funk y psicodelia para explorar la nostalgia por lo onírico y la búsqueda de identidad en un presente cada vez más distópico.

    El tema, estrenado el pasado 27 de julio, marca la entrada oficial del proyecto a la escena musical costarricense y funciona como el primer vistazo a un EP que la agrupación espera publicar hacia finales de 2026.

    Un sueño construido a base de groove y psicodelia

    Científicos Advierten nació alrededor de las ideas de Julián Gätjens, vocalista y guitarrista que comenzó a trabajar en la grabación del proyecto junto al productor Dani Navarrete en Manigordo Audio.

    “Fue Sueño” surge de esa primera etapa y combina distintas influencias sin intentar encasillarse en una sola. Los sonidos psicodélicos se encuentran con bajos marcados por el groove y guitarras que aportan fuerza a una canción construida alrededor de una sensación difícil de definir: reconocer que hay algo de nosotros que parece más claro en los sueños que en la realidad.

    La producción completa estuvo a cargo de Navarrete, mientras que la composición corresponde a Gätjens.

    Metrópolis como espejo de otra realidad

    La identidad visual del sencillo también profundiza en ese contraste entre lo humano y lo distópico. El pasado 12 de agosto, Científicos Advierten presentó el visualizer oficial de “Fue Sueño”, utilizando imágenes de Metrópolis, la película de 1927 dirigida por Fritz Lang.

    La elección no resulta gratuita. La cinta alemana es una de las obras fundamentales del cine de ciencia ficción y construye una visión de futuro marcada por la industrialización, la desigualdad y la tensión entre las personas y las estructuras que las rodean.

    Al llevar esas imágenes a “Fue Sueño”, la banda encuentra un lenguaje visual que dialoga con la inquietud central de la canción: una realidad que puede sentirse cada vez más extraña mientras la búsqueda de identidad continúa ocurriendo en medio de ella.

    Una banda que empieza a tomar forma

    Aunque el proyecto comenzó con Gätjens como figura central, Científicos Advierten terminó de consolidar su formación en 2026 con la incorporación de Gabriel Niroda en la guitarra principal, Javier Gätjens en el bajo e Iskander Blanco en la batería.

    Para sus integrantes, la banda funciona como una plataforma para materializar distintas ideas musicales, algo que se refleja en una propuesta que cruza géneros y texturas en lugar de quedarse dentro de una sola fórmula.

    El siguiente paso será continuar desarrollando el EP del que “Fue Sueño” forma parte. Antes de eso, la agrupación también tiene previsto presentarse en formato acústico en el Ará Fest de Sarapiquí, en una actividad con propósito de bien social para la comunidad.

    Científicos Advierten apenas está comenzando, pero “Fue Sueño” ya deja clara una de sus posibles coordenadas: mirar una realidad que parece cada vez más extraña y preguntarse, desde la música, dónde termina el sueño y dónde empieza realmente lo que somos.

  • Jonathan Bree lleva su universo más oscuro y provocador a “Don’t Call It Love”

    Jonathan Bree lleva su universo más oscuro y provocador a “Don’t Call It Love”

    Jonathan Bree nunca ha parecido particularmente interesado en hacer música cómoda. El artista neozelandés, reconocible por su máscara, su profunda voz y una estética que juega constantemente con lo teatral y lo extraño, acaba de llevar esa idea a un nuevo nivel con Don’t Call It Love, su sexto álbum de estudio y el primero de su carrera concebido como un disco doble.

    El resultado es una producción de 17 canciones que gira alrededor de la sexualidad, el deseo y sus contradicciones, pero que también funciona como una extensión del universo visual y sonoro que Bree ha construido a lo largo de los años.

    Una banda sonora para el lado menos elegante de la noche

    Don’t Call It Love se mueve entre el pop oscuro, el dramatismo orquestal y una estética cercana al cine noir. Los arreglos cinematográficos que caracterizan el trabajo de Bree siguen presentes, esta vez acompañados por una mayor presencia de guitarras y por su habitual barítono, que puede sonar tan seductor como inquietante.

