Tuvieron que pasar más de 20 años para que el actor Joaquin Phoenix y el cineasta Ridley Scott volvieran a unir fuerzas para una superproducción cinematográfica. Fue en el año 2000 que Scott escogió a Phoenix para el papel del villano en la película “Gladiator” protagonizada por Russel Crowe. Ahora ambos grandes del cine vuelven a aliarse para el ambicioso filme sobre el emperador francés, “Napoleon”.
“La verdad es que había una idea muy nostálgica de volver a trabajar con Ridley”, dijo Phoenix en entrevista para la revista Empire Magazine.
“Tuve una experiencia tan increíble trabajando con Ridley en “Gladiator”, y estaba muy joven. Fue mi primera gran producción. Realmente anhelaba tener esa experiencia otra vez, o algo similar. Me había hablado de otras cosas en el pasado, pero nada que se sintiera como algo exigente para ambos. Y realmente me gustó la idea de saltar con Ridley a algo que iba a ser eso”.
Phoenix no había cumplido 30 años cuando interpretó el papel de Commodus en “Gladiator”. Desde entonces se ha vuelto uno de los actores más exitosos de su generación cosechando tres nominaciones a mejor actor en los premios de la Academia de Hollywood y finalmente ganando un Óscar por su inigualable interpretación del Guasón en la película “Joker” del 2018.
Por su parte, Scott reveló que pasó 10 días sentado con Phoenix leyendo el guión de “Napoleon”, escena por escena en lo que terminó siendo prácticamente un ensayo. Fue así como repasaron los detalles de un personaje que tuvo relaciones amorosas tumultuosas, realizó hazañas oscuras y lidió con extraordinarias ambiciones de conquistar territorios.
En la película se destaca el rol de la actriz británica, Vanessa Kirby, quien da vida a la esposa de Napoleón, Joséphine de Beauharnais. “Napoleon” de Sony Entertainment y Apple Films tendrá su estreno el 22 de noviembre de 2023.
The Jungle Giants y RENEE borran más de catorce mil kilómetros de distancia, uniendo México con Australia en su último sencillo “Rakata”.
Eliminando las fronteras incluso en el idioma, esta canción se presenta con letras en inglés y español, el ritmo trascendental muestra el lenguaje universal de la música, equilibrando la sensualidad de los flujos de R&B y las cajas de ritmos inspiradas en el trap. “Rakata” es una carta de amor a México, a su gente y a las maravillosas aventuras que The Jungle Giants ha tenido recientemente en el país.
“‘Rakata’ comenzó como un experimento divertido que se convirtió en un bonito viaje que me cambió la vida. Inicialmente comencé la canción con samples en español, que eventualmente cambiaría a inglés, pero la canción sonaba mucho mejor como algo bilingüe. Conocer a RENEE se volvió igual de especial y le dio a la canción mucho más significado. Hicimos clic al instante y se puede ver en el video, donde solo somos dos nuevos amigos teniendo una aventura” Sam Hales, cantante de The Jungle Giants
A partir del próximo mes, The Jungle Giants emprenderá una gira por Norteamérica. Durante el tour, la banda se unirá al lineup del Festival Outside Lands en San Francisco junto a Kendrick Lamar, Lana Del Rey y The 1975, además subirán a los escenarios del Festival BLEACHED de San Diego (un evento organizado por el equipo del Festival CRSSD). Las fechas recientemente anunciadas también cuentan con espectáculos importantes en Los Ángeles, Phoenix, Denver y Vancouver, con el espectáculo de Nueva York ya agotado en un 75%.
Con más de 500 millones de reproducciones en todo el mundo y cuatro álbumes, siendo “Love Signs”, número 1 en las listas de ARIA, The Jungle Giants son, sin lugar a dudas, la realeza australiana del indie-rock. Conocida por ofrecer presentaciones en vivo explosivas y llenas de energía, la banda está compuesta por Sam Hales (vocalista/guitarrista/compositor/productor), la guitarrista principal Cesira Aitken, el bajista Andrew Dooris y el baterista Keelan Bijker.
