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  • Las Pastillas del Abuelo adelantan su próximo disco con “Una Contra Otra”

    Las Pastillas del Abuelo adelantan su próximo disco con “Una Contra Otra”

    Una canción que se mueve entre lo visceral y lo poético en medio de la noche

    La banda argentina Las Pastillas del Abuelo presenta Una Contra Otra, el primer adelanto de su próximo álbum de estudio.

    Definida por el propio grupo como:

    “Dos bocas colisionan luego de que lo absurdo brille durante el transcurso de una sabia noche larga”

    la canción captura ese instante donde todo parece desordenarse, pero también cobrar sentido.

    Entre el caos y la claridad

    “Una Contra Otra” se instala en ese punto exacto donde la noche transforma las emociones: lo visceral convive con lo poético, y la confusión se vuelve una forma de entender lo que pasa.

    Con una sonoridad envolvente y abierta, el tema amplía el universo del disco que viene, dejando ver una propuesta que apuesta tanto por la intensidad como por la atmósfera.

    Un lanzamiento que también se mira

    El estreno llega acompañado de su videoclip oficial, ya disponible en el canal de YouTube de la banda, expandiendo la experiencia del tema hacia lo visual.

    Primer adelanto, primer impacto. Y una pista clara: lo que viene no busca ordenar la noche, sino entenderla.

  • Avril Lavigne revive un clásico noventero con su versión de “Ironic”

    Avril Lavigne revive un clásico noventero con su versión de “Ironic”

    Un homenaje que conecta generaciones

    La nostalgia noventera vuelve a tomar forma. Avril Lavigne sorprendió con una nueva versión de Ironic, el icónico tema de Alanis Morissette, reinterpretándolo desde su propia sensibilidad pop punk.

    El cover forma parte de la banda sonora de la película Mile End Kicks, conectando el legado de los 90 con una nueva narrativa cinematográfica.

    Un clásico que marcó una generación

    “Ironic”, lanzada originalmente en 1996 como parte del álbum Jagged Little Pill, se convirtió en uno de los mayores éxitos de Morissette y en un himno generacional que definió toda una era del rock alternativo.

    Ahora, Lavigne retoma esa esencia y la transforma con su estilo: una interpretación fiel en lo instrumental, pero con una carga vocal más rasposa y emocional que le da un aire distinto, más melancólico y contemporáneo.

    Más que un cover: un vínculo entre artistas

    Este lanzamiento también refuerza la conexión entre ambas artistas. No es la primera vez que comparten este tema: en 2005 ya lo habían interpretado juntas en vivo, consolidando una relación artística que cruza generaciones dentro del rock canadiense.

    Además, la influencia de Morissette en la carrera de Lavigne es innegable, convirtiendo este cover en algo más cercano a un homenaje que a una simple reinterpretación.

    Una canción que sigue encontrando nuevas formas

    La nueva versión llega en un momento donde la música de los 90 sigue siendo revisitada, reinterpretada y resignificada por nuevas audiencias.

    Porque hay canciones que no envejecen.
    Solo cambian de voz.

    Y “Ironic” acaba de encontrar una nueva.

  • Depresión Sonora llega a Costa Rica con su tour más honesto y vulnerable

    Depresión Sonora llega a Costa Rica con su tour más honesto y vulnerable

    “Vacaciones por Siempre”: una noche para sentir lo que normalmente evitamos

    El proyecto español Depresión Sonora, liderado por Marcos Crespo, aterriza por primera vez en Costa Rica con su World Tour 2026: Vacaciones por Siempre.

    La cita será el sábado 18 de abril en Mercado La California, en un show que promete ser directo, emocional y sin filtros.

    La gira presenta el nuevo álbum Los perros no entienden de Internet (…Y yo no entiendo de sentimientos), un proyecto que tardó tres años en tomar forma.

    Todo parte de una frase que Crespo escribió en una pizarra: “Los perros no entienden de internet”. Una idea que, con el tiempo, se convirtió en el eje conceptual del disco.

