Saramalacara, una de las voces más singulares de la nueva escena urbana argentina, llegará por primera vez a Costa Rica el próximo 20 de noviembre para presentarse en Mercado La California, como parte de su MATADEROS WORLD TOUR 2026.
La artista, cuyo nombre real es Sara Azul Froján, nació y creció en Mataderos, Buenos Aires, barrio que da nombre a su más reciente álbum y también a la gira internacional con la que durante 2026 llevará su música por Latinoamérica y Europa.
Con una propuesta que cruza trap, cloud rap, rage, electrónica y pop experimental, Saramalacara ha construido un universo artístico propio, marcado por la experimentación sonora, una fuerte identidad visual y una relación particular con la cultura de internet. Su música se ha desarrollado al margen de las etiquetas tradicionales del género urbano, explorando distintas formas de entender el rap y la música contemporánea.
El lanzamiento de MATADEROS abrió una nueva etapa para la artista, que este año regresó a Lollapalooza Argentina y emprendió una gira internacional que incluye presentaciones en México, Perú, Colombia, Ecuador, Uruguay, Paraguay, Costa Rica, Guatemala, El Salvador y España.
La parada costarricense será una de las primeras visitas de Saramalacara al país y representará una nueva conexión entre la escena urbana argentina y el público costarricense.
El concierto se realizará el viernes 20 de noviembre en Mercado La California, bajo la producción de 2Mundos CA y Mercadito La California.
Las entradas ya están disponibles a través de mistickets.com.
Costa Rica fue el punto final del recorrido centroamericano del OMAKASE Tour y también una de las noches más multitudinarias de esta etapa.
Cerca de 7.000 personas llegaron a Parque Viva para acompañar a Álvaro Díaz en un concierto sold out, después de una gira que pasó por Guatemala, Panamá, El Salvador y Honduras.
Desde temprano, los seguidores comenzaron a llegar al recinto con outfits inspirados en la estética y la discografía del artista puertorriqueño, una tendencia que se ha convertido en parte de la identidad del tour. La espera terminó con un espectáculo que recorrió distintas etapas de la carrera de Díaz y reservó para Costa Rica una canción sorpresa: “Gatillera”.
Costa Rica puso el cierre a cinco noches de OMAKASE
El concierto en Parque Viva marcó el cierre de una serie de cinco presentaciones en Centroamérica. La gira consiguió sold out en Guatemala, El Salvador y Costa Rica, mientras que Panamá y Honduras recibieron al artista por primera vez con una importante asistencia.
En Costa Rica, el público acompañó buena parte del repertorio de memoria, con canciones como “SICHEF.”, “FATAL FANTASY”, “PLN”, “TREINEL.”, “PIENSO EN TI.” y “Problemón”, entre otros temas que conectan distintas etapas de la trayectoria de Álvaro Díaz.
La dinámica de elegir una canción exclusiva para cada concierto también se mantuvo hasta el final del recorrido. Después de “18+1” junto a Jesse Baez en Guatemala, “EN PR NO HACE FRÍO” en Panamá, “OG Black” en El Salvador y “Deportivo” en Honduras, Costa Rica recibió “Gatillera”.
Un show construido alrededor de la identidad de cada público
Uno de los elementos que distinguió la experiencia centroamericana del OMAKASE Tour fue precisamente la posibilidad de adaptar cada noche a su público. Las canciones sorpresa funcionaron como momentos particulares para cada país, mientras que la puesta en escena, las luces y el repertorio mantuvieron la estructura del espectáculo.
En Parque Viva, ese intercambio se hizo especialmente visible en la respuesta del público a “Gatillera”. Las cerca de 7.000 personas que llenaron el recinto acompañaron a Díaz durante la interpretación, cerrando la gira centroamericana con uno de los momentos más esperados de la noche.
El recorrido también permitió a Álvaro Díaz presentarse por primera vez en Panamá y Honduras, mientras consolidaba la conexión que ya mantiene con otros públicos de la región.
El recorrido de OMAKASE continúa
La gira llega después del lanzamiento de OMAKASE, álbum que ya supera las 250 millones de reproducciones a nivel global. El proyecto dio pie a un tour que ha llevado al artista a construir un espectáculo alrededor de diferentes momentos de su carrera y de una estética que también se ha trasladado al público.
