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  • MadFlava Fest 8 reunirá al hip-hop y la cultura urbana en una noche de disfraces en San Pedro

    MadFlava Fest 8 reunirá al hip-hop y la cultura urbana en una noche de disfraces en San Pedro

    El hip-hop costarricense tendrá una nueva cita el próximo sábado 17 de octubre, cuando MadFlava Fest regrese con su octava edición a Oasis Club, en la Calle de la Amargura, San Pedro.

    La propuesta trae presentaciones musicales, actividades culturales y una temática de fiesta de disfraces para reunir a artistas y público alrededor de distintas expresiones de la cultura urbana.

    La jornada comenzará a las 6 p. m. y tendrá a Soultwo como acto principal, acompañado por los invitados especiales Pablo Campos y Sharow Graneira. El cartel también reúne a exponentes del rap, el hip-hop y la escena alternativa costarricense.

    Distintas voces de la escena urbana

    Entre los artistas anunciados para esta edición están The Black Mafia, Zero.45 & Big Fofo, Mezz, Siho Villalobos, Byron Salas, Goblinsoul, Sukeban Girls DN, Dreff, Yiyo, Mao The Kid, Chama Alterego, Sinestesia, Teran, Shenzie, Magno 10/23 y Clandestino, además de otros participantes de la escena.

    La diversidad del cartel busca dar espacio a distintas propuestas y generaciones vinculadas con la música urbana nacional, en una jornada que apuesta por el encuentro entre artistas y seguidores.

    Más que conciertos: documental, DJ y micrófono abierto

    MadFlava Fest 8 también incluirá actividades que amplían la experiencia más allá de las presentaciones en vivo. Una de ellas será la proyección del documental “10 años de Mad Flava”, dedicado a la trayectoria del proyecto.

    La programación contempla además sesiones de DJ, una competencia de fingerboard y espacios de open mic, donde las personas participantes podrán acercarse al micrófono y formar parte de la jornada. A esto se suma la temática de disfraces, que invita al público a llegar con sus propias propuestas y sumarse al ambiente de celebración.

    Fecha, lugar y entradas

    La octava edición de MadFlava Fest se realizará el sábado 17 de octubre de 2026, a partir de las 6 p. m., en Oasis Club, San Pedro, sobre la Calle de la Amargura.

    Las entradas están disponibles a través de La Tiquetera CR. El festival es producido por Mad Flava y House Of Artists, como parte de una iniciativa que reúne música, comunidad y otras expresiones de la cultura urbana costarricense.

  • Sebastián Solano transforma las contradicciones del desamor en “Hating Love”

    Sebastián Solano transforma las contradicciones del desamor en “Hating Love”

    El artista costarricense Sebastián Solano presenta “Hating Love”, un sencillo que explora esa contradicción de seguir sintiendo algo por una persona mientras aprendés a rechazar todo lo que enamorarse puede provocar. Disponible desde el 4 de septiembre de 2026 en plataformas digitales, la canción combina sensibilidad pop, indie y guitarras protagonistas en una propuesta que encuentra un punto de encuentro entre la vulnerabilidad y el movimiento.

    Con un ritmo dinámico y una atmósfera nocturna, el tema contrasta su groove con la intensidad emocional de la letra. El resultado evoca esos pensamientos que aparecen a solas, durante la madrugada o mientras manejás sin dejar de darle vueltas a una historia que todavía cuesta soltar.

    Cuando el amor también se convierte en contradicción

    El concepto de “Hating Love” parte de una idea reconocible: no necesariamente odiar a alguien, sino llegar a sentir rechazo por todo lo que implica enamorarse cuando existe la posibilidad de terminar herido.

    La canción convierte esa lucha interna en su eje central. Entre el deseo de dejar atrás una relación y la dificultad de apagar lo que todavía se siente, Sebastián construye un relato sobre las emociones que persisten incluso cuando una parte de nosotros quisiera que desaparecieran.

    Su propuesta musical acompaña esa tensión con una combinación de elementos pop e indie, guitarras y una producción íntima que busca conectar con quienes alguna vez han intentado dejar de sentir algo por alguien sin conseguirlo.

