Miami, 28 ene (EFE).- Un juez rebajó este viernes a 21 años la condena de Joseph Allen Maldonado-Passage, el coleccionista de animales exóticos conocido como “Joe Exotic” y protagonista de la popular serie de Netflix “Tiger King”, por haber planeado matar a una defensora del bienestar animal, Carole Baskin.
Un juez federal revisó la sentencia a la estrella de “Tiger King” hoy en Oklahoma City, la capital del estado homónimo, en razón de una apelación por la forma como se calcularon las penas cuando en 2020 fue condenado a 22 años de cárcel .
En 2018 Maldonado-Passage, ex propietario del parque de animales Greater Wynnewood, fue acusado por un gran jurado federal de dos cargos de planear un asesinato a sueldo.
Luego, en enero de 2020, fue sentenciado a 22 años de prisión luego de ser declarado culpable de intentar contratar a dos hombres diferentes para matar a Carole Baskin, propietaria de un santuario para grandes felinos en Florida.
Tanto “Joe Exotic” como Baskin fueron las estrellas de “Tiger King”, la serie de Netflix estrenada en 2020.
Según la descripción en internet de la propia plataforma audiovisual sobre el argumento de la serie, “el dueño de un zoológico pierde el control en medio de un elenco de personajes excéntricos en esta verdadera historia de asesinato a sueldo del inframundo de la cría de grandes felinos”.
Estando en prisión, Maldonado-Passage desveló en noviembre de 2021 que se le descubrió un “cáncer agresivo” tras someterse a un examen de próstata y pidió, sin éxito, ser excarcelado.
Maldonado-Passage aprovechó su popularidad para pedir un perdón presidencial al entonces mandatario estadounidense, Donald Trump (2017-2021), que no le fue concedido.
Según indicó hoy ABC News. la razón de la revisión de la condena fue que en el primer juicio los dos delitos por los que estaba acusado se trataron por separado y, por tanto, no se calculó correctamente la pena que debía imponerse.
La Corte de Apelaciones del Décimo Circuito de EE. UU. estuvo de acuerdo con Maldonado-Passage en que la corte debería haberlos tratado como una sola condena al momento de dictar sentencia porque ambos involucraban el mismo objetivo de matar a Baskin, de 60 años.
Baskin, que dirigía un santuario de rescate para grandes felinos en Florida, había criticado el trato de Maldonado-Passage a los animales.
Según reporta hoy el canal 4 local kfor.com citando a la Oficina del Fiscal Federal para el Distrito Oeste de Oklahoma, Maldonado-Passage le ofreció a una persona 3.000 dólares para viajar de Oklahoma a Florida para llevar a cabo el asesinato de Baskin y “supuestamente acordó pagar miles más después del hecho”.
Los abogados de Maldonado-Passage han dicho que su cliente, que una vez operó un zoológico en Wynnewood, a unas 65 millas (105 kilómetros) al sur de la ciudad de Oklahoma, no hablaba en serio.
Maldonado-Passage, quien hasta ahora ha mantenido su inocencia, fue además acusado por un gran jurado de 19 cargos adicionales de vida silvestre, incluida la violación de la Ley de Especies en Peligro de Extinción.
La Fiscalía argumenta que disparó y mató a cinco tigres en octubre de 2017 para dejar espacio en las jaulas para otros grandes felinos, y vendió cachorros de tigre para recaudar dinero. / EFE.
La icónica banda británica de rock progresivo, Jethro Tull, irrumpe en la escena musical con su nuevo álbum, “The Zealot Gene” tras 18 años de no publicar un disco.
Si bien han pasado casi veinte años desde que se produjera un comentario musical o artístico de parte de Jethro Tull, el vocalista y flautista Ian Anderson, aborda sin miedo los temas más acalorados de la actualidad.
En particular, el tema y video de “The Zealot Gene” advierten sobre los peligros de los puntos de vista polarizantes y las opiniones furiosas que fácilmente se proliferan a través de redes sociales y el uso de dispositivos móviles.
“La canción principal ofrece muchas alusiones al mundo radical y políticamente cargado del populismo en el liderazgo”, dijo Anderson.
