Los Ángeles (EE.UU.), 9 abr (EFE).- La estadounidense Renée Zellweger volverá a interpretar su icónico papel de Bridget Jones en la película ‘Bridget Jones: Mad About the Boy’, la cuarta entrega de la franquicia basada en los libros de Helen Fielding, informaron este martes medios especializados.
Junto a Zellweger, regresan Hugh Grant, para encarnar una vez más a Daniel Cleaver, y Emma Thompson, quien se unió al universo de Fielding como la doctora Rawlings en ‘Bridget Jone’s Baby’ (2016), la última película de la franquicia de Universal Pictures.
El filme también contará con la participación de nuevos talentos como Chiwetel Ejiofor y Leo Woodall, mientras que Michael Morris, conocido por su trabajo en filmes como ‘To Leslie’ o series como ‘Better Call Saul’, será quien lleve la batuta como director.
Universal estrenará la comedia romántica en Estados Unidos a través de la plataforma Peacock el Día de San Valentín de 2025, mientras que en el resto de los países se estrenará en los cines.
El libro en el que se basa esta cuarta película narra la vida Bridget Jones, quien ya es una madre soltera de 51 años con dos hijos en la era de las redes sociales y las aplicaciones para citas.
Zellweger interpretó por primera vez a Bridget Jones en 2001 y su actuación le valió su primera nominación al Óscar a la mejor actriz.
El éxito de la cinta provocó el lanzamiento de una secuela tres años más tarde y en 2016 Zellweger y Firth regresaron para llevar a cabo ‘Bridget Jone’s Baby’.
En total, las tres películas han recaudado más de 760 millones de dólares en taquilla internacional y la cinta se ha convertido en un emblema para la cultura británica.
Si hay una artista que ha definido la historia de la música popular para una nueva generación es Billie Eilish. Con tan solo 22 años de edad, la artista californiana ha conseguido 9 premios Grammy y dos premios Óscar. Ahora anuncia el lanzamiento lo que será su esperado tercer disco de estudio.
“Es tan loco estar escribiendo esto ahora mismo, ¡estoy nerviosa y emocionada! No haremos sencillos, quiero entregárselos todo de una vez. Finneas y yo realmente no podríamos estar más orgullosos de este álbum y no podemos esperar a que lo escuchen. Los amo. Los amo. Los amo”, expresó la cantante en un post de Instagram cargado de emojis.
La publicación venía acompañada de una foto de la portada del álbum, que muestra a Eilish bajo el agua, nadando hacia una puerta blanca abierta.
Recientemente Eilish y Finneas fueron galardonados por el filme “Barbie”. El fenómeno taquillero del año logró el premio de la Academia a mejor canción por “What I Was Made For?”. Con este reconocimiento, Eilish se convirtió en la persona más joven en ganar dos premios de la Academia, el primero lo logró en el 2022 en la misma categoría por el tema “No Time to Die” de la película de James Bond, “No Time to Die”.
El último disco de estudio de Eilish fue “Happier than Ever” del 2021 que fue galardonado como el álbum del año en los premios Grammy del 2022.
“Hit Me Hard and Soft” será publicado el 17 de mayo de 2024.
Redacción Ciencia, 28 mar (EFE).- Las letras de las canciones en inglés se han vuelto más sencillas y repetitivas en las últimas cinco décadas, según un estudio que analiza miles de canciones en inglés de rap, country, pop, R&B y rock publicadas entre 1970 y 2020.
Esta es la principal conclusión de un estudio que publica la revista Scientific Reports liderado por investigadores de la Universidad de Innsbruck, Austria, que, además, concluye que todos los géneros muestran un aumento en el uso de palabras relacionadas con la ira.
La música está omnipresente en la vida cotidiana de las personas y sus letras desempeñan un papel fundamental al escucharlas, relatan los autores en su artículo. Sin embargo, las complejas relaciones entre el contenido lírico, su evolución temporal a lo largo de las últimas décadas y las variaciones específicas de cada género aún no se conocen del todo.
Este trabajo investiga la dinámica de las letras en inglés de la música popular occidental a lo largo de cinco décadas y cinco géneros, utilizando un amplio conjunto de descriptores de letras.
Así, a partir de un conjunto de datos de 353.320 canciones, los investigadores extrajeron descriptores léxicos, lingüísticos, estructurales, de rima, emoción y complejidad, y realizaron dos análisis complementarios.