    Midnight Thoughts: una nueva etapa musical

    “ Hating Love” forma parte de Midnight Thoughts, un EP de seis canciones que recorrerá diferentes momentos alrededor del amor, el desamor, la nostalgia y las relaciones que permanecen en la cabeza incluso después de terminar.

    Este proyecto representa una nueva etapa para Sebastián Solano, quien busca consolidar una identidad musical y visual más definida desde una perspectiva íntima. El sencillo funciona como la primera pieza de ese universo, introduciendo algunas de las emociones y preguntas que se desarrollarán a lo largo del EP.

    Con este lanzamiento, el artista costarricense comienza a dar forma a una historia que se irá revelando durante los próximos meses, conectando distintas experiencias afectivas a través de canciones que parten de pensamientos personales para encontrar resonancia en quienes las escuchan.

    Sebastián Solano llevará Midnight Thoughts al escenario

    El recorrido de Midnight Thoughts también tendrá un encuentro en vivo. El 14 de noviembre de 2026, Sebastián Solano presentará el proyecto junto a su banda en Amón Solar, San José, en una presentación especial vinculada con el lanzamiento completo del EP.

    Mientras llega esa fecha, “Hating Love” abre la puerta a esta nueva etapa artística y pone en palabras una de las contradicciones más difíciles de resolver cuando se trata de sentimientos: querer dejar atrás lo que nos hace daño sin poder dejar de sentirlo.

    El sencillo está disponible en plataformas digitales desde el 4 de septiembre de 2026.

  • Hombres al borde de un ataque de nervios: el nuevo ciclo de cine que explora las contradicciones de la masculinidad

    Hombres al borde de un ataque de nervios: el nuevo ciclo de cine que explora las contradicciones de la masculinidad

    ¿Qué pasa cuando un hombre pierde el control sobre aquello que creía tener resuelto? Esa es una de las preguntas que atraviesa Hombres al borde de un ataque de nervios, el nuevo ciclo de Martes de Cine del Centro Cultural de España, que durante octubre propone cinco películas alrededor del ego, el amor, el trabajo, la soledad y las expectativas asociadas a la masculinidad.

    La selección reúne producciones de Colombia, Costa Rica, República Dominicana, México y Argentina, utilizando la comedia, el absurdo y el humor incómodo como herramientas para acercarse a las contradicciones de sus personajes y, desde ahí, abrir una conversación sobre las formas en que entendemos y vivimos la masculinidad.

    Cinco países, distintas formas de mirar la masculinidad

    A lo largo del mes, el ciclo presenta cinco películas recientes que exploran diferentes situaciones relacionadas con las expectativas sociales y personales que rodean a los hombres.

    Más que ofrecer una mirada única sobre la masculinidad, la selección propone acercarse a sus distintas contradicciones desde el humor. La risa y el absurdo funcionan como una manera de observar comportamientos, inseguridades y conflictos que también forman parte de la vida cotidiana.

    La curaduría está a cargo del cineasta y comunicador Iván Porras Meléndez, quien reunió títulos que encuentran en el humor una forma de mirar de cerca aquello que muchas veces resulta incómodo reconocer.

    El humor como espejo

    El ciclo parte de una situación sencilla pero reveladora: aquello que parecía estar bajo control puede dejar de estarlo. A partir de ese punto, las películas utilizan situaciones absurdas, momentos incómodos y distintos registros de comedia para poner en evidencia las expectativas que pesan sobre sus protagonistas.

    El ego, la búsqueda de reconocimiento, la soledad y los vínculos afectivos se convierten así en puntos de entrada para explorar personajes que enfrentan distintas formas de crisis. La propuesta utiliza el cine no solamente para provocar risas, sino también para reconocer algunas de las contradicciones que existen detrás de esas situaciones.

    Hombres al borde de un ataque de nervios plantea así una invitación a mirar la masculinidad desde otro lugar: uno donde el humor permite cuestionar certezas, encontrar incomodidades y, quizá, reconocerse en más de una de las historias que llegan a la pantalla.

    Martes de cine durante todo octubre

    Las funciones de Hombres al borde de un ataque de nervios se realizarán todos los martes de octubre a las 7:00 p. m. en el Centro Cultural de España.