    Hay ecos de New Order, Siouxsie & The Banshees, The Cure y Grace Jones, pero el disco no parece interesado en convertirse simplemente en un ejercicio de nostalgia ochentera. Bree utiliza esas referencias para construir algo más incómodo: canciones que pueden ser juguetonas y seductoras en un momento y perturbadoras al siguiente.

    Desde “Live To Dance”, primer sencillo del álbum con Princess Chelsea, hasta la canción que le da nombre al disco, el artista mantiene una estética deliberadamente provocadora que también se extiende a sus videoclips y al universo visual de la producción.

    Una colaboración especialmente femenina

    La sexualidad de Don’t Call It Love tampoco está construida únicamente desde la perspectiva de Bree. El álbum reúne a una amplia selección de mujeres vinculadas a la música, el cine, la fotografía y la danza, convirtiéndose en el trabajo más colaborativo de su carrera.

    Princess Chelsea aparece nuevamente en “Part-Time Lover” y “Slow”, mientras Rachel Clarke participa en “Savour My Love”, uno de los momentos más oscuros del disco. La fotógrafa y artista francesa Eloïse Labarbe-Lafon también presta su voz a “Chameleon”, una canción que conecta con el legado de Jane Birkin.

    En el tema principal, Bree comparte micrófono con la artista y actriz parisina Adah Dylan, cuya interpretación aporta una sensualidad despreocupada que contrasta con la voz grave del neozelandés.

    La colaboración no se queda únicamente en las voces. La bailarina y artista de cabaret Bella Filbey protagonizó el videoclip de “Live To Dance” y aparece en la portada del álbum, reforzando la conexión entre música, performance y erotismo que atraviesa todo el proyecto.

    Jonathan Bree no parece interesado en suavizarlo

    Con seis discos en su recorrido, Don’t Call It Love reúne varias novedades para Bree: es su primer álbum doble, el que concede mayor protagonismo a las guitarras, su producción más colaborativa y también su trabajo conceptual más abiertamente relacionado con la sexualidad.

    Todo esto encaja bastante bien con un artista que ha construido buena parte de su identidad alrededor de hacer las cosas a su manera. Incluso cuando la propuesta resulta extraña, exagerada o difícil de clasificar, Bree parece cómodo ocupando ese lugar.

    Quizás por eso el título del álbum funciona como una declaración de intenciones. Don’t Call It Love habla de deseo, atracción, intimidad y vulnerabilidad, pero se niega a empaquetarlo todo bajo una palabra demasiado sencilla. Es un disco que prefiere quedarse en ese territorio mucho más confuso —y bastante más interesante— donde el deseo puede ser sensual, incómodo, divertido y oscuro al mismo tiempo.

  • Dream of Fire mira hacia adentro con su nuevo sencillo “Here Tomorrow”

    Dream of Fire mira hacia adentro con su nuevo sencillo “Here Tomorrow”

    No todas las ausencias son sobre perder a alguien.

    A veces tienen que ver con dejar de reconocerse. Desde esa idea, Dream of Fire presenta “Here Tomorrow”, un nuevo sencillo en el que la banda costarricense explora la distancia entre la persona que somos, la que mostramos y la que creemos que deberíamos ser.

    El tema, escrito y producido por Marco Salas, llega como el primer adelanto de Empty Altars Vol. I, el próximo trabajo de la agrupación, y abre una etapa marcada tanto por cambios en su formación como por una exploración más profunda de algunas de sus inquietudes personales.

    Cuando estar presente no significa estar ahí

    “Here Tomorrow” parte de una contradicción bastante cotidiana: podemos estar frente a otras personas, cumplir con lo que se espera de nosotros y seguir sintiendo que hay una parte de nosotros que no está realmente presente.

    Dream of Fire lleva esa sensación hacia un terreno incómodo. La canción habla de identidad, de apariencias y de esas versiones de nosotros mismos que construimos para los demás, pero lo hace sin buscar una respuesta solemne. Hay ironía, sarcasmo y una cierta crudeza que hacen que la reflexión no se sienta como una confesión, sino como un cuestionamiento directo.