Jethro Tull – Rob Skarin
“Como letra de una canción, resume, para mí, la naturaleza divisiva de las relaciones sociales y las opiniones extremas que alimentan los fuegos del odio y los prejuicios, quizás más hoy que en cualquier otro momento de la historia. Tal vez creas que sabes en quién podría haber estado pensando aquí, pero, en realidad, probablemente en este momento hay al menos cinco figuras nacionales prominentes y dictatoriales que podrían cumplir con los requisitos”, agregó.
Anderson explicó que la pandemia de la covid-19 fue un obstáculo para las carreras de los músicos del grupo. Esto por tener que quedarse en sus casas y lamentablemente tener que anunciar en reiteradas ocasiones, la suspensión o cancelación de sus presentaciones.
“La desesperación y la ira de tener que aceptar que nos habían robado la vida profesional significaba que, al menos para mí, el lanzamiento de un nuevo álbum no parecía valer la pena hasta que pudiéramos volver a estar juntos en el estudio y terminar las últimas canciones de la manera tradicional”, expresó el artista.
El álbum finalmente vio la luz del día y se convirtió en una nueva oportunidad para que los artistas hagan una interpretación y comentario sobre la realidad. El grupo tiene planeada una gira por Europa que comenzará el 5 de febrero en la ciudad de Varese en Italia.
Madrid, 28 ene (EFE).- El legendario concierto en la azotea de The Beatles se ha estrenado hoy al completo y con una mejorada mezcla de audio en varias plataformas de “streaming” como Spotify, Youtube y iTunes con motivo de celebración del 53 aniversario de la que fue la última actuación de la banda británica.
Con el título “The Beatles: Get Back-The Rooftop Performance” el audio del concierto celebrado el 30 de enero de 1969 en la azotea de las oficinas centrales de Apple Corps en Londres ha sido mezclado y mejorado en estéreo y Dolby Atmos por los productores Giles Martin y Sam Okell, según un comunicado de Universal.
Se trata de diez cortes con las canciones, algunas de ellas en varias tomas, “Get Back”, “Don’t Let Me Down”, “I’ve Got a Feeling”, “One After 909”, “Dig A Pony” y el corte “Jam/excerpt of “God Save The Queen”, a lo largo de 38 minutos de escucha.
La reedición de este concierto, que se estrenará en cines IMAX en Reino Unido y EEUU, es el primer lanzamiento especial entre los eventos que celebrarán el 53 aniversario de este mítico show, que se inician este fin de semana pero generarán nuevos anuncios en los próximos meses.
Otras actividades previstas son la exposición que se abrirá el 18 de marzo en el Rock & Roll Hall of Fame, con instrumentos originales y objetos prestados por los propios Beatles, y que estará disponible para su visita hasta el mes de marzo de 2023.
Además, Norah Jones publicará a través de su canal de YouTube dos videos en homenaje a este último concierto, filmados junto a su banda en la azotea del Empire State Building de Nueva York, con las canciones “I’ve got a feeling” y “Let it be”.
Por último, parte del elenco del Circo del Sol presentará un nuevo espectáculo con la canción “Get back” desde el escenario The Mirage en Las Vegas que podrá disfrutarse de manera gratuita desde el canal oficial del circo.
En abril del 2021 supimos del sensible fallecimiento del gran compositor Jim Steinman y la reacción de Meat Loaf fue “llegando aquí pronto, mi hermano Jimmy. Vuela Jimmy vuela”. Jamás nos imaginaríamos que casi un años después la familia del cantante reportaría que el artista también dejaría este mundo.
Meat Loaf falleció a los 74 años de edad el 20 de enero de 2022, cerrando un capítulo en la vida de uno de los intérpretes más importantes del rock americano.
En esta nota recordamos los “Top 5” discos de la carrera de Meat Loaf.
EFE/EPA/PATRICK SEEGER GERMANY OUT
TOP 5 DISCOS DE MEAT LOAF
“Braver Than We Are” (2016)
El doceavo disco de estudio del cantante terminaría siendo el último álbum de su carrera y simbólicamente, también fue marcado por las canciones de Jim Steinman.
No había forma de saber que “Braver Than We Are”, producido por Paul Crook, se convertiría en la última grabación discográfica de Meat Loaf. Como tal, traza un punto de comparación en lo que fue la evolución de la voz en la carrera de un cantante.