    La entrada es gratuita y no requiere inscripción, por lo que el ciclo se presenta como una oportunidad para acercarse al cine latinoamericano contemporáneo y a diferentes maneras de representar las experiencias alrededor de la masculinidad.

    Durante cinco martes, Colombia, Costa Rica, República Dominicana, México y Argentina se encuentran en la pantalla para plantear una misma pregunta desde distintos lugares: qué sucede cuando las certezas, expectativas y formas de entender la vida comienzan a tambalearse.

  • El cine queer en la carrera por el Óscar

    El cine queer en la carrera por el Óscar

    12 películas con temáticas LGBTIQ+ fueron presentadas para competir por una nominación a Mejor Película Internacional en los premios Óscar 2027.

    Entre ellas se encuentran:

    • La bola negra (España)
    • En el camino (México)
    • Coward (Bélgica)
    • Elephants in the Fog (Nepal)
    • Fantasy (Eslovenia y Macedonia del Norte)
    • Fatherland (Polonia)
    • Feito Pipa (Brasil)
    • Fjord (Rumanía)
    • Llueve sobre Babel (Colombia)
    • Narciso (Paraguay)
    • Rose (Alemania)
    • Tell Me Everything (Israel)

    Todavía no hay nominaciones

    Ninguna de estas películas está nominada todavía. Todas compiten con decenas de producciones de distintos géneros y temáticas por un lugar en la carrera hacia los Óscar.

    El siguiente paso será la selección de 15 películas precandidatas, que se anunciará en diciembre. De ese grupo saldrán las cinco producciones que finalmente competirán por la nominación a Mejor Película Internacional, cuyo anuncio está previsto para enero de 2027.

    Pero que 12 películas con historias LGBTIQ+ hayan llegado hasta esta etapa ya abre una conversación importante sobre el espacio que ocupan nuestras historias dentro del cine internacional.

    La representación también importa

    Hablar de representación no significa solamente contar cuántas personas queer aparecen frente a una cámara. También implica preguntarnos qué historias se están contando, quiénes las cuentan y desde qué perspectivas.

    Durante mucho tiempo, las experiencias LGBTIQ+ estuvieron asociadas al silencio, el estereotipo o la tragedia. Hoy encontramos cada vez más relatos que hablan de amor, deseo, familia, identidad, humor, memoria y resistencia.

    Y también historias que no necesitan convertir la experiencia queer en un conflicto para justificar su existencia. Historias sobre personas que simplemente viven, aman, se equivocan, buscan su lugar y construyen sus propias vidas.

    ¿Qué historias todavía faltan?

    Ver nuestras experiencias ocupar espacios dentro del cine internacional también puede ser una forma de reconocernos. Encontrar una historia que se parece a la nuestra, descubrir una realidad que desconocíamos o simplemente ver a una persona queer ocupar el centro de una película puede recordarnos que nuestras vidas también merecen ser contadas.

    Estas 12 películas todavía tienen un largo camino por recorrer antes de saber si alguna llegará a la nominación final. Pero su presencia en esta etapa ya permite mirar hacia una pregunta más grande:

    ¿Qué historias queer todavía no hemos visto? ¿Cuáles todavía no nos hemos atrevido a contar?

    Para esta y más noticias unite a Flamingo de Noche, hoy jueves a las 9:00 p.m. por 95.5 FM, Amplify Radio y sé parte de la Flamilia.

  • Jonathan Bree estrena el videoclip de “Slow” junto a Princess Chelsea

    Jonathan Bree estrena el videoclip de “Slow” junto a Princess Chelsea

    Jonathan Bree vuelve a explorar su particular universo audiovisual con el estreno del videoclip de “Slow”, una de las canciones que forman parte de Don’t Call It Love, su reciente álbum doble publicado a través de Lil’ Chief Records. El tema cuenta con la participación de Princess Chelsea, colaboradora habitual del músico, y la guitarra de Dean Wareham, de Galaxie 500.

    La canción combina el característico barítono de Bree con la voz de Princess Chelsea sobre un ritmo seductor, mientras la guitarra de Wareham aparece en un etéreo solo durante el puente y el cierre del tema.