El año pasado, la banda encabezó festivales y agotó presentaciones de hemisferio a hemisferio. En lo que va de 2023, The Jungle Giants han tocado en los Festivales Okeechobee y M3F en los Estados Unidos, así como en el Festival Laneway en su país de origen, y una gira principal por México. El resto del año tendrán una gira por América del Norte en agosto y se anunciarán muchas más fechas por diferentes partes del mundo.
Washington, 26 jul (EFE).- Un subcomité del Congreso de Estados Unidos pidió este miércoles al Gobierno que informe de los datos que tiene sobre objetos voladores no identificados tras escuchar la declaración de exmiembros del Ejército que aseguran haberlos visto y que también dicen que las autoridades guardan pruebas de ellos.
Los tres militares retirados aseguraron que las autoridades estadounidenses han detectado sobre el espacio aéreo del país desde hace décadas como una amenaza para la seguridad nacional, independientemente de su origen.
(i-d) Los militares retirados Ryan Graves, David Grusch y David Fravor participan en una audiencia ante el un subcomité de la Cámara de Representantes estadounidense encargado de investigar los llamados “fenómenos anómalos no identificados”, este 26 de julio de 2023, en Washington. EFE/Jim Lo Scalzo
Todos ellos testificaron ante un subcomité de la Cámara de Representantes de Estados Unidos encargado de investigar los llamados “fenómenos anómalos no identificados”, u ovnis.
Ante la abundancia de testigos, en muchos casos pilotos tanto militares como civiles, los integrantes del subcomité demandaron que el Gobierno estadounidense establezca un sistema “transparente y seguro” para que estos incidentes puedan ser reportados ante las autoridades sin dañar la reputación de los testigos.
El testimonio más relevante fue el de David Grusch, un oficial de inteligencia de la Fuerza Aérea de Estados Unidos, que afirmó que las autoridades estadounidenses están en posesión tanto de naves de origen extraterrestre como de los restos de sus ocupantes.
Grusch también señaló que Estados Unidos tiene un programa para estudiar la supuesta tecnología extraterrestre e intentar reproducirla a través de la llamada ingeniería inversa.
El exoficial de inteligencia, que en numerosas ocasiones se negó a ofrecer detalles concretos ante las preguntas de los congresistas por ser información reservada, también afirmó que algunas de las personas que trabajan con esa tecnología extraterrestre han resultado heridas en accidentes al intentar manipular los equipos capturados.
El teniente Ryan Graves, un antiguo piloto de un avión de combate F-18 de la Marina estadounidense, señaló en su declaración inicial que “si los ovnis son drones extranjeros, son un urgente problema para la seguridad nacional”.
Graves añadió que si los ovnis no son de origen humano, “es un tema para la ciencia. En cualquier caso, los objetos no identificados son una preocupación para la seguridad aérea”.
Otro de los testigos, el comandante David Fravor, también un piloto retirado de la Marina, testificó como presenció en 2004 un ovni con la forma de un “tic tac”, un popular caramelo norteamericano que aparenta una píldora, con capacidades de vuelo imposibles para la tecnología de los Estados Unidos.
Graves declaró que si los Estados Unidos poseen ese tipo de tecnología, “necesita ser supervisada” por los legisladores, que son los que tienen que decidir qué es lo mejor para los intereses de los estadounidenses.
¿Vamos al cine a ver una película color de rosa o una sobre el hombre que desarrolló la bomba atómica y se convirtió en el “destructor de mundos”? Este es el gran dilema para el fin de semana de estreno de dos de las superproducciones más esperadas del año: “Barbie” de Greta Gerwig y “Oppenheimer” de Christopher Nolan.