En esencia, el equipo encabezado por Eva Zangerle descubrió que las letras de las canciones se han simplificado con el paso del tiempo en varios aspectos: riqueza de vocabulario, legibilidad, complejidad y número de líneas repetidas.
Por ejemplo, el número de palabras diferentes utilizadas en las canciones ha disminuido, sobre todo entre las canciones de rap y rock. Aunque, el número de palabras con tres o más sílabas ha aumentado en las canciones de rap, explica un resumen de la revista.
Los investigadores sugieren que, aunque el uso de palabras más largas ha aumentado en las canciones de rap, el incremento general de la repetitividad de las letras en múltiples géneros ha llevado a que las letras sean más sencillas en general.
Los resultados también coinciden con los de investigaciones anteriores según las cuales las letras se han vuelto más negativas, por un lado, y más personales/emocionales, por otro. Todos los géneros examinaron mostraron un aumento en el uso de palabras relacionadas con la ira.
En cuanto a las emociones, el uso de palabras emocionalmente positivas y negativas aumentó en las canciones de rap. En las canciones de R&B, pop y country lo hicieron las letras emocionalmente negativas.
En otro análisis de las visualizaciones del contenido de los temas en la plataforma de letras de canciones en línea Genius, los investigadores observaron que las letras de las canciones de rock más antiguas tienden a visualizarse más que las de las canciones de este género más recientes.
Sin embargo, las letras de las canciones country más recientes tienden a verse más que las de los temas de este género más antiguos.
Esto podría indicar que los oyentes de rock prefieren las letras de las canciones más antiguas, mientras que los oyentes de country prefieren las de las canciones más recientes, apuntan los autores.
Ya están en el Salón de la Fama del Rock and Roll, tienen múltiples premios Grammy y hasta una Óscar. Ahora, Bon Jovi celebra su 40 aniversario con el lanzamiento del video de su nuevo sencillo “Legendary”.
La canción forma parte de lo que será su nuevo LP, “Forever”. Se trata del décimo sexto disco de estudio de la banda roquera de Nueva Jersey.
“Este álbum es un regreso a la alegría. Desde su composición, a través del proceso de grabación, esto es subir el volumen, siéntete bien Bon Jovi,” explicó el líder de la banda Jon Bon Jovi.
En la edición 66 de los Premios Grammy del mes pasado, Jon Bon Jovi fue nombrado Persona del Año de MusiCares 2024 y fue honrado con un concierto tributo de estrellas en el Centro de Convenciones de Los Ángeles con Bruce Springsteen, Shania Twain, Melissa Etheridge, Sammy Hagar, Jason Isbell, Jelly Roll, Pat Monahan de Train y entre toros.
La conmemoración del 40 aniversario del debut de la banda continúa esta noche en la Conferencia SXSW, cuando se estrene la producción audiovisual “Thank You, Goodnight: The Bon Jovi Story”. La serie documental realizada con la plena cooperación de todos los miembros pasados y presentes de Bon Jovi está dividida en cuatro partes y llegará a la plataforma Hulu el 26 de abril.”
Los Ángeles (EE.UU.), 10 mar (EFE).- El filme ‘Oppenheimer’, de Christopher Nolan, fue el gran triunfador de la 96 edición de los Óscar al llevarse siete estatuillas, entre ellas la de mejor película y la de mejor dirección, la primera en la dilatada trayectoria del cineasta británico.
En una ceremonia plana, lo más destacado fue la divertida actuación de Ryan Gosling, de nuevo en la piel de Ken, con un imposible y brillante traje rosa, que puso al teatro Dolby en pie.
Un escenario al que subieron, cumpliendo todos los pronósticos, Emma Stone y el irlandés Cillian Murphy, para recoger los premios a mejor actor y actriz por sus trabajos en ‘Poor Things’ y ‘Oppenheimer’, respectivamente.
Fueron los últimos premios de la noche, antes de los de Dirección y película, también para ‘Oppenheimer’.
Emma Thomas (c) habla mientras el elenco de Oppenheimer celebra después de ganar el premio a mejor película en la edición 96 de los premios Óscar en Los Ángeles (EE.UU.). EFE/EPA/CAROLINE BREHMAN
“Gracias a todos los que han estado ahí y que han creído en mi carrera, a mi familia y a la increíble Emma Thomas por producir la película”, reconoció un emocionado Nolan al recoger su premio como director.