Con el cierre de su etapa por Centroamérica en Costa Rica, Álvaro Díaz continuará el OMAKASE Tour por Latinoamérica y Estados Unidos. Cinco países después, la gira deja atrás una serie de noches marcadas por los sold out, las canciones exclusivas y un público que hizo de cada parada una experiencia distinta.
La música costarricense llegó a Guatemala con una presencia especialmente fuerte. Esta semana, artistas nacionales participan en la Estela Week, una jornada que reúne showcases, encuentros con medios y actividades previas a la gala de los Premios Estela 2026, que se realizará este sábado 19 de setiembre en Ciudad de Guatemala.
Gazel, Niah, Kei, Ken Keiter, Sintagma, Maury, Sergio Jaén, Kavvo y Estradda son parte de la delegación costarricense que participa en esta edición con el apoyo de Artistas Intérpretes y Ejecutantes de Costa Rica (AIECR). Durante estos días, los proyectos nacionales han recorrido distintos espacios y medios guatemaltecos para presentar su música y ampliar su presencia en la región.
Costa Rica, entre los países con más nominaciones
La presencia tica no se limita a los showcases. Costa Rica es, después de Guatemala, el país con mayor cantidad de nominaciones en esta edición de los Premios Estela, con 26 postulaciones distribuidas en géneros como salsa, metal, jazz, gospel, pop y música regional, entre otros.
Entre los artistas nacionales nominados destaca KEI, quien llega a esta edición con seis nominaciones y la posibilidad de llevarse seis estatuillas durante la gala.
También habrá espacio para reconocer a artistas que ya cuentan con una trayectoria consolidada en el país. Kavvo recibirá durante la ceremonia un reconocimiento como el artista más sonado en Costa Rica durante 2025.
Una semana para llevar la música tica más allá de las fronteras
La Estela Week también ha servido como punto de encuentro entre los artistas costarricenses y medios de comunicación de Guatemala. Guatevisión, TV Azteca, Los 40, Radio Sónica y Nuestro Diario son algunos de los espacios que han recibido a la delegación nacional, junto con otras emisoras y televisoras.
La participación busca abrir nuevas oportunidades para la música costarricense y generar conexiones con públicos, medios y profesionales de otros países de la región.
Hacia una Ruta Centroamericana de la Música
El trabajo de AIECR en Guatemala también forma parte de un proyecto que busca trascender esta edición de los Premios Estela. La organización trabaja junto con sociedades de gestión colectiva de Panamá, El Salvador y Guatemala en la creación de una Ruta Centroamericana de la Música, pensada como un circuito que facilite la conexión y circulación de artistas dentro de la región.
Marco Arias, presidente de AIECR, describió esta iniciativa como el inicio de un Circuito Centroamericano de la Música y de una industria musical regional con mayores posibilidades de conexión entre sus distintos actores.
“Ya es hora de que otros agentes como los medios de comunicación, instituciones públicas y empresa privada se suban a este tren”
señaló Arias.
La gala llega este sábado
La participación costarricense tendrá su momento central este sábado 19 de setiembre, cuando se realice la gala de los Premios Estela 2026 en Ciudad de Guatemala.
La ceremonia comenzará a las 7 p. m., hora de Guatemala, con una delegación tica que llega a la gala después de una semana de showcases, encuentros con medios y actividades de promoción de la música nacional.
Después de dos décadas construyendo una de las propuestas de reggae más reconocibles de Costa Rica, Fuerza Dread está lista para abrir un nuevo capítulo. La banda presentará por primera vez en vivo su tercer álbum de estudio, Obsidiana, el próximo 9 de octubre en Mercado La California.
El concierto llegará pocos días después del lanzamiento del disco y marcará la primera oportunidad para escuchar sus 11 canciones sobre un escenario, incluyendo temas que la agrupación nunca ha interpretado en vivo. La noche también tendrá un recorrido por algunas de las canciones más emblemáticas de sus 20 años de trayectoria y contará con invitados especiales.