    El punto de quiebre llegó cuando decidió enfrentarse a sí mismo a través de la terapia, abriendo espacio para una obra más honesta, vulnerable y necesaria.

    En el centro de esta narrativa está Lucas, su perro de 14 años, quien funciona como una especie de brújula emocional: un ser que no entiende el ruido del mundo moderno, pero que vive desde la simpleza y la presencia.

    Ansiedad, ruido y la necesidad de soltar

    El álbum refleja una generación atravesada por la sobreinformación, el consumo constante y una ansiedad que muchas veces ni siquiera sentimos como propia.

    Desde ahí, Depresión Sonora propone algo distinto: usar la música como un canal para soltar, procesar y crecer, invitando al público a hacer lo mismo.

    Un show sin maquillaje

    El concierto del 18 de abril se plantea como una extensión de ese proceso. Guitarras afiladas, ritmos secos y letras que no buscan suavizar nada.

    Más que un espectáculo, es una experiencia para quienes están dispuestos a confrontarse con lo que sienten —o con lo que han estado evitando.

    Detalles del concierto

    Las puertas abrirán a las 7:30 p.m. y el show iniciará a las 8:30 p.m.. El evento es exclusivo para mayores de edad y ya cuenta con un 90% de entradas vendidas.

    La fecha es presentada por Cream Agency.Hay conciertos para pasarla bien.
    Y hay otros —como este— para entenderse un poco más.

  • “He perdido tanto”: Alelí Prada y Albastián convierten el desamor en paisaje sonoro

    “He perdido tanto”: Alelí Prada y Albastián convierten el desamor en paisaje sonoro

    Una canción que abraza la pérdida como parte inevitable del amor

    El desamor también puede ser contemplativo. Los artistas costarricenses Alelí Prada y Albastián unen fuerzas en “he perdido tanto”, un sencillo de corte folk pop que estará disponible a partir del 29 de abril en plataformas digitales.

    La canción propone una mirada distinta al duelo amoroso: no como algo que se evita, sino como un proceso al que también hay que entregarse.

    Perder también es parte del camino

    Escrita a finales de 2025, la pieza construye un universo íntimo y etéreo donde la nostalgia funciona como puerta de entrada a la pérdida.

    Lejos de la narrativa de “superar y seguir”, el tema pone el foco en todo lo que se pierde tras una ruptura, con una honestidad que incomoda, pero también sana. 

    Como lo expresa Alelí Prada:

     “Hay que entregarse a perder con el mismo corazón abierto con el que nos entregamos a ganar.”

    Foto por Melany Mora

    Un sonido que crece como un atardecer

    A nivel sonoro, la canción apuesta por una construcción progresiva: inicia desde lo cálido y acústico —con protagonismo de guitarras y voces— y evoluciona hacia un clímax más caótico, pero cargado de belleza.

    Como explica Albastián:

     “Queríamos alcanzar un clímax musical asociado al trayecto de ver el atardecer. A nivel de producción, comenzar con un inicio luminoso y acogedor priorizando la guitarra y las voces y paulatinamente abrir la canción a un caos lleno de belleza.”

    La producción estuvo a cargo de los propios artistas, con mezcla y masterización en el estudio Ladera Volcán en Chile, a cargo del ingeniero Arturo Zegers. En Costa Rica, el tema fue grabado entre home studios y 747 Studio, con apoyo del ingeniero Claudio Víquez.

    Entre sus influencias se perciben ecos de Bon Iver y Sufjan Stevens, dentro de una estética indie folk contemporánea.

    Una propuesta que también se mira

    El universo del sencillo se expande hacia lo visual con una sesión acústica grabada en el restaurante Maderos, dirigida por Melany Mora, y un video-arte que acompañará el lanzamiento oficial.

    “He perdido tanto para ganarme a mí / He perdido tanto para estar aquí.”

    Una línea que resume el corazón de la canción: perder también puede ser una forma de encontrarse.