La cinta basada en la vida de Robert Oppenheimer, físico teórico y padre de la bomba atómica, también se llevó los premios de mejor intérprete de reparto para Robert Downey Jr., mejor fotografía, banda sonora y edición.
Al agradecer su premio, Cillian Murphy señaló: “Hicimos una película sobre el hombre que creó la bomba atómica, y para bien o para mal, vivimos en el mundo de Oppenheimer, así que me gustaría dedicársela a todos los pacifistas”.
La ceremonia se quedó finalmente sin el récord de Lily Gladstone (‘Killers of the Flower Moon’), que optaba a ser la primera nativa americana en ganar a mejor actriz, porque Emma Stone, vencedora por ‘La La Land’ en 2017, volvió a salir victoriosa en esta categoría gracias ahora a ‘Poor Things’.
La actriz protagonizó una de las anécdotas de la noche al reconocer entre risas y con cara de sorpresa que se le había roto el vestido por detrás, y al abandonar el escenario pidió que nadie la mirase.
La cinta del griego Yorgos Lanthimos fue la gran tapada al embolsarse también tres premios en los apartados técnicos de mejor diseño de producción, diseño de vestuario, y maquillaje y peluquería, este último al que también aspiraba el equipo de ‘La sociedad de la nieve’, del español Juan Antonio Bayona.
‘Barbie’, un fenómeno sin reconocimiento de la Academia
‘Barbie’, el fenómeno taquillero del año, llegaba con ocho nominaciones pero tuvo que conformarse únicamente con el de mejor canción por ‘What I Was Made For?’, de Billie Eilish y Finneas O’Connell.
El cómico y presentador Jimmy Kimmel ya arrancó la ceremonia criticando a la Academia de Hollywood por dejar fuera a Greta Gerwig y Margot Robbie en las categorías de mejor dirección y actriz protagonista, respectivamente: “Están aplaudiendo los mismos que no votaron por ellas, no hagan como que no son culpables”.
Tampoco la estadounidense de raíces hondureñas America Ferrera (‘Barbie’) pudo imponerse a Da’Vine Joy Randolph (‘The Holdovers’) como la mejor actriz secundaria.
Suerte adversa también para la última creación de Martin Scorsese, ‘Killers of the Flower Moon’, que no logró ninguno de los diez Óscar que pretendía.
Entre sus derrotas estuvo la categoría de mejor fotografía, en la que el mexicano Rodrigo Prieto perdió ante el suizo Hoyte van Hoytema, que ganó el premio por ‘Oppenheimer’.
‘La sociedad de la nieve’ no pudo culminar la gesta
Bayona con ‘La sociedad de la nieve’ también tenían la dura tarea de batir a la británica ‘The Zone of Interest’, pero la cinta sobre la idílica vida de un comandante nazi al lado del campo de concentración de Auschwitz cumplió con los pronósticos y ganó a mejor película internacional.
Este premio fue presentado por el reguetonero puertorriqueño Bad Bunny y, al recibirlo, el director Jonathan Glazer hizo referencia explícita al conflicto en Gaza y a la “deshumanización” que ha acarreado, “ya sea para las víctimas del ataque de Hamás o de la ofensiva en curso” de Israel.
El también español Pablo Berger competía con ‘Robot Dreams’ a mejor película de animación, pero el japonés Hayao Miyazaki hizo historia consiguiendo que ‘The Boy and the Heron’ se convirtiera en la segunda película de habla no inglesa capaz de ganar en este apartado. La anterior fue otro de sus trabajos, ‘Spirited Away’ (2001).
La documentalista chilena Maite Alberdi, quien ya concurrió a los Óscar con ‘El agente topo’ en la edición de 2021, era una de las llamadas a triunfar en esta gala con su profundo retrato del alzhéimer en ‘La memoria infinita’, que finalmente fue derrotado por ’20 Days in Mariupol’, un retrato de la guerra de Ucrania.