Un disco nacido de la transformación
Aunque Obsidiana coincide con los 20 años de Fuerza Dread, el álbum no busca quedarse en la nostalgia ni hacer un recuento de lo vivido. Para la banda, este momento funciona más bien como una pregunta sobre qué quiere decir y hacia dónde quiere avanzar después de todo lo recorrido.
El propio título del disco representa esa idea. La obsidiana se forma a partir del fuego y, después de atravesar un proceso intenso, termina convertida en una piedra oscura, sólida y singular. Para Fuerza Dread, esa transformación funciona como una metáfora de las experiencias que atraviesan las personas: heridas, pérdidas, rupturas y momentos difíciles que pueden terminar convirtiéndose en parte de una nueva versión de quienes somos.
“Es importante atravesar la oscuridad para encontrar la luz” es una de las ideas que recorre las 11 canciones del álbum.
El reggae como punto de partida
El reggae continúa siendo el centro de la identidad de Fuerza Dread, pero Obsidiana amplía el lenguaje de la banda con elementos de dub, hip-hop, R&B, rock, jazz y funk, además de pasajes atmosféricos y cinematográficos.
La conexión entre todos estos sonidos está en una búsqueda común: el groove. Una exploración que ya comenzó a mostrarse con los tres sencillos que la agrupación ha lanzado hasta ahora: “Espejo Roto”, “Átame” y “Soltar lo que fuimos”.
Cada canción llegó acompañada de su propio videoclip y forma parte del universo visual construido alrededor de Obsidiana, adelantando distintas piezas de la identidad que tendrá el álbum.
Una nueva etapa más allá de Costa Rica
El lanzamiento también llega acompañado de una alianza con Puntilla, compañía musical con sede en Miami que trabaja en áreas como sello discográfico, distribución, publishing y marketing, con una apuesta por conectar artistas latinoamericanos con audiencias internacionales.
Para Fuerza Dread, este vínculo forma parte de un proceso de expansión que busca llevar su música a nuevos públicos sin perder la conexión con el lugar desde donde nació la banda.
“Después de 20 años de banda, seguir sintiendo nervios y expectativa por enseñar música nueva nos parece una buena señal”
Explica Verny Argüello, guitarrista y cofundador de Fuerza Dread. Para el músico, Obsidiana representa buena parte del momento que atraviesa actualmente la agrupación.
Obsidiana sale del estudio
La presentación del 9 de octubre será, en palabras de Argüello, el momento en que el universo construido alrededor del álbum deje de existir únicamente en el estudio y se encuentre por primera vez con el público.
Antes de eso, Fuerza Dread realizará un listening party privado para 100 personas, dirigido a seguidores seleccionados y miembros de la prensa. La convocatoria y los detalles serán anunciados exclusivamente mediante el canal de difusión de la banda en Instagram.
Después de 20 años de camino, Fuerza Dread no vuelve sobre sus pasos: toma todo lo vivido, lo atraviesa y lo convierte en algo nuevo. El 9 de octubre, Obsidiana tendrá finalmente su primera noche en vivo en Mercado La California.
Cerrar una etapa no significa olvidar lo que pasó, implica reconocer cuánto nos transformó, recuperar la voz que habíamos perdido en el camino y decidir qué cosas ya no queremos llevar con nosotras.
Desde ese lugar nace “Punto y Aparte”, el nuevo sencillo de La Sánchez y la última pieza que adelanta su álbum debut, Ultrasensible.
La canción se mueve entre la vulnerabilidad y la certeza. Más que contar una historia de amor específica, La Sánchez utiliza la experiencia de sentirse pequeña, confundida o desconectada de sí misma para hablar de límites, dignidad y de la decisión de volver a ocupar el espacio propio.
Una canción sobre volver a escucharse
“Punto y Aparte” parte de una mirada hacia atrás, pero no para quedarse en la nostalgia. La canción plantea ese momento en el que una reconoce lo vivido y entiende que continuar cargando con una historia también puede impedirle avanzar.
Por eso, el cierre que propone La Sánchez no es una negación del pasado. Es una forma de reconocerlo sin permitir que siga definiendo el presente. La propia voz se convierte así en el centro de una canción que habla de recuperar aquello que alguna vez quedó en segundo plano.