    Un nuevo paisaje para Jonathan Bree

    El videoclip de “Slow” se aleja de la estética más oscura que ha acompañado algunos de los lanzamientos anteriores de Don’t Call It Love. En esta ocasión, Bree construye un escenario dominado por un cielo azul helado y nubes de burbujas que flotan en el aire.

    Los intérpretes aparecen vestidos completamente de blanco, creando un contraste con el particular universo visual del músico. Princess Chelsea destaca además por una combinación de chaqueta de piel sintética y minifalda, reforzando la propuesta estética de la pieza.

    La producción vuelve a colocar la narrativa visual como una parte fundamental del trabajo de Bree, utilizando elementos surrealistas y una puesta en escena cuidadosamente construida para acompañar la atmósfera de la canción.

    Una canción marcada por el existencialismo

    “Slow” aparece en la segunda mitad de Don’t Call It Love y concentra buena parte del tono existencialista que atraviesa el álbum. La canción encuentra su momento más intenso en un puente que habla del amor desde una perspectiva apocalíptica y absoluta: “Te amaré como si fuera el apocalipsis, te amaré hasta la aniquilación”.

    La participación de Princess Chelsea amplía esa dimensión de la canción, mientras que el aporte de Dean Wareham en la guitarra termina de construir su atmósfera etérea.

    Don’t Call It Love es un álbum doble con el que Jonathan Bree continúa desarrollando una propuesta que combina música, teatralidad y narrativa visual, manteniendo una identidad artística reconocible tanto en sus canciones como en sus videoclips.

    Jonathan Bree llegará a México

    El lanzamiento de “Slow” llega poco antes de una nueva presentación de Jonathan Bree en México. El músico será parte del Festival Hipnosis 2026, donde se presentará el sábado 7 de noviembre.

    Princess Chelsea también tendrá presencia en el país durante noviembre, con una presentación en Corona Capital el 21 de noviembre, sumando otro encuentro entre ambos artistas con el público mexicano.

    Mientras se acerca su presentación en Hipnosis, “Slow” ofrece una nueva entrada al universo de Don’t Call It Love: una canción que convierte el romance, el deseo y la sensación de un mundo al borde del colapso en otro de los paisajes sonoros y visuales de Jonathan Bree.

  • davu convierte una historia sin cierre en pop melancólico con “Ultravioleta”

    davu convierte una historia sin cierre en pop melancólico con “Ultravioleta”

    Una historia que nunca tuvo un cierre puede quedarse dando vueltas en la cabeza: las preguntas que no encontraron respuesta, las versiones de lo que pudo haber sido y en esos recuerdos que uno sigue reconstruyendo incluso cuando la otra persona ya no está.

    “Ultravioleta”, el nuevo sencillo del artista y productor costarricense davu, parte precisamente de ese lugar para convertir la nostalgia en una canción que también invita a bailar.

    Disponible desde el 3 de setiembre, el tema combina sintetizadores, guitarras eléctricas y una base rítmica enérgica para invertarse entre el pop y la melancolía. Una mezcla que davu resume con una idea sencilla: quería hacer una canción que permitiera bailar y llorar al mismo tiempo.

    Lo que queda cuando una historia no termina de explicarse

    “Ultravioleta” no nació de una sola experiencia autobiográfica. La canción mezcla situaciones propias, experiencias cercanas y escenarios imaginados alrededor de una pregunta que puede resultar familiar: ¿qué habría pasado si las cosas hubieran sido diferentes?

    A partir de ahí, el protagonista intenta reconstruir una relación después de quedarse sin respuestas. Idealiza lo vivido, imagina explicaciones y vuelve una y otra vez sobre lo ocurrido para tratar de encontrar un sentido.

    Esa falta de certezas es parte importante de la canción. En lugar de entregar una historia completamente cerrada, davu deja espacio para que cada persona pueda reconocer sus propias experiencias en ella.

    Una canción que cambió de historia, pero conservó su nombre

    Curiosamente, “Ultravioleta” no siempre se trató sobre desamor. La canción comenzó como una versión sobre estar enamorado de alguien que atraviesa la vida de otra persona como una luz ultravioleta.

    Aunque la letra terminó tomando otro rumbo, la imagen permaneció. El título terminó funcionando como una metáfora de esos recuerdos que continúan presentes incluso después de que alguien se marcha.