De ahí que las redes sociales hayan hecho tendencia el concepto de “Barbenheimer”, una unión de palabras que contempla los títulos de ambos filmes. Una idea que provoca una reflexión sobre dos relatos radicalmente distintos en su abordaje y que visiblemente han contrastado en su mercadeo.
Mientras que en los clips y afiches “Barbie” luce el color rosa en sus atuendos, carros, casas y paisajes; “Oppenheimer” se promocionan con imágenes de explosiones y la foto en blanco y negro de Cillian Murphy con un cigarrillo en la boca.
La pregunta que surge es ¿cuál ver primero? La cinta rodada en cámara de IMAX de Nolan dura 3 horas y es sobre el físico J Robert Oppenheimer que formó parte del Proyecto Manhattan para el desarrollo de la bomba atómica. El filme es una adaptación del libro “American Prometheus: The Triumph and Tragedy of J. Robert Oppenheimer” (Prometeo americano: El triunfo y la tragedia de J. Robert Oppenheimer) escrito por Kai Bird y Martin J. Sherwin.
La biografía es sobre el hombre que, tras la detonación de la bomba de prueba en el desierto de Nuevo México, pensó en el texto sagrado del Bhagavad-Gita sobre cómo se habría convertido en el “destructor de mundos”.
Por otro lado, Gerwig buscará hacer un comentario social sobre la muñeca de Mattel que marcó fuertemente los estándares de belleza para las mujeres en buena parte del mundo. Protagonizada por la australiana, Margot Robbie, la película cuenta la historia de cómo la Barbie estereotípica es expulsada de Barbieland y debe viajar al mundo real para encontrar la verdadera felicidad.
¿Y por qué no ver ambas? Según reportó el medio Variety, en EE.UU. se han vendido más de 40.000 tiquetes “dobles” para sentarse a ver ambas cintas el mismo día en las salas de AMC Theatres. Variety también indicó que, en términos de taquilla, se espera que “Barbie” supere a “Oppenheimer” en sus primeros días de estreno.
Teníamos la opción de darle una oportunidad a la muy criticada “The Flash” o de revisitar nostalgia con Harrison Ford como Indiana Jones en la quinta entrega de la saga, “Indiana Jones and the Dial of Destiny”. Pero no si ya estaba disponible la nueva de Tom Cruise en preestreno.
Lo siento DC Comics e Indiana, pero solo hay un actor y productor que se esmera por hacer películas para la pantalla grande y esas oportunidades no se pueden desaprovechar.
Más aún en estos tiempos donde no hay una “guerra de las galaxias” sino unas “guerras del streaming” donde pocas plataformas se disputan a un público que pareciera tiene cada vez menos ganas de buscar trasladarse a la sala de cine más cercana y más bien opta por consumir contenido en su casa a través de una pantalla más chica.
Vamos por la sétima (parte 1)
“Mission: Impossible – Dead Reckoning Part One” (Misión Imposible: Sentencia Mortal – Parte 1) es la primera parte de la sétima entrega de la saga de Misión Imposible. Una serie de películas que inició en 1996 y desde entonces ha sido protagonizada por Tom Cruise como el desafiante espía norteamericano Ethan Hunt.
Al hacer un recuento por la franquicia, nos damos cuenta que no se han producido películas realmente malas. Por lo general, “Misión Imposible 2” es la peor valorada en sitios agregadores como Rotten Tomatoes. Pero después del 2020, valdría la pena darle una segunda ojeada a una película de acción cuya trama tiene que ver con una posible pandemia.
Lo que sí es cierto es que la franquicia moderna se ha convertido en una de las más exitosas en la historia del cine y el recibimiento que han tenido las tres entregas más recientes, todas a cargo del director Christopher McQuarrie, han sido muy positivas. Misión Imposible 7 (MI:7) continúa el legado admirable de Cruise y McQuarrie como un poderoso equipo de trabajo en el cine de acción de Hollywood.