Entre lo etéreo y lo emocional
Musicalmente, el sencillo se construye desde un R&B íntimo y atmosférico. Los sonidos dreamy y etéreos crean una especie de espacio suspendido alrededor de la voz de La Sánchez, generando un contraste con el peso emocional de la letra.
Esa combinación permite que la canción avance entre la nostalgia y la calma, mientras la interpretación vocal pasa de la vulnerabilidad hacia una sensación cada vez más clara de certeza. El resultado acompaña el proceso que plantea la letra: mirar lo que dolió, atravesarlo y finalmente dejarlo atrás.
El último adelanto de Ultrasensible
“Punto y Aparte” es además el tercer y último single previo al lanzamiento de Ultrasensible, el álbum debut de La Sánchez. El proyecto parte de la sensibilidad como una fuerza y construye un universo alrededor de emociones que no siempre resultan fáciles de nombrar.
Dentro de ese recorrido, esta canción funciona como un cierre especialmente personal. No porque borre lo anterior, sino porque abre espacio para lo que viene. Después de reconocer lo vivido, poner límites y recuperar la propia voz, también queda la posibilidad de empezar a escribir una historia diferente.
Las formas de Antoni Gaudí llegarán este sábado a Cartago a través de dos experiencias que proponen acercarse a su obra desde distintos sentidos. Mientras una exposición fotográfica permitirá recorrer los detalles de la Casa Batlló, un concierto en la Basílica de Nuestra Señora de los Ángeles llevará su universo creativo al sonido del órgano y al movimiento de la danza.
La jornada se desarrollará el 19 de setiembre, como parte del Año Gaudí 2026, que conmemora los 100 años de la muerte del arquitecto catalán. Ambas actividades serán de acceso gratuito, con el concierto sujeto a la capacidad del recinto.
La Casa Batlló se instala en el Museo Municipal de Cartago
A las 5:00 p. m., el Museo Municipal de Cartago inaugurará la exposición fotográfica Casa Batlló de Gaudí: La joya modernista del genio catalán.
La muestra reúne 22 paneles fotográficos que permiten detenerse en los colores, las texturas, las formas orgánicas y los detalles arquitectónicos de uno de los edificios más reconocidos de Barcelona. La exposición forma parte de una iniciativa que distribuye 56 paneles entre San José y Cartago: 34 se encuentran en la Plaza de la Cultura y 22 llegarán al museo cartaginés.
La Casa Batlló fue construida originalmente en 1877 y posteriormente reformada por Gaudí entre 1904 y 1906. En su diseño, el arquitecto incorporó elementos inspirados en la naturaleza, además de una exploración particular de la luz, el color y las formas.
En Cartago, la exposición podrá visitarse hasta el 31 de diciembre, ofreciendo una oportunidad para acercarse a la obra de Gaudí sin necesidad de viajar a Barcelona.
El órgano de la Sagrada Familia sonará en la Basílica de los Ángeles
La segunda actividad comenzará a las 7:00 p. m., cuando el organista español Juan de la Rubia, titular de la Basílica de la Sagrada Familia de Barcelona, se presente en la Basílica de Nuestra Señora de los Ángeles con el recital El universo de Gaudí en el órgano de la Sagrada Familia.
El concierto forma parte de la IV Temporada Española de Conciertos 2026 y propone una relación entre la arquitectura de Gaudí y las posibilidades expresivas del órgano. El programa incluye obras de Johann Sebastian Bach, Jehan Alain y Charles Tournemire, además de una improvisación de De la Rubia.
La propuesta también contará con la participación del Taller Nacional de Danza del Ministerio de Cultura y Juventud, que acompañará la música con coreografías. De esta manera, el recital no se limitará a una presentación instrumental, sino que incorporará el cuerpo y el movimiento como parte de la experiencia.
La entrada será gratuita hasta completar el aforo.
Una misma obra vista desde diferentes lenguajes
La programación dedicada a Gaudí propone algo más que presentar una de sus construcciones más famosas o llevar su nombre a un concierto. La exposición permite observar la arquitectura a través de sus detalles, mientras que el recital busca traducir algunas de sus inquietudes —como la naturaleza, la luz y la dimensión espiritual— al lenguaje musical y escénico.