    Musicalmente, el sencillo se mueve dentro del rock alternativo que caracteriza a la banda, combinando momentos melódicos con una intensidad que acompaña el conflicto que plantea la letra.

    Una nueva formación para una nueva etapa

    El lanzamiento también marca varios cambios dentro de Dream of Fire. Por primera vez, Marco Salas y Jacobo Chaverri comparten la voz principal en una canción de la agrupación.

    Además, “Here Tomorrow” es el primer sencillo en el que participan Erick “Balma” Balmaceda en la guitarra y Álvaro “Jefito” Cubillo en el bajo, quienes se incorporan a la formación junto a los miembros fundadores Marco Salas, Jacobo Chaverri y Alberto Terán.

    El cambio llega justo cuando la banda se prepara para presentar un material que profundiza en temas como la vergüenza heredada, la rabia, la disociación y la redención.

    Una historia que tampoco consigue encontrarse

    La idea de la canción se extiende al videoclip, dirigido por Marco Salas y producido completamente por Dream of Fire. El audiovisual fue filmado en las montañas de Acosta y utiliza una estética inspirada en los años noventa para contar una historia entre dos personajes.

    Interpretada por Lin Rivera, la protagonista forma parte de una narrativa en la que las miradas y los caminos parecen acercarse constantemente sin llegar a coincidir. Esa tensión entre perseguir y no encontrar termina funcionando como un reflejo visual de la propia canción.

    La producción también fue un ejercicio colectivo para la banda. Alberto Terán, Álvaro Cubillo y Alejandro Salas estuvieron a cargo de la filmación, mientras Cubillo realizó la edición y postproducción. Incluso la portada del sencillo salió de ese rodaje: es un cuadro del propio videoclip, capturado en medio de la neblina que apareció durante la filmación.

    El camino hacia Empty Altars Vol. I

    “Here Tomorrow” es apenas la primera pieza de Empty Altars Vol. I, un disco de seis canciones que Dream of Fire publicará el próximo 1 de octubre a través de Long Beach Records LATAM.

    El álbum promete continuar la exploración de la banda dentro del rock alternativo, pero llevando su atención hacia conflictos mucho más internos. Si este primer sencillo sirve como punto de partida, Empty Altars Vol. I parece construido alrededor de una pregunta bastante más difícil que “¿quiénes somos?”: ¿cuánto de lo que mostramos al mundo sigue siendo realmente nuestro?

  • Sonámbulo celebra 20 años de música con “Circodelia” en el Teatro Nacional

    Sonámbulo celebra 20 años de música con “Circodelia” en el Teatro Nacional

    Dos décadas de música, baile y psicotropía llegarán al escenario del Teatro Nacional de Costa Rica. El próximo 18 de setiembre, Sonámbulo celebrará oficialmente sus 20 años de trayectoria con “Sonámbulo 20 años. Circodelia”, un espectáculo para todo público que combinará música en vivo con danza aérea, baile y malabares.

    La presentación, programada para las 7:00 p.m., fue concebida especialmente para recorrer distintas etapas de la historia de la agrupación y convertir su aniversario en una experiencia escénica que reúna sonido, movimiento y artes circenses.

    Un aniversario con espíritu de circo

    El vínculo entre Sonámbulo y el circo forma parte de la propia historia de la banda. Sus primeros años estuvieron relacionados con el surgimiento del circo contemporáneo en Costa Rica, una conexión que ahora regresa transformada para esta celebración en una producción de mayor escala.

    En “Circodelia”, las disciplinas circenses no estarán separadas de la música, sino integradas al repertorio y al movimiento de la banda. La danza aérea, los malabares y el baile acompañarán las canciones para construir diferentes atmósferas y momentos visuales alrededor del espectáculo.

    La propuesta busca trasladar al escenario el universo que Sonámbulo ha desarrollado durante estos 20 años: una experiencia festiva, bailable y sensorial que conecta sus raíces musicales con una puesta en escena especialmente creada para la ocasión.