En “Top Gun: Maverick” (también protagonizada por Cruise) surgió la pregunta: ¿siempre ocupamos pilotos para las aeronaves militares o podríamos operarlos como drones? MI:7 plantea un argumento similar en torno a la inteligencia artificial, pero lleva el asunto un paso más adelante: aún si llegáramos al punto de que no ocupamos humanos, ¿podríamos confiar y controlar la inteligencia artificial en este tipo de aplicaciones?
El malo de la película se llama “La Entidad”. Es una inteligencia artificial que ha conseguido acceder a las bases de datos de las agencias de inteligencia del mundo y posiblemente lo hizo tras haber desarrollado una conciencia. ¿Cómo detener sus operaciones? Llamen al FMI. No, no al Fondo Monetario Internacional, a la Fuerza de Misión imposible (Imposible Mission Force, en inglés).
La pregunta es, aún si Ethan Hunt y compañía logran localizar y acceder al poder del que dispone la inteligencia artificial ¿podrían derrotarla? Lo que sí se debe impedir es que el acceso caiga en las manos equivocadas.
El Macguffin de la 7 son dos mitades de una llave
Parafraseando al gigante del cine de suspenso, Alfred Hitchcock, el Macguffin es un elemento (usualmente un objeto) presente en películas de suspenso que juega un papel muy importante en avanzar la trama. En la primera secuencia de MI:7 nos sumergimos con un submarino ruso llamado el Sebastopol y descubrimos que el Macguffin son dos mitades de una llave.
Ahí mismo nos damos por enterados del acceso que desbloquea la llave consolidada en relación a “La Entidad” y por qué esta inteligencia artificial tiene una omnipresencia tenebrosa.
Como público sentado en la butaca, ya tenemos más información que los protagonistas del relato. Generado el suspenso, avanzamos en la trama, reconocemos a personajes entrañables de la saga (Luther y Benji) y descubrimos a unos nuevos; tal es el caso de Hayley Atwell, una ladrona profesional llamada Grace que fue contratada para obtener la llave.
“Dead Reckoning Part One” ya goza de una aprobación por encima del 90% y ha recaudado más de $56 millones en su primer fin de semana de estreno en Estados Unidos. Pero para dar una mejor evaluación debemos esperar a la segunda parte para ver cómo Cruise y McQuarrie logran atar los cabos sueltos del relato audiovisual y hacer un verdadero comentario sobre posibles y peligrosas usos de la inteligencia artificial. Lo que sí se nota es un rechazo fuerte hacia la I.A. y en lo que se ha convertido en esta historia.
Lo más espectacular de la cinta sin duda alguna son las escenas de acción que solo Tom Cruise puede llevar a cabo. Solo para mencionar una, la estrella de cine realiza un salto en motocicleta desde una montaña empedrada, activa un paracaídas y cae encima de un tren en movimiento.
Se destaca también la persecución en automóvil por las calles angostas de Roma (Italia), una experiencia amplificada por la espectacular banda sonora a cargo del compositor Lorne Balfe, y las secuencias de acción física en las que vemos literalmente a nuestros héroes guindando de los vagones de un tren descarrilado.
Una más para el exitoso equipo de Cruise y McQuarrie
Por el momento, consideramos que “Rogue Nation” (2015) y “Fallout” (2018) superan a la más reciente entrega de Misión Imposible de las tres que ha dirigido McQuarrie. En particular, “Rogue Nation” es la que sobresale (no solo por esa escena del principio con Tom Cruise colgando de un avión en pleno despegue) sino por lo que marcó Rebecca Ferguson como la agente Ilsa Faust.
Son pocas veces en el cine que la dama más bien es la que salva al caballero, rompiendo paradigmas y revelando un lado más humano del propio Ethan Hunt que se desvela por proteger a sus amigos.