  • Alex Ferreira presenta “El arte de esperar” en San José con nueva locación confirmada

    Alex Ferreira presenta “El arte de esperar” en San José con nueva locación confirmada

    Un show con banda completa que marca una nueva etapa en su carrera

    El cantautor dominicano Alex Ferreira regresa a Costa Rica para presentar en vivo su más reciente álbum, El arte de esperar, en un concierto que promete una experiencia distinta dentro de su trayectoria.

    La cita se mantiene para el 17 de abril, pero ahora con una nueva locación confirmada: Bar La Concha, en San José.

    Un disco que crece en el escenario

    Lanzado a inicios de marzo, “El arte de esperar” representa el séptimo álbum de estudio de Ferreira y consolida una etapa más reflexiva y madura en su carrera.

    Sin embargo, es en vivo donde el proyecto cobra una nueva dimensión. La gira por América introduce un formato de banda completa, llevando las canciones hacia un terreno más expansivo, cercano y emocional.

    Una experiencia renovada para el público local

    Para quienes han seguido su camino en el país, este show plantea una diferencia clara: no es solo un concierto, sino una reinterpretación de su sonido en vivo, con mayor profundidad y energía.

    La producción está a cargo de 2 Mundos CA y Mercadito La California, quienes apuestan por una propuesta íntima pero potente.

    Entradas y detalles

    Las entradas continúan disponibles en preventa Tier 1 (₡18.000), una etapa limitada que pronto cambiará de precio.

    El evento es exclusivo para mayores de edad y requerirá documento de identidad al ingreso.

    Una noche para escuchar, pero sobre todo para sentir cómo una etapa nueva toma forma en vivo.

  • Björk musicalizará un eclipse solar con un DJ set único

    Björk musicalizará un eclipse solar con un DJ set único

    Un evento único donde la naturaleza y el sonido se sincronizan en tiempo real

    La artista islandesa Björk llevará su visión artística a otro nivel con un evento que suena tan surreal como real: un DJ set durante un eclipse solar total.

    La presentación formará parte del festival Echolalia, que se realizará el próximo 12 de agosto de 2026 en Víðistaðatún Sculpture Park, justo en la trayectoria donde el eclipse alcanzará su punto máximo.

    Bailar mientras el sol desaparece

    El evento no es coincidencia: está diseñado para ocurrir exactamente durante el fenómeno astronómico, donde el sol quedará completamente cubierto por poco más de un minuto.

    Siguiendo la lógica artística de Björk, la música no será un acompañamiento, sino parte de la experiencia misma: un set que dialoga con la luz, la sombra y el momento.

    La propia propuesta nace de sus ya conocidos encuentros Mánakvöld, sesiones donde invita a otros artistas a compartir música bajo la luna llena, solo que esta vez, la pista de baile será bajo un cielo completamente oscuro.

    Una experiencia expansiva

    El festival también contará con la participación de Arca, junto a otros proyectos como Ronja Jóhannsdóttir y el colectivo electrónico Sideproject, ampliando la experiencia hacia lo experimental y lo inmersivo.

    Además, “Echolalia” no se limita al festival. El proyecto también incluye una exposición en la National Gallery of Iceland, donde Björk presentará instalaciones inspiradas en su obra reciente y en música aún inédita.

    Todo apunta a una nueva etapa creativa donde lo visual, lo natural y lo sonoro se cruzan sin fronteras.

    Porque si algo ha demostrado Björk a lo largo de su carrera, es que la música no solo se escucha,a veces también se alinea con el universo.

  • Álvaro Díaz revive el ADN del reguetón con “Baby Records” y adelanta una nueva etapa

    Álvaro Díaz revive el ADN del reguetón con “Baby Records” y adelanta una nueva etapa

    Un adelanto de ‘OMAKASE’ que conecta el presente con el ADN del reguetón clásico

    El artista puertorriqueño Álvaro Díaz presenta Baby Records, su nuevo sencillo y carta de presentación de lo que será su próximo álbum OMAKASE.