    Dos décadas de identidad psicotropical

    Sonámbulo nació en 2006 a partir de una mezcla de ritmos afro y latinoamericanos tradicionales y modernos con un sonido contemporáneo y orientado al baile. La diversidad cultural de sus integrantes, provenientes de Costa Rica, Colombia, Cuba y El Salvador, ha sido parte fundamental de la identidad psicotropical de la agrupación.

    Durante estas dos décadas, la banda ha publicado “A Puro Peluche” (2009), “Psicosonorama” (2014) y “Domitila y su Jardín” (2019). En 2026, además, abrió una nueva etapa con su cuarto álbum de estudio, “Lujo de Barrio”.

    Su recorrido también ha sido reconocido por ACAM, con premios como Mejor Artista Tropical, Mejor Artista Fusión Latina y, más recientemente, Mejor Sencillo de Música Tradicional/Folclórica por “Sangre Pujagua”.

    Del escenario nacional a los festivales internacionales

    A lo largo de su trayectoria, Sonámbulo ha llevado su propuesta a escenarios dentro y fuera de Costa Rica. La agrupación ha participado en encuentros como Austin City Limits y SXSW en Estados Unidos, Circulart en Colombia, Pole Pole y Antillansen Festival en Bélgica, FIMPRO en México, además del Festival Imperial, Festival Internacional de las Artes, Transitarte, Envision Festival y PIC NIC.

    También ha compartido escenario con artistas y agrupaciones como Calle 13, Seun Kuti, SOJA, Gondwana, Bomba Estéreo y Antibalas, consolidando una trayectoria que ha llevado su particular mezcla de ritmos a públicos de distintos países.

    Ahora, la banda vuelve a casa para una noche que pretende condensar buena parte de ese recorrido. “Sonámbulo 20 años. Circodelia” será el concierto oficial de aniversario y una oportunidad para celebrar junto al público las dos décadas de una de las propuestas más particulares de la escena musical costarricense.

    Detalles del evento

    Sonámbulo 20 años. Circodelia
    📅 18 de setiembre de 2026
    🕖 7:00 p.m.
    📍 Teatro Nacional de Costa Rica
    👨‍👩‍👧‍👦 Todo público
    🎟️ Entradas disponibles en e-ticket

    Precios:

    • Luneta y Butaca: ₡23.300 | Menores de 18 años: ₡17.600
    • Palcos: ₡17.600 | Menores de 18 años: ₡12.000
    • Galería: ₡14.200 | Menores de 18 años: ₡9.000
  • La Noticia Queer de la Semana: en el mes de la prevención del suicidio, recordamos que acompañarnos salva vidas

    La Noticia Queer de la Semana: en el mes de la prevención del suicidio, recordamos que acompañarnos salva vidas

    Redacción: Catalina Restrepo.

    Para quien necesite escucharlo

    Septiembre es el Mes de la Prevención del Suicidio. Y para hablar de esto dentro de la comunidad LGBTIQ+, también tenemos que hablar de algo que muchas veces falta: apoyo.

    Ser una persona LGBTIQ+ no aumenta el riesgo de suicidio. Lo que puede aumentar el riesgo son las experiencias que muchas personas viven por ser quienes son: rechazo familiar, discriminación, violencia, aislamiento y la sensación de no tener un lugar donde sentirse segures y acompañades.

    Por eso, prevenir también significa crear comunidad.

    Significa tener a alguien que pregunte cómo estamos y realmente quiera escuchar la respuesta. Una familia que nos diga “te quiero como sos”. Una amistad que se quede. Un lugar donde podamos entrar sin miedo. Profesionales de salud mental que comprendan nuestras experiencias. Espacios donde nuestra identidad no tenga que ser explicada ni defendida.

    Porque a veces pensamos que prevenir el suicidio es reconocer una señal de alarma. Pero empieza mucho antes, construyendo redes donde nadie sienta que tiene que atravesar el dolor en soledad.

    Recordemos que pedir ayuda no nos hace débiles.