    Musicalmente, esa contradicción también está presente: la energía de la producción convive con una letra marcada por la nostalgia, creando un tema que puede acompañar tanto un momento de introspección como un coro cantado a todo volumen mientras se maneja, se está a solas o se comparte con amigos.

    Un sonido construido entre Costa Rica y México

    La canción nació en Ciudad de México durante una sesión con el productor Ian Acosta, a quien davu conoció años atrás cuando ambos trabajaban como becarios en un estudio de grabación.

    Uno de los elementos que terminó definiendo el sonido de “Ultravioleta” fue un Prophet-5 que tenían prestado durante aquella sesión. El sintetizador se convirtió en una pieza importante para construir las texturas y elementos melódicos que atraviesan la producción.

    El sencillo también marca una exploración distinta dentro del proyecto de davu. Después de acercarse recientemente al R&B, esta vez el artista se permite entrar de lleno en una sensibilidad más cercana al pop, sin abandonar el trabajo de producción que caracteriza su propuesta.

    Llevar a Costa Rica más allá de sus fronteras

    Aunque su carrera profesional se ha desarrollado en México, davu comenzó su formación y sus primeros proyectos musicales en Costa Rica. Esa conexión con el país sigue siendo parte importante de la manera en que entiende su recorrido artístico.

    “Ultravioleta” representa así otro paso en una trayectoria que busca ampliar sus fronteras sin desprenderse de su origen. El objetivo, según el propio artista, es que su música pueda ser reconocida internacionalmente como música hecha desde Costa Rica.

    Por ahora, davu encuentra en una canción sobre aquello que nunca terminó de cerrarse una nueva forma de avanzar: mirar hacia atrás, convertir la nostalgia en sonido y dejar que una historia incompleta encuentre nuevas interpretaciones en quien la escucha.

  • Fudo abre su camino en el punk/rock costarricense con “Cobra Unit”

    Fudo abre su camino en el punk/rock costarricense con “Cobra Unit”

    No hace falta tener un catálogo enorme para empezar a sonar.

    Desde San José, Costa Rica, Fudo comienza a construir su camino dentro del punk/rock alternativo costarricense con una idea bastante sencilla: hacer canciones sin demasiadas pretensiones, compartirlas y conseguir que alguien, en algún lugar, mueva la cabeza al escucharlas.

    La banda costarricense acaba de presentar “Cobra Unit”, su primer sencillo y, hasta ahora, la única canción de su repertorio que ha llegado a plataformas de streaming. Detrás de ella existe, sin embargo, un repertorio mucho más amplio: Fudo asegura tener alrededor de 12 canciones originales preparadas para lo que viene.

    Un primer paso llamado “Cobra Unit”

    “Cobra Unit” funciona como la carta de presentación de una banda que se mueve entre el punk, el rock y una sensibilidad alternativa.

    El sencillo fue publicado en 2026 y ya puede encontrarse en plataformas como Apple Music, además de los canales digitales que Fudo reúne a través de sus perfiles oficiales.

    El lanzamiento también empieza a encontrar espacio fuera de sus propias plataformas. “Cobra Unit” ya aparece en registros de programación de Radio La Carreta CR, donde ha sonado dentro de su selección de música.

    Para una banda que apenas comienza a mostrar oficialmente su material, este es el primer movimiento de un proyecto que todavía tiene buena parte de su historia por escribir.

    Punk, rock y canciones sin demasiadas vueltas

    Fudo se presenta como una banda de punk/rock alternativo, pero también deja claro que no busca complicar demasiado la fórmula. Su propuesta parte de hacer música de manera directa y sin pretensiones, con la intención de conectar con quienes encuentren algo propio en sus canciones.

    La banda tiene aproximadamente una docena de composiciones originales preparadas, aunque por ahora “Cobra Unit” es la única que ha sido grabada y publicada oficialmente. Ese punto de partida deja abierta la posibilidad de que los próximos lanzamientos permitan conocer más dimensiones de un proyecto que todavía está tomando forma.

    Fudo parece estar utilizando esta primera etapa para construir su identidad canción a canción.