    Con este lanzamiento, Díaz entra de lleno en una etapa más atrevida, tomando inspiración directa del reguetón de la vieja escuela, donde el foco estaba en el flow, las rimas y el palabreo.

    Un guiño directo a los orígenes del género

    “Baby Records” funciona como homenaje a figuras clave del reguetón como Tego Calderón y Voltio, así como al legado de Zion y su sello Baby Records.

    El track, producido por Sky Rompiendo, recupera esa esencia cruda del género mientras la reinterpreta desde una visión contemporánea.

    Además, el tema incorpora referencias directas a su propio universo artístico, retomando frases que han conectado con su audiencia y que han cobrado nueva vida en redes sociales.

    Un visual que juega con la mente

    El videoclip, dirigido por WAIV y filmado en Ciudad de México, propone una narrativa fragmentada, casi caótica, que funciona como una ventana a la mente del artista.

    Un collage de ideas, símbolos y momentos que no buscan ser explicados del todo, sino sentidos y reinterpretados por quienes lo ven.

    En paralelo al lanzamiento, Díaz fue reconocido por la Hispanic Heritage Foundation durante los Premios Nacionales de la Juventud, donde recibió el Premio Huella, convirtiéndose en el primer artista en obtener esta distinción.

    El reconocimiento celebra su impacto cultural, su propuesta estética y su capacidad de conectar con nuevas generaciones desde la autenticidad.

    Lo que viene: festivales y nuevo álbum

    El artista continuará su recorrido encabezando escenarios como el Zona Acapulco en México y La Solar Festival en Medellín, mientras se prepara para el lanzamiento de OMAKASE, uno de los proyectos más anticipados de su carrera.

    Nueva era, nuevas reglas… y un regreso a la raíz para empujar el sonido hacia adelante.

  • Gondwana llega a la Zona de los Santos: reggae, montaña y un aniversario que apunta alto

    Gondwana llega a la Zona de los Santos: reggae, montaña y un aniversario que apunta alto

    El 8vo aniversario de Santo Remedio se convierte en concierto de peso.

    La música se mueve hacia la montaña. La banda chilena Gondwana se presentará por primera vez en la Zona de los Santos, como acto principal del 8vo aniversario de Santo Remedio, en un evento que ya alcanza cerca del 80% de entradas vendidas.

    La cita será el sábado 25 de abril, a partir de las 2:00 p.m., en El Guayabal, combinando música en vivo con un entorno natural que promete una experiencia distinta dentro del circuito de conciertos del país.

    Un cartel que mezcla trayectoria y escena local

    Con una carrera importante en América Latina, Gondwana lidera un lineup que celebra tanto el reggae en español como el crecimiento de Santo Remedio, banda que cumple ocho años dentro de la escena nacional.

    El evento también contará con la participación de proyectos locales como Mentados y La Milixia, referentes del ska y reggae costarricense, además de No Apto Para Consumo y Selecta Marcus, completando una jornada diversa y cargada de ritmo.

    Una fecha que ya calienta motores

    La combinación entre un artista internacional, una celebración local y una locación fuera del circuito tradicional ha generado una respuesta fuerte del público, reflejada en el ritmo acelerado de venta de entradas.

    Más que un concierto, el evento se perfila como un punto de encuentro entre música, comunidad y paisaje.

    Reggae en altura, con historia y presente sonando al mismo tiempo.

  • Archivado proyecto que buscaba eliminar pagos por uso de música en comercios.

    Archivado proyecto que buscaba eliminar pagos por uso de música en comercios.

    Una decisión que respalda los derechos de artistas, autores y productores en Costa Rica

    Con cinco votos en contra y dos a favor, la Comisión de Asuntos Económicos de la Asamblea Legislativa dictaminó negativamente el Proyecto de Ley No. 23702, titulado “Alivio de costos para establecimientos comerciales”, dejando el texto oficialmente archivado.