  • ACAM entregó 48 premios a lo mejor de la música costarricense

    ACAM entregó 48 premios a lo mejor de la música costarricense

    La música costarricense tuvo su noche de celebración este martes 1 de setiembre, cuando la Asociación de Compositores y Autores Musicales de Costa Rica (ACAM) realizó la Gala de los Premios ACAM 2026 y reconoció a algunas de las obras y artistas más destacados de la producción nacional.

    En esta edición se entregaron 48 reconocimientos en 29 categorías, además de cuatro menciones honoríficas para obras de gran excelencia que no alcanzaron la cantidad necesaria de postulaciones para abrir sus respectivas categorías a votación.

    Más de 1.000 obras participaron en el proceso

    La selección de los Premios ACAM comienza con los propios artistas. Para esta edición, la asociación recibió 185 discos y 923 sencillos, correspondientes a obras publicadas entre el 1 de enero y el 31 de diciembre de 2025.

    Después de una primera revisión administrativa para verificar que las producciones cumplieran con los requisitos de participación, un jurado de cinco personas tuvo la responsabilidad de seleccionar las obras nominadas. El grupo estuvo integrado por el músico y productor Worka, la académica y compositora Susan Campos, el productor y percusionista Felipe Fournier, la periodista Jessica Rojas y el compositor uruguayo Diego Drexler, quien participó como jurado internacional.

    Posteriormente, las personas asociadas a ACAM tuvieron más de un mes para votar por sus nominados favoritos. A este proceso se sumó por primera vez el público general mediante el Premio del Público, categoría que permitió escoger la canción favorita entre todos los sencillos nominados. La votación superó las 8.000 participaciones.

    Una gala con distintos sonidos de la escena nacional

    La ceremonia también reunió a diferentes generaciones y propuestas de la música costarricense sobre el escenario. Bernardo Quesada, Time’s Forgotten y Beteta ofrecieron presentaciones durante la noche, mientras que Patiño, Fátima Pinto y Flor de Musa compartieron un medley como representantes de la categoría pop.

    La gala cerró con una propuesta de cumbia electrónica a cargo de FAV, Tino Amor y Barzo, en uno de los espectáculos musicales de la noche.

    La entrega de las estatuillas también contó con la participación de reconocidas figuras de la música y la cultura nacional, entre ellas Luis Enrique Mejía Godoy, Walter Flores, Toledo, Marta Fonseca, Chino Moreno, Marvin Camacho, Deikeel, Marilin Gamboa y DJ Kendo.

    Reconocimientos a la trayectoria y a la historia de ACAM

    La edición 2026 también tuvo espacio para reconocer trayectorias fundamentales dentro de la música costarricense. Los Premios Reca Mora 2026 homenajearon a la cantautora María Prétiz y al compositor y director sinfónico Eddie Mora.

    Además, ACAM rindió homenaje a las mujeres y hombres que participaron en la fundación de la asociación en 1990, encabezados en aquel momento por figuras como Carlos Guzmán, José Capmany y Ricardo Sáenz.

    Más allá de las estatuillas, los Premios ACAM 2026 reflejaron la amplitud de la producción musical costarricense: más de mil obras inscritas, múltiples géneros y generaciones representadas y un proceso que involucró tanto a profesionales de la industria como al público.

  • Akriila traerá su universo synth-pop a Costa Rica con El Tour de Lucy

    Akriila traerá su universo synth-pop a Costa Rica con El Tour de Lucy

    Un reencuentro esperado

    El synth-pop chileno volverá a encontrarse con el público costarricense este viernes 23 de octubre, cuando Akriila llegue a El Mercadito La California como parte de su gira El Tour de Lucy.

    La artista llegará al país para presentar en vivo su nueva etapa musical, marcada por la próxima publicación de su álbum Lucy miro al mundo y notó que está girando, disponible en plataformas digitales desde inicios de septiembre.

    El concierto será producido por 2 Mundos CA y El Mercadito La California, como parte del recorrido latinoamericano con el que Akriila llevará su nueva propuesta a distintos públicos de la región.

    Una artista que no le teme a mezclarlo todo

    Una de las características que distingue a Akriila es precisamente su dificultad para encajar en una sola etiqueta. Su música se mueve entre el synth-pop, reguetón, drum & bass y trap, combinando géneros, texturas y diferentes niveles de intensidad dentro de un mismo universo sonoro.