En el álbum ya no se escuchan los agudos timbres que hicieron sobresalir a la voz de Meat Loaf en “Paradise By The Dashboard Light” o “Hot Patootie”. Más bien, se destacan los registros bajos, profundos y sinceros del rango vocal de un Meat Loaf de sesenta y tantos años. Esto se nota en baladas como “Only When I Feel” tanto como en los tracks más épicos del disco como lo son “Going All the Way” y “More” (que conocíamos por la versión que Steinman y Andrew Eldritch produjeron para Sisters of Mercy).
En la edición del álbum que incluye los bonus tracks se puede escuchar otro corte de “I Would Do Anything for Love (But I Won’t Do That)” en la que se quitan todos los arreglos de la versión de “Bat Out Of Hell 2: Back Into Hell” y solo queda la voz de Meat Loaf y el piano. Aquí el “Pavarotti del rock” demostró que todavía podía llegar a esa interpretación que le valió un Grammy en 1994.
“Bat Out Of Hell 3: The Monster is Loose” (2006)
Si Meat Loaf y Jim Steinamn se reconciliaron para producir un “Bat 2” entonces, ¿porque no habrían de hacerlo para un “Bat 3”? Desafortunadamente la situación se complicó. Tuvieron batallas legales entre mánagers y al final fue Desmond Child el que tomó las riendas del proyecto y produjo el disco 13 años después de “Bat 2”.
Child no quiso quedarse atrás en lo que implicaba la producción de un disco que formaría parte de una saga épica de rock operático. Además de armarse con canciones de Jim Steinman, Child reclutó a John 5 y Nikki Sixx para componer el primer track (“The Monster Is Loose”), a Brian May de Queen para las guitarras del cover de “Bad For Good”, a Diane Warren para la balada épica “Cry Over Me” y a Todd Rundgren (productor de “Bat 1” y arreglista de coros en “Bat 2”) para los coros en algunos tracks.
Para algunos puristas, tal vez nunca sea de recibo que Steinman no produjo el tercero de la trilogía de “Bat”. Pero la producción de Child no es menospreciable del todo. Habiendo dicho esto, el primer track “The Monster Is Loose”, si bien logra ser un ambicioso, intenso y pesado; vaticina de primera entrada que no superará a “Bat Out Of Hell” o “Anything for Love”, los primeros tracks de “Bat 1″ y Bat 2”.
Los fans de Steinman no podemos sentirnos decepcionados de que al fin pudimos escuchar a Meat Loaf interpretar “The Future Ain’t What It Used To Be” (que conocíamos del proyecto de Steinman, “Pandora’s Box”) y “Bad For Good”, el primer track del disco de Steinman de 1981, homónimo al tema en cuestión. Pero además, finalmente escuchamos “In the Land of the Pig, The Butcher is King” del musical nunca finalizado de “Batman” (sí, eso pasó).
“Bat 3” sobresale como uno de los mejores discos de Meat Loaf gracias a su interpretación de baladas épicas que Desmond Child (un gran compositor y productor en su derecho) coescribió, “If God Could Talk” y “Blind as a Bat”. Además de que Child no se inhibió en generar tracks más enérgicos como “What About Love” y “Alive”. Otro punto alto del disco es la canción “Cry Over Me” de la compositora Diane Warren. En este, Meat Loaf muestra una vez más que puede sobresalir en canciones que no necesariamente lleven el nombre de Steinman.
Dead Ringer (1981)
El segundo disco de estudio de Meat Loaf no logró el éxito de su predecesor ni de “Bat 2”. Pero sí llegó al puesto número 1 en el Reino Unido y estuvo en el top 5 de discos en Australia gracias a temas como “Dead Ringer for Love” (un dueto con Cher) y “I’m Gonna Love Her for Both of Us”.
El álbum incluye el tema “More Than You Deserve” que Meat Loaf había interpretado para el musical del mismo nombre que Jim Steinman estaba produciendo años antes de “Bat 1”. Además, el tema “Read ‘Em and Weep” que irónicamente no fue uno de los sencillos promocionados del disco, se convertiría en un hit en 1983 cuando fue versionado por Barry Manilow.