    La iniciativa proponía que los comercios que utilizan música —ya sea de forma directa o indirecta para generar valor— no tuvieran que pagar licencias ni reconocer derechos a las entidades de gestión colectiva, lo que encendió alertas dentro del sector cultural.

    Un debate sobre derechos y trabajo creativo

    El proyecto fue cuestionado por contradecir compromisos internacionales asumidos por Costa Rica en materia de propiedad intelectual, así como por su impacto directo en los ingresos de quienes crean música.

    Durante la discusión, diputaciones como Manuel Morales y Sofía Guillén justificaron su voto en contra apoyándose en criterios técnicos de instituciones como el Registro Nacional, el Ministerio de Cultura y Juventud y la Procuraduría General de la República.

    A estas voces se sumaron otras diputaciones que destacaron la importancia del sector cultura y las condiciones ya complejas en las que trabajan muchas personas del gremio artístico.

    El derecho de autor como principio

    Uno de los puntos centrales del rechazo fue el reconocimiento del derecho de autor como un derecho humano, que el Estado debe proteger y garantizar.

    Desde organizaciones como la ACAM, la AIE y Fonotica, se celebró la decisión, al considerar que una medida como la planteada habría debilitado la sostenibilidad económica de quienes trabajan en la música.

    Diálogo abierto, pero con límites claros

    Aunque el proyecto fue archivado, las organizaciones del sector señalaron su disposición a mantener el diálogo con los distintos actores que utilizan música en sus actividades comerciales.

    Sin embargo, también dejaron claro que cualquier equilibrio debe respetar un principio fundamental: el derecho de artistas y creadores a recibir una remuneración justa por el uso de su trabajo.

    En un contexto donde la música sigue siendo parte esencial de la economía y la vida cotidiana, la decisión marca un precedente sobre cómo se valora —y se protege— la creación en el país.

  • Soda Stereo vuelve a emocionar con “Ecos”: un regreso que mezcla tecnología, memoria y leyenda

    Soda Stereo vuelve a emocionar con “Ecos”: un regreso que mezcla tecnología, memoria y leyenda

    Un espectáculo que revive la esencia de la banda y conecta generaciones

    El 21 y 22 de marzo de 2026 ya tienen un lugar en la historia del rock en español. Soda Stereo regresó a los escenarios con Ecos, un espectáculo que combina música, tecnología y emoción para reactivar el legado de una de las bandas más influyentes de Latinoamérica.

    El debut tuvo lugar en Buenos Aires, donde el público fue testigo de un reencuentro que parecía imposible: Gustavo Cerati, junto a Zeta Bosio y Charly Alberti, nuevamente compartiendo escenario gracias al uso de tecnología de vanguardia.

    Un regreso impulsado por la tecnología

    “Ecos” no es un concierto tradicional. Es una experiencia inmersiva que utiliza recursos visuales avanzados para recrear la presencia de Cerati, logrando una puesta en escena que mezcla lo real con lo digital.

    El resultado es un show que va más allá del homenaje: una reconstrucción emocional que permite revivir canciones icónicas en un formato que conecta pasado y presente en tiempo real.

    Un fenómeno que ya es masivo

    La respuesta del público ha sido inmediata. El espectáculo ha vendido casi 500 mil entradas y ha agotado múltiples funciones, convirtiéndose en uno de los eventos musicales más impactantes del año en la región.

    Además, la alta demanda ha impulsado la expansión de la gira, que recorrerá distintos países de Latinoamérica y Europa durante los próximos meses.

    Más que nostalgia: una experiencia compartida

    “Ecos” logra algo poco común: reunir a distintas generaciones en un mismo espacio. Desde quienes vivieron el auge de la banda en los 80 y 90 hasta quienes la descubrieron años después, todos encuentran en el show una forma de reconectar con su música.

    Porque más allá de la tecnología, lo que sigue intacto es el impacto de sus canciones.

    Hay regresos que son imposibles.
    Y otros —como este— que encuentran la forma de suceder.