Ambas actividades forman parte de una agenda cultural que se extiende durante el año en Costa Rica, con exposiciones, recorridos, charlas y talleres alrededor del legado del arquitecto catalán.
Datos de la jornada
Exposición fotográfica: 5:00 p. m. Museo Municipal de Cartago.
Concierto de Juan de la Rubia: 7:00 p. m. Basílica de Nuestra Señora de los Ángeles, Cartago.
Entrada gratuita, sujeta a la capacidad del recinto en el caso del concierto.
Este sábado, Cartago tendrá la oportunidad de acercarse a Gaudí desde la fotografía, la música y la danza: tres maneras distintas de entrar en conversación con una obra que continúa inspirando mucho después de su creación.
La música costarricense vuelve a encontrar espacios dentro de los Latin Grammy. La edición número 27 de los premios incluye a Kendall Peña, nominada a Mejor Nuevo Artista, pero también reconoce trabajos en los que participan otros nombres vinculados a la escena nacional, como Debi Nova, Julián Bernal y Bombocat.
La Academia Latina de la Grabación anunció este 16 de setiembre las nominaciones para la ceremonia, que se realizará el próximo 12 de noviembre en el MGM Grand Garden Arena de Las Vegas. La lista reúne producciones de distintos géneros, generaciones y territorios de la música latinoamericana.
La representación costarricense también está detrás de los discos
La presencia de Costa Rica en esta edición no se limita a las nominaciones directas de intérpretes.
Kendall Peña aparece en la categoría de Mejor Nuevo Artista, mientras que Debi Nova compite en Mejor Álbum Pop Contemporáneo con Todo Puede Convertirse En Canción. El disco también cuenta con la participación del productor costarricense Julián Bernal, cuya labor forma parte del trabajo nominado.
En el caso de Bombocat, su participación se encuentra en Más Cara, el álbum de Bad Gyal nominado a Mejor Álbum de Música Urbana. Su aporte como productor forma parte de una producción que llega a la lista de candidaturas de la Academia.
Esta distinción es importante: ni Bernal ni Bombocat aparecen como nominados individuales en esas categorías, sino que sus trabajos están vinculados a álbumes que sí recibieron una candidatura. Aun así, sus contribuciones permiten observar cómo la participación de profesionales costarricenses también se extiende a producciones internacionales.
Una lista que cruza el pop, lo urbano y las nuevas voces
La categoría de Mejor Nuevo Artista reúne a Fabian, Kendall Peña, Sofia Monroy, Delilah, Loulu Gilberto, Arath Herce, Macario Martínez, maye, Dora Sanches, ARIA VEGA y Zeca Veloso. La selección incorpora proyectos de distintas procedencias y propuestas que han comenzado a desarrollar su recorrido dentro de la industria.
En las categorías de pop, Joaquina aparece nominada por “Amarillo” en Mejor Canción Pop y por “Generación Digital” en Mejor Canción Cantautor. Anitta, por su parte, compite en Álbum del Año y Mejor Álbum de Pop Contemporáneo en Lengua Portuguesa con EQUILBRIVM.
La música urbana también tiene una presencia amplia. Feid suma nominaciones por “Se Lo Juro Mor”, “Poder” y su participación en “Verano Rosa” junto a Karol G. Bad Gyal aparece en Mejor Interpretación Reggaeton por “Choque”, junto a Chencho Corleone, y en Mejor Álbum de Música Urbana por Más Cara.
Rock, música mexicana y otras escenas dentro de la lista
La edición 2026 también incluye propuestas de diferentes tradiciones musicales. En la categoría de Mejor Canción de Rock, The Warning compite con “EGO”, mientras que Juanes aparece en Mejor Álbum Pop/Rock con JuanesTeban. El artista colombiano suma además una candidatura en Canción del Año por “Humano”, junto a Vivir Quintana.