Cuenta la leyenda que Steinman estaba trabajando en el disco que le seguiría a “Bat 1”, “Bad for Good”, pero en esa época Meat Loaf perdió su voz y fue como “Bad for Good” fue lanzado antes que “Dead Ringer” y los temas fueron entonados por Steinman.
Nunca sabremos qué habría sido de la colaboración de Meat Loaf y Steinman si Mr. Loaf no hubiera perdido la voz a la hora de grabar “Bad For Good”.
“Bat Out Of Hell 2: Back Into Hell” (1993)
Existen pocos ejemplos de lo que significa un regreso triunfal de fuerzas que pudieron nunca haberse reencontrado. Tal es el caso de cuando Meat Loaf y Jim Steinman en sus cuarentas, decidieron hacer realidad la secuela de su inmortal proyecto “Bat Out Of Hell” de 1977.
El sexto disco de estudio de Meat Loaf marcó un hito en lo que era posible para la interpretación de un cantante de rock. Si para algunos “Bat Out Of Hell” ya era larguísima sobrepasando los 9 minutos de duración, el corte original de “I’d Do Anything for Love (But I Won’t Do That)” que llegaba a los doce minutos, podría ser extenuante.
Obviamente hubo un radio edit para “Anything For Love» que le quitó varios minutos, pero la esencia era la misma, Loaf y Steinman lograron resonar con una nueva generación que respondió a nivel mundial llevando ese track al puesto número uno en al menos 25 países.
Los noventas vieron el auge de MTV y tres de los videos de “Bat 2” fueron producidos por Michael Bay (sí, el de “Transformers”, cuando estaba mucho más joven). Bay le dio un lenguaje audiovisual a los tres sencillos promocionados que trascendía la letra y música.
“Anything For Love” recibió el tratamiento de “La bella y la bestia” con un Meat Loaf que recupera su belleza luego de encontrar el amor. Luego, para el clip de “Rock and Roll Dreams Come Through” (protagonizado por una joven Angelina Jolie), Meat Loaf fue disfrazado de un genio que hace sueños realidad a través de la radio para aquellos que no soportan la dolorosa realidad, bajo la promesa de que los sueños del rock and roll se harán llegar.
Finalmente, y posiblemente el tema menos escapista (pero siempre épico de “Bat 2”), “Objects in the Rear View Mirror May Appear Closer Than They Are” llegó como un video que cuenta la historia de un joven que pierde a su mejor amigo.
Gracias a “Anything For Love” Meat Loaf ganó el Grammy a mejor intérprete de rock masculino en 1994. Desde el éxito del disco, fans siempre esperaron el “Bat 3” y que con este, las temáticas de Peter Pan y “el país de nunca jamás” que Steinman evocó en temas como “Lost Boys and Golden Girls”, encontraría nuevas manifestaciones.
Los tracks “Life Is a Lemon and I Want My Money Back” y “Everything Louder Than Everything Else” marcan los puntos más pesados del álbum, con arreglos que rozan el metal operático. La influencia del proyecto “Pandora’s Box” de Jim Steinman, también le restó originalidad al disco. No obstante, es gracias a la interpretación de Meat Loaf que los tracks del pasado cobran nueva vida y son reconfigurado para revivir las fantasías prometidas de “Bat 1”, ya no de la voz de las chicas de “Pandora’s Box”, sino la del hombre que haría lo que sea por amor.
“Bat Out of Hell” (1977)
Un disco de siete tracks que cambió para siempre la historia del rock. En algún momento el propio Meat Loaf dijo que “o lo amas o lo odias”. Claramente no todo el mundo quería escuchar canciones que sobrepasaban los ocho o nueve minutos, pero sí había un público suficientemente grande para convertirlo en un éxito histórico.
El primer track “Bat Out of Hell”, desde la salida empieza con los acordes de “Jail House Rock” que da pie a un riff vertiginoso al piano que luego se mezcla con el ruido del motor de una motocicleta, la batería, el bajo y una guitarra eléctrica. La letra de la canción es violenta y la estructura del tema no solo tiene un “puente”, tiene “autopistas y túneles” que terminan con un joven accidentándose en una moto. ¿Qué más rock and roll que eso?