    El comienzo de una banda que todavía tiene mucho por mostrar

    La presencia digital de Fudo comenzó a tomar forma durante este 2026 y actualmente reúne sus principales plataformas y perfiles bajo el nombre de fudo.band.cr, desde donde se puede acceder a sus espacios en Instagram, TikTok, YouTube, SoundCloud, Apple Music y Spotify.

    Con “Cobra Unit” ya disponible y todo lo que la banda tiene por delante, empieza una etapa especialmente interesante: pasar de tener canciones guardadas a convertirlas en una discografía que permita descubrir qué lugar quiere ocupar dentro de la escena alternativa nacional.

    Por ahora, Fudo tiene una canción para presentarse. Lo que queda es escuchar qué viene después.

  • Mecánico presenta Longitudinales, un recorrido por el indie pop chileno y sus contradicciones

    Mecánico presenta Longitudinales, un recorrido por el indie pop chileno y sus contradicciones

    La banda chilena Mecánico presenta Longitudinales, su nuevo álbum de estudio y uno de los proyectos más ambiciosos de su trayectoria.

    A través de 12 canciones, el grupo explora distintas formas de habitar un mismo territorio y una misma época, cruzando experiencias personales con preguntas sobre la identidad, la memoria, el amor, la tecnología y la sociedad.

    El título del disco toma como punto de partida la particular geografía de Chile y su condición longitudinal, pero también construye una idea imaginaria: Los Longitudinales, una comunidad que reúne a quienes habitan este territorio y que permite observarlo desde afuera para preguntarse qué tienen en común, qué los diferencia y qué huellas dejan en el lugar que comparten.

    Un álbum construido desde la colaboración

    Una de las principales características de Longitudinales es que sus 12 canciones cuentan con la participación de distintos artistas chilenos. Dënver, We Are The Grand, Zebra 93, Francis Durán, Spiral Vortex, Pau, Dindi Jane, Solar, Amanitas, Entrópica, Bronko Yotte, Ivanewbie y Yorka se suman al recorrido, aportando sus propias voces y sensibilidades.

    Cada colaboración abre una perspectiva diferente dentro del álbum y amplía su paisaje sonoro, convirtiendo el proyecto en un ejercicio colectivo alrededor de la música alternativa chilena contemporánea.

    Musicalmente, el disco se mueve entre el indie pop, el rock de inspiración noventera y la psicodelia, combinando baterías, bajos, guitarras y sintetizadores análogos con elementos de producción moderna. El resultado busca poner en diálogo lo íntimo y lo colectivo, lo cotidiano y lo extraño, así como las experiencias humanas y las transformaciones del presente.

    Las distintas caras de un mismo presente

    Las canciones de Longitudinales recorren diferentes estados y preguntas. “Mente Animal”, junto a We Are The Grand, aborda el choque entre nuestro cerebro primitivo y un mundo que nos mantiene constantemente en alerta, mientras “Sin destino en particular”, con Pau, encuentra cierta calma en el simple acto de viajar sin perseguir una meta.

    Por su parte, “Ruido Blanco”, junto a Zebra 93, se aproxima a la saturación de información propia de la era digital, mientras “Amor Líquido”, con Solar, reflexiona sobre la fragilidad de los vínculos en una época marcada por lo transitorio.

    Estas canciones forman parte de un álbum que propone observar las contradicciones del presente y encontrar conexiones entre experiencias que pueden parecer individuales, pero que también forman parte de una realidad compartida.

    12 canciones para recorrer Los Longitudinales

    El recorrido comienza con “Huella”, junto a Dënver, y continúa con “Mente Animal”, “Ruido Blanco”, “Fondo del set”, “Retrovisor” y “Sin destino en particular”. La segunda mitad del disco incluye “La Fábrica”, “Amor Líquido”, “Anillo”, “Empezar de nuevo”, “Muerde” y “Te sacará de ahí”.

    Mecánico construye un retrato colectivo de un territorio y de quienes lo habitan.

    Chile funciona como punto de partida para hablar también de emociones, relaciones, ansiedad, tecnología, memoria y de la manera en que las personas intentan encontrar algo real en medio del ruido.

    El concepto de Los Longitudinales termina así por ampliar la idea del disco: una identidad imaginaria que reúne a quienes comparten un mismo lugar y siguen intentando entenderlo.