    En lugar de seguir fórmulas diseñadas para el consumo rápido, la artista chilena apuesta por el maximalismo, la exploración y la libertad creativa. Esa búsqueda le permite construir canciones que pueden pasar de la electrónica a los sonidos urbanos sin perder la identidad que caracteriza su proyecto.

    Su propuesta también encuentra un punto de conexión con la cultura pop de los años 2000, una época que aparece tanto en su universo visual como en su manera de experimentar con la estética, el exceso y los formatos de baja fidelidad.

    Sin embargo, Akriila no se limita a reproducir la nostalgia por aquella década. Toma sus referencias y las transforma desde una perspectiva contemporánea, mezclándolas con pop experimental, electrónica y sonidos urbanos.

    “Lucy” abre una nueva etapa

    Lucy miro al mundo y notó que está girando representa una nueva exploración dentro del proyecto de Akriila.

    Los tres sencillos que han servido como adelanto del álbum muestran una faceta especialmente orientada hacia el pop, pero funcionan apenas como una puerta de entrada a un trabajo mucho más amplio.

    La artista utiliza este nuevo proyecto para continuar expandiendo los límites de su sonido y demostrar que diferentes géneros pueden convivir dentro de una misma propuesta sin necesidad de elegir una sola dirección.

    Será precisamente ese universo el que Akriila llevará al escenario costarricense durante El Tour de Lucy, en una presentación que permitirá descubrir en vivo las canciones de su nueva etapa y reencontrarse con parte de la música que ha construido su creciente comunidad de seguidores.

    Akriila llega a Costa Rica en octubre

    El concierto se realizará el 23 de octubre a partir de las 7:00 p. m. en El Mercadito La California y será exclusivo para mayores de edad.

    Las entradas ya se encuentran disponibles a través de MiTicket y actualmente están en Tier 1. Posteriormente habrá dos etapas de precios, por lo que esta primera fase representa la oportunidad de adquirirlas al precio más bajo disponible.

    Con El Tour de Lucy, Akriila continúa llevando una propuesta que mezcla nostalgia, electrónica, pop y sonidos urbanos a nuevos escenarios latinoamericanos. En Costa Rica, la cita será en octubre, cuando la artista chilena aterrice con un universo musical que, al igual que su nuevo álbum, no parece tener intención de quedarse quieto.

  • Nate Northfield convierte el duelo en una canción de pop latino con “Me Volviste Loco”

    Nate Northfield convierte el duelo en una canción de pop latino con “Me Volviste Loco”

    Una canción de pop latino que nace de una experiencia personal

    El artista independiente Nate Northfield, radicado en Toronto, presenta “Me Volviste Loco”, una canción de pop latino que nace de una experiencia personal: el recuerdo de un amigo que falleció.

    Lejos de abordar la pérdida únicamente desde la tristeza, Northfield decidió convertir ese recuerdo en una canción llena de movimiento, melodías memorables y una energía cálida. El resultado busca celebrar la vida de alguien importante a través de una pieza que puede disfrutarse desde el baile y la emoción.

    Una canción nacida desde el recuerdo

    “Me Volviste Loco” fue creada como una forma de honrar a un amigo fallecido. La canción parte de una experiencia de duelo, pero encuentra en la música una manera de transformar esa ausencia en algo luminoso.

    Su propuesta combina elementos de pop latino y música contemporánea, con un ritmo bailable que contrasta con el origen emocional de la composición. Esa dualidad permite que la canción funcione tanto como un homenaje personal como una pieza accesible para quienes buscan música latina con una energía positiva.

    El tema también representa una faceta diferente dentro del catálogo de Northfield. Aunque el artista ha desarrollado buena parte de su propuesta alrededor del indie y el pop, sus lanzamientos muestran una exploración de distintos géneros y sonidos.