Meat Loaf inyectaba de vida a los temas de las óperas de rock de Jim Steinman y lo peor de todo es que el disco fue rechazado por múltiples casas disqueras y casi no fue producido. No fue hasta que llegó el productor Todd Rundgren que con el visto bueno de Cleveland International / Epic, acordaron producir las grabaciones.
Ninguna canción sobra en el álbum y es un ejemplo de un disco de concepto, como lo fueron el “White Album” de Los Beatles o “Dark Side of the Moon” de Pink Floyd.
“Bat 1” está repleto de fantasías de adolescente en temas como “Paradise by the Dashboard Light”, “All Revved Up with No Place to Go” y “You Took the Words Right Out of My Mouth (Hot Summer Night)”.
Las temáticas del cielo, el infierno y el amor están presentes en las baladas de “Heaven Can Wait” y “For Crying Out Loud”. Este último track, con el que Meat Loaf cierra la experiencia de “Bat 1” quizás marca el punto más alto de las posibilidades de lo que fue la joven pero poderosa voz del gran cantante y su amplio registro vocal. El preámbulo de la gran carrera que le esperaba en la industria de la grabación.
“Bat Out Of Hell” de 1977 fue certificado oro en EE.UU. en 1978 y desde entonces ha vendido cerca de 50 millones de copias a nivel mundial.
La plataforma Spotify empezó a quitar las canciones del cantante canadiense, Neil Young, luego de que este amenazara al gigante del streaming diciendo que podían tener al pódcast de Joe Rogan o a su música; pero no a los dos.
Rogan es un comediante que también narra peleas de la UFC y es el presentador de “The Joe Rogan Experience” (JRE), el pódcast más escuchado a nivel mundial en Spotify. El presentador de JRE ha sido objeto de críticas por parte de científicos y autoridades médicas. Esto por las opiniones que se han expresado en sus programas cuestionando la efectividad de la vacuna anticovid y quien debería recibirla.
En el 2020, Spotify habría pagado $100 millones a Joe Rogan por los derechos de The Joe Rogan Experience. Spotify comunicó que “lamenta” la decisión de Young y que espera su regreso a la plataforma.
Spotify respondió a Young diciendo que que han puesto “políticas de contenido detalladas” y que han eliminado más de 20.000 episodios relacionados a covid desde el inicio de la pandemia del coronavirus en el 2020.
Estos últimos dos años han sido un conjunto de sentimientos mezclados. Hemos vivido una de las crisis de la humanidad más inciertas de las últimas décadas, y el final de ella tampoco está muy claro aún. Sin embargo, esto no ha llegado a frenar al arte, ya que la creación y gestación de proyectos musicales ha continuado, hasta me atrevería a decir que más fuerte que antes, un ejemplo de ello es Alelí Prada.
Alelí Prada es una cantautora que surgió silenciosamente a la escena musical hace poco menos de un año con su sencillo debut – “Animal”.
Ale nos cuenta que este fue algo así como el desenlace de su deseo por posicionarse en escenarios musicales y por su anhelo de mantenerse en constante creación. Ella es filóloga y escritora, lo cual le agrega aún más valor a la producción, que ya como obra meramente musical es encantadora. Por esto les quiero instar también prestarle gran atención a las letras, ya que Ale tiene una manera espectacular de transmitir emociones por este medio.
Foto por: Hestia Photo Experience
A partir de “Animal” Alelí nos mantuvo atentos durante el último año lanzando música nueva de forma constante, hasta dar fin a este ciclo el pasado 17 de enero con “Despedida”. Las otras dos canciones que componen este EP, nombrado Mutamorfosis, son “Mantra” y “Álbum de Fotos”.
Toda esta producción evidencia un proceso que se trabajó con gran dedicación, paciencia y pasión. Resultando en la calidad de grabación, sonidos, arreglos y decisiones que se aprecian son de estándares sumamente altos. Aparte del trabajo visual en sus videos y portadas (ilustradas por Gabriela Ortega), que como artista independiente representan un esfuerzo y disciplina enorme.