Con “Rogue Nation”, McQuarrie definió que lo más importante para Hunt, Luther y Benji es la amistad y lo vimos en acción; desde los sacrificios personales hasta la captura en sincronía del villano de ese entonces. En MI:7 tenemos presente el significado de la amistad y el tema es subrayado. Pero no podemos dejar de lado las implicaciones angustiantes y a veces mortales que significa estar ligado al IMF.
Definitivamente recomendamos ir a ver MI:7 al cine y que por favor Tom Cruise siga corriendo en películas y produciendo experiencias cinematográficas calibradas para la pantalla grande.
En “Cines y Afines” le damos 3 estrellas de 5 a “Dead Reckoning Part One”, una más para el exitoso equipo de Cruise y McQuarrie.
Londres, 17 jul (EFE).- “El cine no funciona bien cuando es didáctico y nos dice lo que tenemos que pensar”, afirma el director Christopher Nolan al presentar “Oppenheimer”, un filme intenso que plantea dilemas morales mientras reta a la audiencia a “meterse en la mente” del “padre” de la bomba atómica.
El riesgo real de provocar la destrucción del planeta con el objetivo de salvarlo fue la extraña paradoja que afrontó el físico teórico estadounidense de origen judío J. Robert Oppenheimer, a quien Nolan ha querido descifrar, desde varios ángulos, con su última película, que se estrena el 20 de julio en España y América Latina.
“Lo que me atrajo (de la historia) fue la complejidad y las difíciles cuestiones que plantea”, explica Nolan en un encuentro virtual con medios de comunicación.
Con esta cinta de tres horas de duración, el cineasta dice que ha intentado “comprender” la vida y el legado del renombrado director del Laboratorio de Los Álamos durante la II Guerra Mundial, un hombre brillante, complejo, seductor, lleno de conflictos, apabullado por la enormidad de las consecuencias de sus actos.
Nolan, sin embargo, evita los enfoques aleccionadores en su trabajo. En este sentido, asegura que en ningún momento ha pretendido “enviar ningún mensaje específico” con Oppenheimer: “El cine no funciona bien cuando es didáctico, cuando le dice a la audiencia lo que tiene que pensar”, observa.
La productora Emma Thomas y el director Christopher Nolan en la premiere de Oppenheimer en Londres. EFE/EPA/ANDY RAIN
Tras “pasar horas en la mente de Oppenheimer”, el venerado director británico (autor, entre otros filmes, de “Inception” (Origen, 2010) o “Interstellar” (2014) dice que al terminar la grabación, logró “desarrollar un entendimiento” acerca de quién fue realmente el científico, “y por qué hizo lo que hizo”.
“Creo que al finalizar la historia, ésta debería plantearnos algunas preguntas perturbadoras y debería haber cosas que debamos revaluar sobre lo que hemos visto y experimentado”, indica.
Para llevar esta trama a la gran pantalla, Nolan se inspiró en la novela “American Prometheus: The Triumph and Tragedy of J.Robert Oppenheimer”, de Kai Bird y Martin J.Sherwin, ganadora del premio Pulitzer, y obtiene efectos sobrecogedores en la audiencia combinando la técnica IMAX con secciones en blanco y negro de fotografía analógica.
El actor Robert Downey Jr en la premiere de Oppenheimer en Londres. EFE/EPA/ANDY RAIN
Según reconoce, supo quién encarnaría al controvertido físico cuando terminó de escribir el guión, contemplando la “mirada intensa” de una fotografía del verdadero Oppenheimer que aparecía en la portada del citado libro.
Admite que ahí fue cuando vio claro que el papel iría sin duda a su “amigo” el actor irlandés Cilian Murphy (“Inception” -Origen- y “The Dark Knight Trilogy”- El caballero oscuro-), “uno de los actores de mayor talento que existen” y con el que ha querido “que la audiencia pudiera meterse en la cabeza” del físico.