En las categorías de música mexicana figuran Camila Fernández, nominada por La Fernández en Mejor Álbum de Música Ranchera-Mariachi; Banda Los Recoditos, por Piratita en Mejor Álbum de Música Banda; y Calibre 50, por El Mundo Es Del Que Se Anima en Mejor Álbum de Música Norteña.
También aparecen Greeicy, nominada por Candela en Mejor Álbum Tropical Contemporáneo, y artistas como Esteman y Daniela Spalla, quienes compiten en Mejor Álbum Pop Tradicional con Amorío.
Una ceremonia que reunirá distintas formas de crear música
Las nominaciones de este año muestran una industria donde la creación musical no ocurre únicamente frente al micrófono. Intérpretes, compositores, productores y otros profesionales participan en obras que pueden terminar representadas en distintas categorías.
Para Costa Rica, la presencia de Kendall Peña, Debi Nova, Julián Bernal y Bombocat permite acercarse a los Latin Grammy desde diferentes lugares: como artista nominada, como intérprete con un álbum reconocido y como parte de los equipos creativos que hacen posibles esas producciones.
La ceremonia se celebrará el 12 de noviembre en Las Vegas, donde se conocerán los proyectos y artistas que recibirán los reconocimientos de esta edición.
El menú de Álvaro Díaz ya pasó por Colombia, Guatemala, Panamá y El Salvador, y ahora tiene una nueva parada en Centroamérica: Costa Rica.
El artista puertorriqueño llegará este jueves 17 de setiembre a Parque Viva, en La Guácima de Alajuela, como parte de su OMAKASE Tour. El concierto está programado para las 7 p. m.
La parada costarricense llega pocos días después de su presentación en El Salvador, donde miles de personas acompañaron al artista en una noche marcada por canciones de OMAKASE, algunos de sus temas más conocidos y una sorpresa que convirtió el concierto en algo distinto a una simple reproducción del disco: “OG Black”, perteneciente a Felicilandia, fue revelada como canción exclusiva del show.
Con la gira avanzando por Centroamérica, Costa Rica será ahora el siguiente lugar en recibir una experiencia construida alrededor del universo de OMAKASE.
Una gira que juega con la idea de dejarse sorprender
El concepto de OMAKASE parte precisamente de la idea de confiar en quien está al otro lado de la mesa. Para Díaz, llevar ese concepto a un álbum significó asumir el papel de chef y decidir qué quería servir, cómo combinar cada elemento y en qué momento revelar cada parte del proyecto.
El disco, lanzado en mayo de este año, fue presentado por el propio artista como una experiencia dividida en cuatro partes y construida alrededor de diferentes “sabores” musicales.
Esa idea también se trasladó al escenario.
Durante la presentación en El Salvador, el público pudo escuchar canciones como “SELEDA.”, “NO PODEMOS SER AMIGOS.” y “PIENSO EN TI.”, además de temas como “Llori Pari”, “QUIEN TE QUIERE COMO EL NENE” y “YOKO”. La aparición de “OG Black” como canción exclusiva demuestra que el repertorio de la gira también puede reservar espacio para momentos que no necesariamente están anunciados de antemano.
De “SELEDA.” a “PIENSO EN TI.”
OMAKASE ha encontrado una parte importante de su identidad en la manera en que Álvaro Díaz se mueve entre distintos sonidos sin abandonar su raíz urbana.
El álbum combina reguetón, hip hop, electrónica y otros elementos que acompañan una propuesta construida tanto desde la música como desde el concepto visual. Entre sus canciones aparecen desde la energía más cruda de “SICHEF.” hasta “SELEDA.”, una pieza que mezcla merengue y electrónica y que fue producida por El Guincho.
Esa amplitud ayuda a explicar por qué el OMAKASE Tour no se limita a presentar un álbum de principio a fin. El espectáculo recorre diferentes etapas de la carrera reciente de Díaz y deja espacio para canciones que sus seguidores llevan tiempo esperando escuchar en vivo.
En El Salvador, el propio artista resumió el vínculo con su público de una manera sencilla:
“Estábamos, yo y todo mi equipo, súper locos por volver a estar acá.”
Ahora esa misma energía se traslada a Costa Rica.