  • La noticia Queer de la Semana: Serbia tiene por primera vez una presidenta lesbiana, pero la representación no garantiza igualdad

    La noticia Queer de la Semana: Serbia tiene por primera vez una presidenta lesbiana, pero la representación no garantiza igualdad

    El 28 de setiembre, Ana Brnabić asumió de manera interina la presidencia de Serbia después de que Aleksandar Vučić renunciara al cargo.

    Como presidenta de la Asamblea Nacional, Brnabić pasó temporalmente a ocupar la jefatura de Estado mientras el país se prepara para elegir a una nueva persona para la presidencia. Su mandato interino puede extenderse por un máximo de 90 días.

    El momento tiene un peso histórico: Brnabić es la primera persona abiertamente homosexual en ocupar la jefatura de Estado de un país de los Balcanes y ya había marcado otro precedente en 2017, cuando se convirtió en la primera mujer y la primera persona abiertamente lesbiana en llegar a la jefatura del Gobierno serbio.

    Pero que una persona LGBTIQ+ llegue a uno de los puestos más altos del poder no significa, automáticamente, que las condiciones de vida de toda la comunidad cambien con ella.

    Una identidad que no quiso convertir en bandera política

    Desde su llegada al poder, Brnabić ha marcado distancia con la idea de ser definida principalmente por su orientación sexual. En 2017, durante su llegada al cargo de primera ministra, declaró que no quería ser etiquetada como una “ministra gay” y que quería ser valorada por su trabajo político.

    La postura puede entenderse desde una idea sencilla: una persona lesbiana no tiene por qué convertirse en portavoz de toda una comunidad únicamente por ser lesbiana. El problema aparece cuando esa representación histórica tampoco se traduce en avances para quienes siguen enfrentando barreras por su orientación sexual o identidad de género.

    Durante su etapa como primera ministra, Brnabić sí participó en espacios vinculados con los derechos LGBTIQ+, incluido el Pride de Belgrado, y su gobierno respaldó la realización de EuroPride en 2022. Sin embargo, organizaciones y análisis sobre el país han señalado que los avances legales para las parejas del mismo sexo y otras demandas de igualdad han sido limitados.

    Cuando llegar al poder no significa abrir la puerta para todas

    Serbia todavía no reconoce legalmente las parejas del mismo sexo con los mismos derechos que las parejas heterosexuales. En 2021 se intentó avanzar con una legislación sobre uniones entre personas del mismo sexo, pero la propuesta no llegó a convertirse en ley. Para 2024, activistas continuaban reclamando que el Estado aprobara un marco legal que reconociera estos vínculos.

    La situación también va más allá del reconocimiento de las parejas. Organizaciones de derechos humanos han documentado agresiones, amenazas y discriminación contra personas LGBTIQ+ en Serbia, mientras que los movimientos de orgullo continúan enfrentando oposición de sectores conservadores y grupos de extrema derecha.

    Por eso, el ascenso de Brnabić plantea una conversación que va más allá del titular histórico. ¿Qué significa que una persona de una comunidad históricamente discriminada llegue al poder cuando las estructuras que afectan a esa misma comunidad permanecen prácticamente intactas?

    La representación importa. Lo que se hace con el poder, también.

    Ver a una mujer lesbiana ocupar la jefatura de Estado de un país balcánico rompe, sin duda, una barrera de representación. Durante décadas, la posibilidad de imaginar a una persona abiertamente LGBTIQ+ en esos espacios de poder parecía incompatible con muchas de las sociedades de la región.

    Pero la representación por sí sola no garantiza igualdad. Una persona LGBTIQ+ en el poder no necesariamente comparte las mismas prioridades políticas de los movimientos que históricamente han luchado por los derechos de la comunidad, y ocupar un cargo no convierte automáticamente a nadie en activista o aliada de esas causas.

    La historia de Ana Brnabić deja precisamente esa tensión sobre la mesa: llegar puede ser histórico, pero transformar requiere algo más. Y para una comunidad, la verdadera medida del cambio no está únicamente en quién ocupa la silla, sino también en si quienes están fuera de ella consiguen vivir con más derechos, protección y libertad.

    Para esta y más noticias unite a Flamingo de Noche, hoy jueves a las 9:00 p.m. por 95.5 FM, Amplify Radio y sé parte de la Flamilia.