“Desearía cambiar este premio porque Rusia nunca hubiera atacado Ucrania u ocupado nuestras ciudades (…) Sin embargo, todos juntos, ustedes, algunas de las personas con más talento del mundo, podemos asegurarnos de que la historia se rectifique y la verdad prevalezca”, afirmó el director en uno de los pocos discursos políticos de la noche. /EFE . Guillermo Azábal
‘The Zone of Interest’ arrebata el Óscar a ‘La sociedad de la nieve’
Los Ángeles (EE.UU.), 10 mar (EFE).- ‘The Zone of Interest’, del director británico Jonathan Glazer, arrebató el Óscar a mejor película internacional a ‘La sociedad de la nieve’, de Juan Antonio Bayona, la apuesta española de la categoría.
“La película muestra que la deshumanización saca lo peor de nosotros, y lo podemos comprobar con nuestro pasado y presente”, dijo Glazer al recoger el premio de manos del puertorriqueño Bad Bunny.
James Wilson (i), Leonard Blavatnik (c) y Jonathan Glazer (d), recibe el Óscar a mejor película internacional gracias a ‘The Zone of Interest’, este 10 de marzo de 2024, durante la edición 96 de los Premios de la Academia. EFE/ Caroline Brehman
“Nuestra película muestra a dónde conduce la deshumanización, en su peor momento. Ha dado forma a todo nuestro pasado y presente. Ahora mismo estamos aquí como hombres que refutan la manera en que su judaísmo y el Holocausto estén siendo secuestrados por una ocupación que ha llevado conflicto a tantas personas inocentes”, sentenció.
“Ya sean las víctimas del ataque del 7 de octubre (Hamás), o de la ofensiva en curso contra Gaza, todas han sido víctimas de esta deshumanización ¿cómo resistimos?’, añadió el director.
La película, ambientada en la Segunda Guerra Mundial, también se impuso ante la italiana ‘Io Capitano’, de Matteo Garrone; la japonesa ‘Perfect Days’, de Wim Wenders, y la alemana ‘The Teachers’ Lounge’, de Ilker Çatak.
La cinta de Glazer se convirtió además en la primera película británica en llevarse el premio en esta categoría, debido a que desde 2019 la Academia de Hollywood cambió el apartado de mejor película de habla no inglesa por el de mejor película internacional.
‘The Zone of Interest’ narra la supuesta vida idílica de un oficial nazi en una casa ajardinada al lado del campo de concentración de Auschwitz y fue considerada por directores de la talla de Alfonso Cuarón como “la película del siglo”.
Por su parte, Bayona había navegado por la temporada de premios sin grandes victorias en las galas internacionales a las que estuvo nominado, como los Globos de Oro o los Critics Choice Awards.
Sin embargo, fue la gran triunfadora de los premios Goya españoles al alcanzar doce galardones, entre ellos los de mejor película y mejor dirección.
La cinta estrenada en Festival de Cine de Venecia versa sobre el relato de los dieciséis supervivientes de la “tragedia de los Andes”, un accidente de aviación sucedido en 1972, cuando una aeronave que transportaba a los integrantes del club de rugby Old Christians Club de Montevideo se estrelló en la cordillera de los Andes.
Pekín, 27 feb (EFE).- La cadena estatal china CCTV estrenó la primera serie de animación del país realizada íntegramente con tecnología de inteligencia artificial (IA).
La serie, compuesta por 26 episodios de siete minutos cada uno y titulada ‘Qianqiu Shisong’ (traducido como ‘Una Oda a Mil Años de Poesía’), se basa en poemas clásicos chinos y presenta una “estética única” que combina la “tradición cultural” con las técnicas de animación “más vanguardistas”, afirma la cadena.
‘Una Oda a Mil Años de Poesía’, estrenada este lunes, fue realizada a través del modelo de IA denominado CMG Media GPT, desarrollado conjuntamente por el Laboratorio de Inteligencia Artificial de Shanghái y el Grupo de Medios de China (CMG).
“El uso de la IA ha permitido agilizar significativamente el proceso de producción, reduciendo el ciclo de creación de cada episodio de ocho a cuatro meses”, aseguró el medio.
La serie se centra en más de 200 poemas presentes en los libros de texto del país, siendo el primer episodio el titulado como ‘Despedida a Dong Da’, que narra la amistad entre dos poetas de la dinastía Tang (618-907 d.C.).
“El desarrollo de la serie pone de manifiesto el avance de China en el campo de la IA”, reveló Lin Dahua, director técnico del programa y científico en el Laboratorio de Inteligencia Artificial de Shanghái.