Es aún más claro el esfuerzo detrás de esto gracias al hilo conductor entre cada pieza dejando una identidad muy particular a la artista. Sin embargo, ella permite que cada una mute y llegue a mostrarse como una obra única, con sus propias características y facciones.
Ilustración: Gabriela Ortega
“Animal” se presenta como una composición fuerte y atrevida, pero aún así deja espacios para descansar, luego llega “Mantra”, donde Alelí se abre y presenta a sí misma vulnerable, junto una melodía dulce que evoca una tranquilidad y seguridad intensa. Con “Álbum de Fotos” la nostalgia salta al frente, pero es de la buena, de esa que genera recuerdos agradables de la infancia. Y a partir de aquí nos da su “Despedida”, la cual se siente como una fiesta. Este reggae urbano provoca un deseo de levantarse, bailar y agradecer por toda la transformación – o como Alelí prefiere llamarla, Mutamorfosis – que acabamos de experimentar.
A propósito, este mismo 21 de enero se estrenó el último video de este EP, para “Despedida” el cual estuvo a cargo de Flavia Villalba. Pueden verlo por aquí:
La cantante canadiense, Grimes, acaba de lanzar el psicodélico video de su nuevo sencillo, “Shinigami Eyes”. La canción fue ligeramente inspirada en el anime “Death Note” y hace referencia a los ojos rojos que poseen en algún momento ciertos personajes.
El tema es el más reciente desde que Grimes publicó “Player of Games” el mes pasado. En una entrevista con Zane Lowe de Apple Music, la artista dijo que aún no sabe si la canción formará parte de su nuevo disco de estudio o un EP.
“Estamos pensando en tal vez tomar esta canción y un par de otras canciones que no encajan en el disco y hacer un EP y hacer eso ya”, dijo.
“O simplemente lo haremos en el disco, pero definitivamente no quiero quedarme atrapada en una situación en la de no lanzar música por mucho tiempo”, agregó.
El nuevo LP de Grimes por ahora lleva el título de “Book 1” y sería, según la cantante, un disco doble.
Madrid, 26 ene (EFE).- Fue uno de los escándalos de famosos más sonados de finales de los 90, la filtración de un vídeo sexual de Pamela Anderson y Tommy Lee; ella, actriz e icono erótico de la época, él, estrella del rock en Mötley Crüe, una de las bandas más salvajes en el escenario y fuera de él.
La serie “Pam y Tommy”, que llega el próximo 2 de febrero a Disney+, recupera aquel turbulento suceso que dio pie al primer fenómeno viral de la historia, cuando Internet aún estaba en pañales, y lo convierte en el centro de un relato de amor, venganza y excesos.
Lily James, conocida por la serie “Downton Abbey” o la película “Cenicienta” (“Cinderella”, de 2015) y Sebastian Stan (“Falcon y el soldado de invierno”) (“The Falcon and the Winter Soldier”) han logrado una asombrosa transformación física, gracias a un exhaustivo trabajo de peluquería y maquillaje y, en el caso de James, con prótesis y rellenos para calcar el voluptuoso cuerpo de la célebre C.J.Parker de “Los vigilantes de la playa” (“Baywatch”).
El tercer vértice y el más desconocido de esta historia -su versión no salió a la luz hasta que Rolling Stone publicó un reportaje sobre él en 2014- se sitúa Rand Gauthier (Seth Rogen), un electricista aficionado al esoterismo y que había hecho sus pinitos como actor porno antes de trabajar en la reforma de la casa de Tommy Lee.
El baterista de Mötley Crüe lo había despedido de malos modos y sin pagarle lo que le debía, pero el verdadero detonante de su meditada venganza fue que el día en que Gauthier volvió a la mansión para recoger sus herramientas, el roquero lo echó a punta de pistola.
Fue entonces cuando su exempleado urdió el plan para llevarse la caja fuerte de su casa. Lo que no podía imaginar es que dentro, además de joyas, armas, dinero y un bikini de Pamela Anderson, iba a encontrar el vídeo de su luna de miel.
Anderson y Lee se conocieron una noche de fin de año de 1994 en el club Sanctuary de Beverly Hills, del que ella era copropietaria. Después de aquella noche y de varias llamadas infructuosas, Lee la siguió en un viaje de trabajo a Cancún y logró quedar con ella. Cuatro días después, se casaron allí mismo.