UN REPARTO PLAGADO DE ESTRELLAS
La admiración es mutua. Durante las entrevistas previas al estreno, el propio Murphy confiesa que al serle asignado ese papel llegó a sentirse “un poquito abrumado, en shock” y asegura que se dio cuenta al momento de que era “uno de los mejores guiones que había leído” al que “tienes que decir que sí”.
“Christopher Nolan es un director extraordinario en todos los sentidos; es el director perfecto, un guionista fantástico, increíble con los actores y presenta las películas como nadie más puede hacerlo en este mundo”, subraya el actor.
Asegura, además, que las películas del cineasta británico “son muy retadoras y presuponen un nivel de inteligencia a su audiencia y, como actor, logra esa calma en todos sus rodajes”.
De su personaje, cree que, en el fondo, más allá de sus controvertidos actos, era “un buen hombre” pese a que “sus acciones cambiaron el mundo”.
Otra de las estrellas del reparto, la británica Emily Blunt (“The Devil Wears Prada”- El diablo viste de Prada- y “Quiet Place” -Un lugar tranquilo-), en el papel de la bióloga “Kitty” Oppenheimer, esposa del físico, indica que supo inmediatamente que estaba “ante algo extraordinario, revolucionario” cuando le llegó el guión.
La veneración por el ingenio y maestría de Nolan es compartida por todos sus actores. También Matt Damon, quien da vida a Leslie Groves, el director del llamado Proyecto Manhattan, afirma sin dudar que el hecho de que “te llegue una llamada de Nolan es lo mejor que te puede pasar en esta industria”.
Destaca asimismo que el cineasta es un hombre con “un cerebro de ingeniero” y logra “inventar nuevas maneras de hacer las cosas”.
Otros rostros conocidos que intervienen en la cinta son Robert Downey Jr., que hace un papel excepcional como profesor Lewis Strauss, de la Comisión de Energía atómica de Estados Unidos, Florence Pugh, como la psiquiatra Jean Tatlock, Josh Hartnett, en el papel del científico nuclear Ernest Lawrence, Casey Affleck, Rami Malick y Kenneth Branagh. /EFE. Patricia Rodríguez
Madrid, 1 jul (EFE).- Tras ocho años de espera la banda británica Blur ha regresado a los estudios con su nuevo álbum “The Ballad of Darren”, que estará disponible el próximo 21 de julio y añade al sonido clásico del grupo un toque melancólico que, según su vocalista, Damon Albarn, plasma la experiencia de “toda una vida”.
“No es un regreso”, aclaró el músico en un encuentro con los medios a su paso por España, en el que aseguró además que ni él ni sus compañeros cesaron de hacer música desde su anterior gira, inmersos en un proceso de composición “muy libre”, hasta “llegar a tierra” con los diez nuevos temas que conforman su noveno LP, editado por Parlophone y Warner Records.
The Ballad Of Darren, out 21st July 2023.
1. The Ballad 2. St Charles Square 3. Barbaric 4. Russian Strings 5. The Everglades (For Leonard) 6. The Narcissist 7. Goodbye Albert 8. Far Away Island 9. Avalon 10. The Heights
Se trata del primero desde “The Magic Whip” (2015) y ha sido producido por James Ford (colaborador de formaciones como Arctic Monkeys y Foals) y grabado en el Studio 13 en Londres y en el condado inglés de Devon.
En “The Ballad of Darren”, la soledad y la nostalgia por las relaciones del pasado, presentes en cortes como el que da nombre al álbum, se combinan con otros “para sacudir la cabeza” como “The Narcissist”, el primer adelanto, en el que Albarn canta sobre “la relación cercana entre el narcisismo y actuar, especialmente en estos días”.
También “St. Charles Square”, segundo tema del álbum, ha contado con numerosas interpretaciones en directo durante la actual gira de los londinenses, donde ya es celebrado como si se tratase de parte del repertorio clásico.