Este jueves, la mesa está servida en Parque Viva
La cita con Álvaro Díaz será este jueves 17 de setiembre en Parque Viva, en La Guácima de Alajuela, con inicio a las 7 p. m. El concierto es para personas mayores de 15 años; quienes tengan 15 años pueden ingresar acompañados por una persona adulta responsable.
El concierto costarricense llega en medio de una gira que continuará posteriormente por Latinoamérica y Estados Unidos, después de pasar por otras ciudades de la región. OMAKASE, por su parte, ya supera las 250 millones de reproducciones globales, según la información proporcionada por el equipo del artista.
Así que este jueves no toca esperar a que el menú llegue a la mesa: Álvaro Díaz trae el OMAKASE directamente a Costa Rica.
Un exvoto nace de una promesa y termina convertido en un objeto. Puede ser una forma de agradecer, recordar o dejar constancia de algo que ocurrió.Science of Sensations tomó esa idea como punto de partida para nombrar su nuevo álbum de estudio: Exvotos, un material que reúne tres años de composición y planificación y que finalmente toma una forma tangible.
Pero el concepto no se queda en la portada. El álbum también habla, desde la música, sobre el paso del tiempo, la supervivencia y la memoria. Lo hace sin recurrir a una voz humana: guitarras, bajo y batería construyen por sí mismos las atmósferas de un disco que se acerca más al lenguaje cinematográfico que a una narrativa tradicional de canciones.
Una promesa que tomó tres años en materializarse
Para Science of Sensations, Exvotos representa el resultado de un proceso prolongado de composición, producción y planificación. La referencia a los exvotos proviene de su dimensión estética y antropológica: objetos que convierten una experiencia o una promesa en algo que puede verse y conservarse.
Esa relación con lo tangible atraviesa la concepción del álbum. Después de tres años de trabajo, las composiciones dejaron de ser únicamente ideas para convertirse en una grabación concreta, con una identidad visual y audiovisual que amplía la experiencia del disco.
La banda decidió además alejarse de cualquier lectura estrictamente religiosa del concepto. En Exvotos, la idea funciona como una manera de hablar sobre aquello que permanece: lo que sobrevivimos, lo que recordamos y las marcas que deja el tiempo.
Buenos Aires como parte del sonido
El proceso de grabación llevó a Science of Sensations hasta Buenos Aires en 2025. Durante una semana de trabajo intensivo, la banda se reunió con la productora audiovisual Mural Sessions para registrar el álbum en tres espacios con un peso particular dentro de la historia musical de la región: Estudios ION, Romaphonic y Unísono.
La elección de estos estudios no funciona solamente como un dato de producción. Cada espacio forma parte del recorrido que terminó dando forma sonora a Exvotos, en una etapa que la propia banda describe como la más ambiciosa de su trayectoria.
El resultado es un álbum que encuentra buena parte de su identidad en la interacción entre sus instrumentos. Sin voces que conduzcan la atención hacia una historia concreta, las guitarras, el bajo y la batería tienen que construir el relato desde el ritmo, las capas y las texturas.
Música sin palabras para construir imágenes
Esa ausencia de voz humana abre uno de los elementos más interesantes de Exvotos: las canciones pueden funcionar como escenas sin necesidad de explicar exactamente qué estamos viendo.
Science of Sensations utiliza sus instrumentos para construir paisajes inmersivos y cinematográficos, dejando que la música sugiera movimiento, tensión, memoria o permanencia sin traducir esas ideas en una letra.
La propuesta también se extiende al registro audiovisual. Cada pieza cuenta con una sesión de estudio en video, ya disponible, mientras que un documental permite seguir el detrás de escena del viaje a Buenos Aires y el proceso creativo que terminó convirtiéndose en el álbum.
Así, Exvotos no queda limitado al formato de un disco. Su concepto se desarrolla entre la música, las imágenes y el registro de un proceso que comenzó mucho antes de entrar al estudio.
Después de tres años de trabajo, Science of Sensations finalmente puede poner ese proceso frente al público. Como el objeto que inspira su nombre, Exvotos convierte algo que durante mucho tiempo existió como intención y promesa en una pieza concreta: un álbum construido desde la memoria, el paso del tiempo y todo aquello que consigue permanecer.