El vídeo, que acabaría dando la vuelta al mundo, era una grabación privada de sus vacaciones, de una hora de duración, que incluía algunas escenas sexuales. Gauthier, con la ayuda de un productor porno, usó internet para promocionar la venta de copias de VHS, ya que la retransmisión de vídeo vía web no era aún una realidad en aquel primer momento.
Pam y Tommy no echaron en falta su caja fuerte hasta enero de 1996, cuando cientos de copias del vídeo circulaban por Estados Unidos. Con ayuda de abogados y detectives privados intentaron frenar aquello pero ya era imparable, sobre todo a partir del momento en que un grupo llamado Internet Entertainment Group colgó el vídeo, ahora sí, en internet.
La serie de Disney, dirigida por Craig Gillespie (“Cruella”, 2021), exprime con toques de humor -algunos memorables- el morbo que despierta la pareja y lo rocambolesco de la historia y esquiva la parte más polémica -en 1998 Tommy Lee fue condenado por malos tratos a su mujer- al centrarse exclusivamente en el periodo más dulce de su relación.
La serie muestra, eso sí, la crisis que todo el asunto del vídeo desata en la pareja y se pone más seria y empática con Anderson a la hora de evidenciar las reacciones sexistas que causó la difusión del vídeo, desde la incomprensión de su propio marido a los prejuicios contra ella por su pasado como modelo de Playboy.
Se muestra a una Pamela Anderson que lucha por ser algo más que un trasero corriendo en el rodaje de “Los vigilantes de la playa” y que admira a Jane Fonda por su habilidad para simultanear un registro más lúdico y erótico en filmes como “Barbarella” y papeles considerados más serios.
“Pam y Tommy” pone en el centro el tema del consentimiento y sin embargo queda en el aire una espinosa cuestión y es que la serie se ha rodado sin el visto bueno ni la implicación de la pareja. /EFE. Magdalena Tsanis.
Los Ángeles (EE.UU.), 25 ene (EFE).- De las 276 cintas estrenadas en 2021 que la Academia de Hollywood ha admitido como aspirantes al premio a la mejor película en los Óscar, solo el 27 % cuenta con una mujer en la dirección, según un estudio publicado este martes por el diario especializado The Wrap.
En la edición anterior, ese porcentaje fue el mismo, aunque el galardón a la mejor película premió un largometraje dirigido por una mujer, “Nomadland”, de Chloé Zhao, y la categoría contó con la presencia de otra cineasta, Emerald Fennell, por “Promising Young Woman”.
Fue la primera vez en los 93 años de los Óscar que dos directoras compitieron por el premio a la mejor dirección y a la mejor película.
Pero el logro no ha supuesto que la representación femenina aumente este año, al menos en las películas que cumplen los requisitos de clasificación de los premios y, por tanto, son elegibles para recibir una nominación el próximo 8 de febrero, cuando la Academia anuncie sus candidatos.
A lo largo de casi medio siglo de ediciones, solo cinco mujeres han recibido la nominación a la mejor dirección, siendo Zhao y Kathryn Bigelow (“The Hurt Locker”) las únicas ganadoras.
Por su parte, 276 películas compiten esta vez para ser nominadas al Óscar a la mejor película del año, lo que supone el menor registro de los últimos diez años debido a la pandemia de covid-19.
Uno de los motivos que explica este importante descenso es que el periodo de elegibilidad para esta edición es de solo 10 meses, ya que el año pasado, cuando se aplazó la gala a finales de abril, también se amplió el plazo a las películas estrenadas en enero y febrero de 2021, que compitieron en los galardones del año pasado.
Aun así, la Academia ha mantenido la modificación excepcional que hizo en su reglamento para admitir a concurso las películas que se hayan estrenado directamente por “streaming”, sin pasar por los cines, aunque con la condición de que tuvieran planeado un estreno en salas, imposibilitado por el coronavirus.
Por su parte, la categoría de mejor película internacional cuenta este año con tres cintas en español preclasificadas en el primer corte: “El Buen Patrón” (España), “Noche de Fuego” (México) y “Plaza Catedral” (Panamá).