Fue en 1988 cuando Albarn, junto al bajista Alex James, el guitarrista Graham Coxon y el baterista Dave Rowntree fundaron Blur bajo un sonido más marcado por el “shoegaze” y la influencia musical de la órbita de Manchester, como podía apreciarse en su debut, “Leisure” (1991), antes de dar un giro en el segundo, “Modern Life Is Rubbish” (1992), que los coronó como una de las grandes bandas de esa amalgama revolucionaria que se dio en llamar “britpop”.
Especialmente exitosos fueron sus trabajos siguientes, “Parklife” (1994) y “The Great Escape” (1995), también “Blur” (1996), el que contenía su superéxito global “Song 2”, pero en una huida ya progresiva de los sonidos que los habían encumbrado comercialmente, como se apreció en “13” (1993) y “Think Tank” (2003), tras el que llegó su gran paréntesis discográfico hasta el citado “The Magic Whip” y la exploración de otras aventuras musicales particulares.
A pesar de que su guitarrista, Graham Coxon, reconoce que el nuevo disco contiene fraseos de guitarra que exploró “en los viejos tiempos”, a los miembros de Blur este trabajo no les recuerda “a nada de lo anterior”, ya que en esta ocasión han incluido nuevos “sonidos locos” que han encontrado “tanto accidentalmente como a propósito”.
Es el caso del sonido atmosférico de “The Heights”, definido por Albarn como un “grito hacia el fin del mundo”, que, “como si se tratase de un ‘post-it’ final”, cierra el álbum abruptamente, rompiendo con el tono oscuro del resto del LP.
Otras canciones como “Goodbye Albert”, sobre la pérdida de un amigo, o “The Everglades”, bajo la que reza el subtítulo “for Leonard”, recuerdan a personajes que, si bien son ficticios y creados en exclusiva para el disco, encuentran su referente en personas reales de la vida de los artistas.
“The Ballad of Darren” contará con una portada del célebre fotógrafo británico Martin Parr, que muestra a un hombre nadando en soledad en una gran piscina. Sin embargo, no contará con videoclips para ninguna de las canciones, algo por lo que Albarn, que asegura odiar las sesiones de filmación, se ha manifestado “muy contento”.
La cantante Olivia Rodrigo acaba de compartir su nuevo tema, “Vampire”. El sencillo es el primero que la intérprete de “Drivers License” publica en dos años y marca el inicio de una nueva era para la cantante. La canción explora un pop más intenso del que conocimos con su disco debut, “SOUR”.
“Cuando estaba haciendo “SOUR”, era tan nueva en el proceso y también estaba tan desconsolada. Me sentaba al piano durante horas y me sentía superado por las cosas que necesitaba expresar”, relató Rodrigo en un comunicado.
“Pero este álbum se trataba mucho más de centrarse en el arte de escribir canciones, lo que a veces significaba no tomarme a mí misma tan en serio y ser un poco más irónica con mis letras. Experimentamos mucho con diferentes enfoques de escritura y terminamos con algo que está mucho más influenciado por el rock que cualquier cosa que haya hecho antes”, agregó.
El video oficial de “Vampire” ya suma más de 10 millones de reproducciones en menos de un día desde que fue publicado en YouTube. El clip y la letra exploran el desenvolvimiento de una relación complicada en la que una parte describe a la otra como un “chupasangre” manipulador.
“Estaba molesta por cierta situación y fui sola al estudio y me senté en el piano de cola, y los acordes, la melodía y la letra simplemente brotaron de mí, casi como una experiencia extracorpórea”, expresó Rodrigo.