  • Silver Soul vuelve con Xeuz y una sesión donde el rap se encuentra con el arte urbano

    Silver Soul vuelve con Xeuz y una sesión donde el rap se encuentra con el arte urbano

    Desde Moravia, el centro del mundo para un proyecto que nació con ganas de hacer las cosas a su manera, Silver Soul vuelve a abrir su universo creativo. La segunda sesión de la propuesta audiovisual tiene como protagonista a Xeuz, rapero costarricense con más de cinco años de trayectoria, quien se reúne con Hot Quesadillas y el DJ Runtz para llevar algunas de sus canciones a un terreno distinto.

    La Silver Soul 002 tuvo su premiere el pasado jueves 24 de setiembre en el Cine Magaly, con tres funciones exclusivas. En esta nueva entrega, el repertorio de Xeuz se transforma a través de una banda en vivo y una propuesta visual que incorpora graffiti, intervenciones artísticas y distintos elementos de la cultura urbana.

    Xeuz lleva sus canciones a otro lugar

    Para esta sesión, Xeuz retoma canciones como “Nos Colamos”, “Acá en la Cima”, “Desde Chepe City”, “Next Season” y “Figueres”, esta última estrenada por el artista durante 2026. Acompañado por Hot Quesadillas y Runtz, el rapero reinterpreta su propio repertorio con nuevos arreglos y posibilidades sonoras.

    La colaboración también representa un nuevo capítulo para Xeuz, quien ha construido su trayectoria desde el rap y la música urbana costarricense. Su discografía incluye NASTY FLAKO (2023), 4U (2024), MOB y MOB II (2025), además de colaboraciones con otros exponentes de la escena nacional y presentaciones junto a artistas como Akapellah, Acru, C.R.O, YSY A y Luar La L.

    Actualmente, el artista supera el millón de reproducciones y ronda los 85 mil oyentes mensuales en Spotify, mientras que su canal de YouTube acumula cerca de dos millones de visualizaciones. Su música también ha encontrado un espacio particular dentro de la escena por la manera en que retrata experiencias vinculadas con la vida urbana y la realidad de la capital.

    Una sesión que también se pinta en vivo

    La música no es el único lenguaje presente en esta segunda entrega. El set de Silver Soul 002 incorpora graffiti en vivo a cargo de Sukeban, colectivo femenino de Hip Hop, además de piezas creadas especialmente para la producción por artistas como Rivero y TIRS.

    La idea es que cada elemento forme parte del mismo universo y que la sesión no se limite a registrar a un artista interpretando sus canciones. Música, arte visual y producción audiovisual se encuentran para construir una experiencia en la que las diferentes disciplinas tienen un papel propio.

    Para Juds Esquivel, directora general de Silver Soul, esta evolución respecto a la primera sesión también fue una oportunidad para comprobar hasta dónde podía llegar el proyecto. La colaboración con Xeuz, además, tiene una historia previa: ambos coincidieron en la dirección del videoclip de “Acá en la Cima”, por lo que esta nueva producción representa otra forma de continuar ese vínculo creativo.

    El “descaro creativo” detrás de Silver Soul

    Más allá de esta sesión, Silver Soul se plantea como un proyecto audiovisual que combina música en vivo, entrevistas y cortometraje, con la intención de ofrecer producciones de alto nivel a artistas que no siempre tienen acceso a los recursos necesarios para desarrollarlas.

    Esa idea atraviesa también la manera en que el equipo entiende el proyecto: como un espacio construido desde la colaboración y la convicción de que el arte puede crecer cuando distintas personas deciden poner sus capacidades en común.

    En palabras de su equipo, Silver Soul es también un ejercicio de “descaro creativo”: hacer algo porque existe la voluntad de hacerlo y confiar en las personas que están alrededor para convertir una idea ambiciosa en una realidad.

    Con Xeuz como protagonista, la segunda sesión vuelve a poner esa filosofía en práctica. El resultado no es solamente una nueva versión de canciones conocidas, sino el encuentro entre músicos, artistas visuales y realizadores que utilizan el proyecto para seguir ampliando el espacio que ocupa el talento costarricense.