El arpa de Elizabeth Steiner no suele ser el instrumento que uno espera encontrar al centro de una pieza con raíces reggae. En “Miss Neptune”, sin embargo, ese encuentro funciona como una de las decisiones que le dan identidad a la canción: sus riffs se entrelazan con los teclados de Marco Benevento mientras la batería y el bajo de Nick Movshon mantienen un pulso relajado y constante.
Ahora, Benevento comparte “Miss Neptune (Live at Diamond Mine)”, una nueva versión registrada en Diamond Mine Studio que permite escuchar esa interacción con otra cercanía. La interpretación conserva el groove profundo de la grabación original, pero deja más espacio para percibir cómo los instrumentos se responden y modifican el movimiento de la pieza mientras avanzan.
El lanzamiento llega como parte de la etapa de presentación de Glera, el álbum debut de Benevento con Big Crown Records, un proyecto que tomó tres años de composición y terminó reuniendo algunas de las inquietudes musicales más amplias del tecladista.
Un groove donde cada instrumento tiene algo que decir
Coproducida por Nick Movshon, “Miss Neptune” está construida sobre una base rítmica sencilla en apariencia, pero llena de pequeños desplazamientos. Movshon se encarga además del bajo y la batería, formando una sección que no busca dominar la canción, sino darle suficiente espacio para que Benevento y Steiner desarrollen la conversación entre teclados y arpa.
El resultado tiene una cualidad envolvente que viene precisamente de esa repetición con variaciones. El groove permanece estable mientras las capas superiores cambian de lugar, creando una sensación casi circular.
En la versión grabada en Diamond Mine Studio esa dinámica se vuelve todavía más evidente. Al tratarse de una interpretación en vivo, la canción adquiere una dimensión más física: se puede seguir el intercambio entre los músicos y la manera en que la pieza se sostiene sobre la química del grupo.
De las bandas sonoras italianas al reggae, el jazz y el soul
“Miss Neptune” también sirve para entender por qué Glera resulta difícil de encerrar en un solo género.
El álbum comenzó a partir de un ejercicio de composición inspirado en las bandas sonoras del cine italiano y en el peso de la melodía. Esa idea fue creciendo durante tres años hasta incorporar reggae, jazz, soul, arreglos orquestales y atmósferas de psych-pop.
Benevento recorre ese mapa con colaboradores como Dream Crease, Chiara Civello, Molly Lewis y Marianne Mirage, además de músicos como Leon Michels, Hether, Dave Guy, Homer Steinweiss, Elizabeth Steiner, Lee Falco, 13th Ward Social Club y Nick Movshon.
Cada colaboración abre una puerta distinta. “Frizzante” se mueve desde otra energía; “Turandot”, junto a Marianne Mirage, apuesta por un dramatismo más elegante; “Big Top” juega con el llamado circus funk; “Houdini” se acerca al jazz-fusión; mientras “I Can’t Control This Bliss”, con Dream Crease, se instala en terrenos de dream pop.
“Miss Neptune” encuentra su propio lugar desde el reggae, pero no como una reproducción de sus códigos más reconocibles. Benevento lo utiliza como punto de partida para construir una pieza donde el ritmo y las texturas tienen tanto peso como la melodía.
La otra cara de Glera
Escuchar “Miss Neptune” en vivo permite volver a Glera desde una perspectiva diferente. El álbum puede presentar una producción amplia, con múltiples instrumentos, voces y referencias, pero esta sesión reduce el foco a la relación entre quienes están tocando.
Ahí aparece una faceta especialmente interesante de Benevento: la de un músico que puede partir de una idea concreta y dejar que esta se transforme al entrar en contacto con otros intérpretes.
En Diamond Mine Studio, “Miss Neptune” no necesita demasiados adornos para funcionar. El bajo marca el camino, la batería sostiene el paso, los teclados abren espacios y el arpa los recorre. La canción simplemente se mueve.
Y quizás esa sea una de las mejores formas de acercarse a Glera: siguiendo el hilo que conecta esas canciones. La curiosidad de Benevento por descubrir qué puede ocurrir cuando diferentes sonidos comparten el mismo espacio.