Sin embargo, también destacó la existencia de una “brecha” con respecto a los modelos y tecnologías más avanzadas del mundo, como la recientemente revelada Sora, pero defiende que CMG Media GPT “muestra sus ventajas únicas gradualmente en cuanto a la comprensión de la cultura china y la integración con el proceso de edición y creación de medios”.
Los expertos chinos en la materia señalan que es necesario seguir invirtiendo en investigación e innovación para que China pueda competir en este ámbito estratégico, reportó este martes el diario oficialista Global Times.
El gigante asiático aprobó en julio pasado una normativa provisional para regular los servicios de inteligencia artificial generativa similares a ChatGPT, que estarán sujetos a “los reglamentos vigentes en materia de seguridad de la información, protección de datos personales, propiedad intelectual y progreso científico y tecnológico”.
Varios gigantes tecnológicos chinos como Baidu, Tencent o Alibaba han presentado en los últimos meses servicios basados en inteligencia artificial, aunque han surgido preguntas acerca de la aplicación de este tipo de tecnología en el país asiático debido a la fuerte censura que imponen las autoridades.
Londres, 26 feb (EFE).- ‘Dune: Parte 2’, continuación del épico filme de 2021 dirigido por Dennis Villeneuve, busca encontrar la “moraleja” en un desierto lleno de conflictos religiosos y luchas por el poder y los recursos, repleto de paralelismos inevitables con la realidad actual.
La película explora el viaje a la madurez de Paul Atreides (Timothée Chalamet), camino que recorre en esta secuela junto al pueblo de los Fremen, al que pertenece la guerrera Chani (Zendaya).
Con Villeneuve (‘La llegada’, ‘Blade Runner 2049’) de nuevo detrás de la cámara, el filme -que se estrena este viernes en España- evoluciona a los personajes que presentó en la primera parte, además de presentar a otros nuevos como la princesa Irulan (Florence Pugh) o Feyd-Rautha (Austin Butler).
En una entrevista con EFE en Londres, el realizador canadiense dijo que intentó respetar los deseos de Frank Herbert, autor de la novela en que se basa el filme, quien buscaba que ‘Dune’ se entendiera como “una historia con moraleja”.
Como explicó, Herbert escribió ‘El mesías de Dune’ para corregir y asegurarse de que el mensaje no se limitara a una “celebración del héroe”, algo que él trata de reflejar en esta secuela.
Ese cuento con moraleja habla de cuestiones de relevancia actual, como expuso Zendaya a EFE, como la “codicia, la corrupción del poder o la explotación de los recursos a costa de seres humanos”.
“La razón por la que el relato ha perdurado en el tiempo es porque era relevante entonces y ahora, y desafortunadamente Herbert cree que será relevante dentro de miles de años, lo que es aterrador”, manifestó la actriz.
Aunque Paul Atreides repite como la figura central del largometraje, la secuela de ‘Dune’ es más coral que la película que inició la saga, y reparte el protagonismo entre varios personajes, algunos que ya han aparecido en pantalla y otros que se estrenan para esta ocasión.
A los últimos pertenece Feyd-Rautha Harkonnen, interpretado por Austin Butler, sobrino del barón Vladimir Harkonnen (Stellan Skarsgård) y que se convertirá en el antagonista de Atreides en esta historia.
Sobre su interpretación, Skarsgård, cuyo personaje en este filme se encuentra más débil y se plantea ceder el poder a otro miembro de los Harkonnen, afirmó a EFE, entre risas, que Butler “disfrutó de ser malvado”.
De hecho, para Butler, Feyd-Rautha es “el lado oscuro de la moneda” de Paul Atreides, con quien, no obstante, comparte ciertas características como la de ser el heredero del liderazgo de sus respectivas familias.
Para Chalamet, Atreides es un personaje más complejo en ‘Dune: Parte 2’, donde las circunstancias hacen que no siga siendo “el chico ingenuo y bueno que vemos al principio de la primera película”.
Dos caras de la misma moneda son también Chani y la princesa Irulan, representadas por Zendaya y Florence Pugh respectivamente, pese a tener “orígenes completamente diferentes”, como explicó Pugh a EFE.
“Creo que la trama de la mayoría de las mujeres en ‘Dune’ trata de cómo consiguen el poder o de cómo lo mantienen; creo que esa parece ser la lucha de todas, que tienen personalidades e historias fascinantes y complejas, pero en realidad quieren cosas bastante parecidas”, opinó.