    De Toronto a nuevos públicos

    Northfield se ha presentado como un artista emergente con base en Toronto y Montreal, construyendo su proyecto de manera independiente y desarrollando una propuesta influenciada por el indie rock y el pop. En sus plataformas también aparecen colaboraciones y lanzamientos que amplían ese universo musical.

    “Me Volviste Loco” amplía esa búsqueda hacia el pop latino y el crossover, con una canción pensada para conectar con públicos interesados en la música latina contemporánea y los sonidos bailables.

    El sencillo incluso ha comenzado a aparecer en espacios de descubrimiento musical, incluyendo playlists de pop e indie contemporáneo.

    Un homenaje que busca celebrar la vida

    Más allá de su ritmo y su potencial para las playlists, “Me Volviste Loco” tiene como centro una idea sencilla: recordar a alguien también puede ser una forma de celebrar su vida.

    Con una canción emotiva, pero lejos de quedarse en la melancolía, Nate Northfield transforma una experiencia personal de pérdida en una propuesta que apuesta por la energía, el movimiento y la conexión.

    “Me Volviste Loco” se suma así al recorrido independiente de un artista que continúa explorando nuevos sonidos y llevando su música desde Toronto hacia audiencias cada vez más amplias.

  • Álvaro Díaz inicia su gira OMAKASE por 33 ciudades junto a una nueva generación de artistas puertorriqueños

    Álvaro Díaz inicia su gira OMAKASE por 33 ciudades junto a una nueva generación de artistas puertorriqueños

    El artista puertorriqueño Álvaro Díaz inicia esta semana su gira OMAKASE, un recorrido de 33 ciudades por Latinoamérica y Estados Unidos que llevará su propuesta en vivo a nuevos escenarios y, al mismo tiempo, abrirá espacio para una nueva generación de artistas de Puerto Rico.

    Nominado en tres ocasiones al Latin GRAMMY, Díaz emprenderá esta nueva etapa después del lanzamiento de OMAKASE, álbum que ya supera los 250 millones de reproducciones a nivel mundial y que se ha convertido en uno de los trabajos más importantes de su trayectoria.

    Una gira que también impulsa al talento puertorriqueño

    Uno de los elementos particulares de la gira es la selección de los artistas que acompañarán a Díaz como actos de apertura. Melodie, Papi Sousa, AvilaWTF & Yensanjuan, Matt Louis y Lockward fueron escogidos para presentar su música ante públicos de distintos países del continente.

    La decisión responde también a una intención del artista de utilizar el alcance de su gira para abrir espacios a proyectos emergentes de su isla natal. De esta manera, el recorrido no solamente busca llevar la música de Álvaro Díaz a nuevas audiencias, sino también contribuir a que otros artistas puertorriqueños puedan construir una audiencia internacional.

    OMAKASE llega a Latinoamérica y Estados Unidos

    La gira comenzará este 28 de agosto en Santiago de Chile y posteriormente continuará por Perú, Colombia, Centroamérica, México y Estados Unidos.

    El recorrido ya ha generado una importante demanda entre sus seguidores. Varias de las fechas se encuentran agotadas, incluyendo presentaciones en Perú y Colombia.

    En Bogotá, la demanda llevó incluso a sumar una segunda fecha en el Movistar Arena, mientras que también se reportan localidades agotadas en México, Guatemala, Nueva York y Miami.

    Un álbum que sigue creciendo

    La gira llega en un momento de expansión para Álvaro Díaz, impulsada por la recepción de OMAKASE. El álbum ha superado los 250 millones de reproducciones globales y continúa ampliando el alcance internacional de una propuesta que se mueve entre el reguetón, el hip hop y la música urbana contemporánea.

    Con 33 ciudades por delante, el artista no solo llevará su espectáculo a nuevos escenarios, sino que convertirá cada parada en una oportunidad para presentar junto a él algunas de las voces que están construyendo el futuro de la música puertorriqueña.

    OMAKASE comienza así un nuevo capítulo: uno en el que Álvaro Díaz continúa expandiendo su propio universo musical mientras utiliza su plataforma para que una nueva generación de artistas de Puerto Rico también encuentre espacio frente a públicos cada vez más grandes.