“Es una canción sobre sentirse confundido y herido, y al principio pensé que estaba destinada a ser una balada para piano. Pero cuando Dan y yo comenzamos a trabajar en ella, yuxtapusimos la letra con estos grandes tambores y cambios de tempo locos. Así que ahora es como una canción desgarradora que puedes bailar”, agregó.
vampire song and video out now🧛🏼. I made it with my very talented wonderful friend @TheDanielNigro last winter and created the video with the incredible Petra Collins. writing this song helped me sort through lots of feelings of regret, anger, and heartache. it’s one of my… pic.twitter.com/uQx80fjbMJ
La banda de rock costarricense Siluetas Amarte, anunció el lanzamiento de un nuevo videoclip para la canción “Caminantes”, el segundo sencillo de su más reciente EP “Atlas”, lanzado en setiembre del año pasado.
Este videoclip fue grabado y dirigido por el productor nacional Balto, quien ha realizado proyectos para otros artistas costarricenses como Cocofunka, The Flos, Javi Jiménez, entre muchos otros más.
El audiovisual fue filmado en las montañas de la provincia de Heredia, específicamente en una cabaña en las cercanías del Tirol y alrededores, y muestra a una chica (interpretada por Susan Rojas), recorriendo diferentes paisajes de ríos y bosques.
Además, el video muestra a Siluetas Amarte recorriendo estos espacios, con diferentes símbolos clave ,que envuelven el arte y concepto del último EP.
“La narrativa hace referencia al volver a encontrarnos, después de salir de lagos de incertidumbre, a apreciar el verdadero valor de nuestro entorno, lo que tenemos y a quiénes tenemos hoy a nuestro lado, recordándonos que lo esencial de la vida en algunos momentos es invisible a los ojos; como diría el Principito”, comentó Diego Frutos, vocalista de Siluetas Amarte.
El EP en cuestión desarrolla una serie de historias de amor y desamor que se exponen en cinco canciones la madurez creativa que ha alcanzado el proyecto.
El álbum fue grabado en Conquista Records y la producción, mezcla y masterización estuvo a cargo de Miguel Pacheco, también contó con la participación de Martin Brandt en la ingeniería de sonido. Además, contaron con la participación especial de Luis Montalbert Smith, vocalista de la banda Gandhi, para el tema “Reversiones”, convirtiéndose en la primera colaboración de Siluetas Amarte con un artista local.
Como parte de la promoción de este nuevo videoclip, Siluetas Amarte presentará el videoclip este próximo viernes 30 de junio a las 8pm en La Colmena, La Sabana (400m este de la UCIMED) con un concierto junto a las agrupaciones Full Disposition y Apollo Trece.
El precio de la entrada en pre-venta es de 6.000 colones y el día del evento: 8.000 colones. Pueden hacer sus reservaciones vía Sinpe Móvil al teléfono: 8503-2828.
A través de una de las formas más hermosas de contar una historia, el artista costarricense Opo Chacón, nos presenta su nuevo sencillo llamado “Crystal Ball”. En esta canción plasma su vivencia en una relación a distancia, la incertidumbre y sobre todo, el amor.
Este lanzamiento es un adelanto de lo que será su segundo álbum llamado “Witch Fever”, el cual está programado para ser publicado a finales de este 2023. Es la primera muestra de un nuevo sonido que se aleja de sus raíces folk para acercarse a una estética más pop.
Tras consolidarse en el 2021 con su álbum debut “Gittler on Black” el cuál se marcaba por un sonido indie folk, Opo vuelve con un cambio apostando ahora por un matiz más enérgico con raíces de pop-rock muy marcadas, además de guitarras eléctricas, sintetizadores, pads y otros elementos que no fueron tan protagonistas en producciones anteriores.
Previo al lanzamiento de este sencillo, Opo tuvo la oportunidad de estrenar una sesión en vivo desde Sofar, quienes recientemente re-activaron sus operaciones en Costa Rica, buscando y exponiendo a nuevos talentos locales.
Opo Chacón es parte de una comunidad de artistas en Costa Rica de nueva generación, que se re-construye así misma constantemente bajo valores de igualdad, diversidad, colaboración y por sobre todo, autonomía y ganas de trabajar.