Los Óscar se entregarán el 27 de marzo en el mítico Dolby Theatre de Hollywood con una ceremonia que espera regresar al formato tradicional.
Madrid, 25 ene (EFE).- A poco menos de dos meses de su estreno, “Encanto” sigue recibiendo muy buenas noticias. Si hace pocos días se sabía que la banda sonora, compuesta por Lin-Manuel Miranda, se había colado en el Nº1 del top Billboard 100, ahora se descubre que la canción “No se habla de Bruno” ha consumado un triunfo aún más sorprendente.
La canción, que ya ha alcanzado el segundo puesto de la lista Billboard 100, arrasa en las listas de éxitos de todo el mundo, desde Spotify con más de 76 millones de reproducciones y 9.000 descargas (tan solo en EE.UU.) hasta Apple Music e iTunes, pasando por encabezar la lista global de videos musicales de YouTube, se ha consagrado como la de mayor audiencia en la historia de Disney desde 1995.
Hacía tiempo que Disney no sorprendía con una canción tan popular y pegadiza como esta. La última vez fue en 2013, con el estreno de la película “Frozen. El reino de hielo”, por lo que ahora ya se puede decir que “No se habla de Bruno” se puede comparar con el éxito que tuvo “Sueltalo” (“Let it go”).
Pero para hablar de éxito total hay que remontarse a la década de los 90, hace 26 años nada menos, cuando en 1995 la canción “Colores en el viento” (“Colors of the Wind”) compuesta por Vanessa Williams para la banda sonora de “Pocahontas” ostentó igualmente este mismo puesto, y un año antes hizo lo propio “Es la noche del amor” (“Can you feel the love tonight”) el tema de Elton John para “El Rey León”.
De esta manera, “No se habla de Bruno” (“We don´t talk about Bruno”) no solo ha igualado los logros de estos temas archiconocidos, sino que también los ha superado. Sin embargo, se ha quedado a las puertas de conseguir el triunfo total, ya que, por el momento, ese primer puesto -en la historia de las canciones de Disney- lo tiene “Un mundo ideal” (“A whole new world”) de Tim Rice y Alan Menken para “Aladdin”, que llegó al número 1 en marzo de 1993.
La idea de Miranda era crear la típica canción del villano Disney pero desde una perspectiva externa, y para ello puso a la familia Madrigal a interpretar la canción en conjunto, presentando así al público a su misterioso pariente llamado Bruno, quien desapareció misteriosamente hace años.
A los Madrigal les disgusta particularmente Bruno por su capacidad para predecir el futuro, ya que la mayoría de sus premoniciones no necesariamente terminan siendo favorables para la familia, por ello no les gusta hablar de él. Opinión que no comparte el público, al que ciertamente le encanta escucharlo, no solo como audio sino también en las redes, concretamente en TikTok.
El sencillo es protagonista de numerosos vídeos que acumulan millones de reproducciones, desde coreografías inspiradas en Bruno hasta vídeos que utilizan la música de acompañamiento, pasando por niños que juegan a disfrazarse de personajes de la cinta o adultos que no se pueden quitar de la cabeza la melodía.
El personaje de Bruno se iba a llamar Oscar Madrigal en un principio, sin embargo, debido a un problema legal, tuvieron que cambiar de nombre. Había cinco alternativas, pero a Miranda solo le convencía una, la de Bruno. No es la primera vez que el compositor trabaja para Disney, ya lo hizo en 2016 creando la banda sonora de la película “Vaiana”.
A pesar de ser la más querida por el público, no podrá ser nominada al Oscar en la categoría de Mejor canción original, ya que Disney presentó en su lugar a la preselección “Dos Oruguitas”, una balada acústica en español interpretada por Sebastián Yatra.
“Encanto” cuenta la historia de una extraordinaria familia, los Madrigal, que viven en una casa mágica en las montañas de Colombia. La magia de Encanto ha dotado a todos los niños de la familia de un don único, desde la súper fuerza hasta el poder de curar, pero se olvidó de un miembro de la familia: Mirabel.
Cuando ésta descubre que la magia que rodea la casa está en peligro, decide que ella, la única Madrigal normal, podría ser la última esperanza de su extraordinaria familia. /EFE. Silvia García Herráez.