Tan importante como los protagonistas de ‘Dune: Parte 2’ es el mundo en el que se ubican, que sumerge al público en la arena de las dunas de Arrakis, único planeta en el que se puede encontrar la especia ‘melange’, que permite viajar por el espacio, lo que lleva a luchas por este recurso.
Este ambiente influye sobre los personajes que aparecen en la película, incluyendo en algunas sorpresas, como la del regreso de Gurney Halleck (Josh Brolin), uno de los mentores de Paul Atreides.
De acuerdo con Brolin, el entorno no solo afecta a los personajes en la pantalla, sino también a los actores detrás de ella, que rodaron en un desierto “a dos horas y media de Abu Dabi en medio de la nada y a más de 40 grados centígrados”.
“No puedes evitar reaccionar ante eso. Aunque a mí personalmente me encantó, no es fácil trabajar en la arena”, algo que supuso un reto a nivel “físico, emocional, mental y espiritual”, según dijo. /EFE. Cristina Alonso Pascual
“Y aunque me esté comiendo el mundo, no se valora ni un segundo” canta “Mery” Bas del grupo Nebulossa entonando la letra de la canción “Zorra”.
El controvertido tema representará a España en el festival Eurovisión 2024 tras haberse coronado como el favorito en las votaciones del jurado en la final del Benidorm Fest celebrada el pasado 3 de febrero.
“Si salgo sola soy la zorra, si me divierto la más zorra”, dice la letra de la canción que está causando revuelo en redes sociales sobre el problemático uso que se le da (y se la ha dado) a la palabra “zorra”. ¿Se trata de un insulto machista para desacreditar a las mujeres o se podrá reconfigurar la voz para expresar un empoderamiento feminista? “Esta es mi naturaleza, cambiar por ti me da pereza”, sentencia la cantante.
Mientras que la banda busca resignificar el término, el debate ya se ha extendido a diferentes esferas gracias a la disponibilidad de la traducción de los versos a varios idiomas.
“Y esa zorra que tanto temías se fue empoderando, y ahora es una zorra de postal”, entonan los integrantes de Nebulossa. El dúo de Alicante fue formado en el 2018 por María ‘Mery’ Bas y su esposo, el tecladista y productor, Mark Dasousa.
La agrupación ahora apunta a ganar en la edición 68 del festival Eurovisión que se llevará a cabo en mayo en la ciudad de Malmö (Suecia). De momento, la canción ya se está viralizando en el ecosistema digital tras lograr millones de reproducciones en plataformas como YouTube y Spotify.
La promesa argentina Isla de Caras planea escribir una carta de amor en Costa Rica y la cita será el próximo 18 de febrero en Casa Rojas, San José.
Como parte de su gira por Latinoamérica, la banda visitará por primera vez territorio costarricense, para traer a chepe los sonidos de su más reciente disco: Gran Turismo.
Este será el primer show internacional del 2024 que se realizará bajo la sombrilla de Cream Latam, quienes en los últimos dos años han sido los causantes de muchas de nuestras alegrías gracias a sus bookings.
La agrupación nació en el año 2017 en Buenos Aires, Argentina. Fue tal el recibimiento del público con los lanzamientos de sus primeros sencillos, que para el año 2018 fueron convocados para el FestivalLollapalooza de Argentina.
En su última gira, la banda se presentó en 4 países y más de 7 ciudades. Siendo predominante su sonido en México, lo que los llevo a ciudades como Querétaro, Guadalajara, Ciudad de México y Puebla.
Isla de Caras anteriormente ya ha estado presente en Centroamérica más no en Costa Rica, por lo que su visita promete ser una experiencia inolvidable tanto para la banda como para los fans que disfrutan de ese sonido tan característico, el cual viaja desde el indie hasta el R&B, el pop psicodélico o el dreampop.
Su más reciente álbum llamado Gran Turismo consta de 11 canciones y es la tercera producción en estudio, para ellos, es la prueba más evidente de su evolución musical.
En estas canciones podemos encontrar amor, desamor, lo permanente, lo efervescente y el tan característico amor líquido que se ha vuelto un tema en las nuevas generaciones.
“Isla De Caras siempre fue una banda súper melancólica y los shows necesitaban momentos de mayor voltaje. Queríamos armar contrapuntos con melodías más eclécticas. Mayor presencia de guitarras, actitud de superación, rigor, vigor y el turismo entendido como una especie de gran circuito donde fuimos descubriendo nuestra identidad”, comentó Lautaro Cura, frontman de Isla de Caras.
“Gran Turismo” puede definirse, en síntesis, como la obra que compacta y denota el crecimiento artístico de Isla de Caras, conseguido tras un 2022 que encontró al grupo en pleno re-descubrimiento, mientras borraba los límites del mapa para dejarse invadir por los encantos de México, Colombia, Perú y Paraguay, o los siempre envolventes recovecos de la propia Argentina. Despojados de prejuicios y dispuestos a nuevas aventuras. Perceptivos e intrépidos. Exploradores. Visitantes. Turistas.
La Habana, 24 ene (EFE).- Para el multipremiado pianista Arturo O’Farrill el Festival Internacional Jazz Plaza de Cuba, en el cual participa este miércoles, es uno de los mejores porque esta cita no tiene “miedo” a experimentar con la mezcla de géneros, asegura en entrevista con EFE.
La opinión de O’Farrill se puede entender desde sus propios orígenes. Su vida es un cóctel de nacionalidades e influencias: de padre cubano y madre mexicana, nacido en Ciudad de México (hace 63 años) y criado en Brooklyn (Estados Unidos).
El artista es hijo de Chico O’Farrill, conocido como el arquitecto del jazz afrocubano, y de la cantante Lupe Valero y ha seguido con la tradición familiar al grado de ser también una referencia mundial en el jazz latino y afrocubano.
Es quizás por su entorno que puede hacer gala de afirmaciones categóricas como que, en su opinión, la música latinoamericana, “específicamente la cubana, la afrocubana y la afrolatina”, es perfecta porque contiene a “Europa, África y el Nuevo Mundo, el mundo del indígena”.
Y es algo que también transmite con su música y que, a la vez, lo llama a asistir a cada edición del Jazz Plaza desde su primera participación, en 2002.
“Yo he sentido desde la primera vez que vine a Cuba, a invitación de Chucho Valdés, a tocar en este mismo festival, que al salir del avión (la sensación) es como si una mano saliese de la tierra a cogerme del corazón. (Yo) lloré como un bebé la primera vez”, rememora el jazzista.
Pero el cariño por la tierra de su padre y por la música que ha inspirado a dos generaciones de O’Farrill no se limita a las sensaciones.
Para el artista el festival cubano es mucho mejor que los de Estados Unidos por una razón que solo se puede entender viniendo de alguien que vive por la mezcla de sonidos y géneros diferentes: “Es mucho más abierto. No hay miedo (a experimentar)”.
Justamente O’Farrill fue uno de los artistas que participó en una de las novedades de este año del festival: un concierto de jazz con actuación de danza contemporánea.
Este interés constante por combinar ritmos hace también que se desmarque de otros músicos veteranos que han criticado a los géneros contemporáneos, como el reguetón o el trap, y el estado de la industria con las plataformas digitales.
“Hay gente que en estos momentos está mezclando todo de una manera tan bonita y con respeto hacia todo (…) esta época del streaming es de las más bonitas del mundo. La música de los jóvenes es muchas veces mejor que la mía… y muchas veces peor. La única música mala es la que está diseñada para sacar dinero de tu bolsillo”, sostiene.
Relaciones Washington-La Habana
El pianista, que sumó en 2023 otro Grammy en su palmarés con el álbum ‘Fandango at the wall in New York’, también es consciente del peso que tiene que artistas estadounidenses estén presentes en la cita habanera. Según los organizadores, este año son 92.
Fue de los invitados en 2015 cuando la bandera de Estados Unidos volvió a ondear en su embajada en La Habana tras 54 años y cree que incluso en los momentos más tensos de la relación entre los dos países, el arte y la música siempre son vías para crear puentes.
“Es natural que los músicos de Estados Unidos vengan aquí y es natural que los músicos cubanos vayan a Estados Unidos. Yo siempre pienso -y yo no soy político, yo no me quiero meter con nadie- que el enfrentamiento entre EE. UU. y Cuba es como un divorcio entre dos amantes”, subraya. /EFE. Juan Carlos Espinosa
