Category: Actualidad

  • Hombres al borde de un ataque de nervios: el nuevo ciclo de cine que explora las contradicciones de la masculinidad

    Hombres al borde de un ataque de nervios: el nuevo ciclo de cine que explora las contradicciones de la masculinidad

    ¿Qué pasa cuando un hombre pierde el control sobre aquello que creía tener resuelto? Esa es una de las preguntas que atraviesa Hombres al borde de un ataque de nervios, el nuevo ciclo de Martes de Cine del Centro Cultural de España, que durante octubre propone cinco películas alrededor del ego, el amor, el trabajo, la soledad y las expectativas asociadas a la masculinidad.

    La selección reúne producciones de Colombia, Costa Rica, República Dominicana, México y Argentina, utilizando la comedia, el absurdo y el humor incómodo como herramientas para acercarse a las contradicciones de sus personajes y, desde ahí, abrir una conversación sobre las formas en que entendemos y vivimos la masculinidad.

    Cinco países, distintas formas de mirar la masculinidad

    A lo largo del mes, el ciclo presenta cinco películas recientes que exploran diferentes situaciones relacionadas con las expectativas sociales y personales que rodean a los hombres.

    Más que ofrecer una mirada única sobre la masculinidad, la selección propone acercarse a sus distintas contradicciones desde el humor. La risa y el absurdo funcionan como una manera de observar comportamientos, inseguridades y conflictos que también forman parte de la vida cotidiana.

    La curaduría está a cargo del cineasta y comunicador Iván Porras Meléndez, quien reunió títulos que encuentran en el humor una forma de mirar de cerca aquello que muchas veces resulta incómodo reconocer.

    El humor como espejo

    El ciclo parte de una situación sencilla pero reveladora: aquello que parecía estar bajo control puede dejar de estarlo. A partir de ese punto, las películas utilizan situaciones absurdas, momentos incómodos y distintos registros de comedia para poner en evidencia las expectativas que pesan sobre sus protagonistas.

    El ego, la búsqueda de reconocimiento, la soledad y los vínculos afectivos se convierten así en puntos de entrada para explorar personajes que enfrentan distintas formas de crisis. La propuesta utiliza el cine no solamente para provocar risas, sino también para reconocer algunas de las contradicciones que existen detrás de esas situaciones.

    Hombres al borde de un ataque de nervios plantea así una invitación a mirar la masculinidad desde otro lugar: uno donde el humor permite cuestionar certezas, encontrar incomodidades y, quizá, reconocerse en más de una de las historias que llegan a la pantalla.

    Martes de cine durante todo octubre

    Las funciones de Hombres al borde de un ataque de nervios se realizarán todos los martes de octubre a las 7:00 p. m. en el Centro Cultural de España.

    La entrada es gratuita y no requiere inscripción, por lo que el ciclo se presenta como una oportunidad para acercarse al cine latinoamericano contemporáneo y a diferentes maneras de representar las experiencias alrededor de la masculinidad.

    Durante cinco martes, Colombia, Costa Rica, República Dominicana, México y Argentina se encuentran en la pantalla para plantear una misma pregunta desde distintos lugares: qué sucede cuando las certezas, expectativas y formas de entender la vida comienzan a tambalearse.

  • La noticia Queer de la Semana: Serbia tiene por primera vez una presidenta lesbiana, pero la representación no garantiza igualdad

    La noticia Queer de la Semana: Serbia tiene por primera vez una presidenta lesbiana, pero la representación no garantiza igualdad

    El 28 de setiembre, Ana Brnabić asumió de manera interina la presidencia de Serbia después de que Aleksandar Vučić renunciara al cargo.

    Como presidenta de la Asamblea Nacional, Brnabić pasó temporalmente a ocupar la jefatura de Estado mientras el país se prepara para elegir a una nueva persona para la presidencia. Su mandato interino puede extenderse por un máximo de 90 días.

    El momento tiene un peso histórico: Brnabić es la primera persona abiertamente homosexual en ocupar la jefatura de Estado de un país de los Balcanes y ya había marcado otro precedente en 2017, cuando se convirtió en la primera mujer y la primera persona abiertamente lesbiana en llegar a la jefatura del Gobierno serbio.

    Pero que una persona LGBTIQ+ llegue a uno de los puestos más altos del poder no significa, automáticamente, que las condiciones de vida de toda la comunidad cambien con ella.

    Una identidad que no quiso convertir en bandera política

    Desde su llegada al poder, Brnabić ha marcado distancia con la idea de ser definida principalmente por su orientación sexual. En 2017, durante su llegada al cargo de primera ministra, declaró que no quería ser etiquetada como una “ministra gay” y que quería ser valorada por su trabajo político.

    La postura puede entenderse desde una idea sencilla: una persona lesbiana no tiene por qué convertirse en portavoz de toda una comunidad únicamente por ser lesbiana. El problema aparece cuando esa representación histórica tampoco se traduce en avances para quienes siguen enfrentando barreras por su orientación sexual o identidad de género.

    Durante su etapa como primera ministra, Brnabić sí participó en espacios vinculados con los derechos LGBTIQ+, incluido el Pride de Belgrado, y su gobierno respaldó la realización de EuroPride en 2022. Sin embargo, organizaciones y análisis sobre el país han señalado que los avances legales para las parejas del mismo sexo y otras demandas de igualdad han sido limitados.

    Cuando llegar al poder no significa abrir la puerta para todas

    Serbia todavía no reconoce legalmente las parejas del mismo sexo con los mismos derechos que las parejas heterosexuales. En 2021 se intentó avanzar con una legislación sobre uniones entre personas del mismo sexo, pero la propuesta no llegó a convertirse en ley. Para 2024, activistas continuaban reclamando que el Estado aprobara un marco legal que reconociera estos vínculos.

    La situación también va más allá del reconocimiento de las parejas. Organizaciones de derechos humanos han documentado agresiones, amenazas y discriminación contra personas LGBTIQ+ en Serbia, mientras que los movimientos de orgullo continúan enfrentando oposición de sectores conservadores y grupos de extrema derecha.

    Por eso, el ascenso de Brnabić plantea una conversación que va más allá del titular histórico. ¿Qué significa que una persona de una comunidad históricamente discriminada llegue al poder cuando las estructuras que afectan a esa misma comunidad permanecen prácticamente intactas?

    La representación importa. Lo que se hace con el poder, también.

    Ver a una mujer lesbiana ocupar la jefatura de Estado de un país balcánico rompe, sin duda, una barrera de representación. Durante décadas, la posibilidad de imaginar a una persona abiertamente LGBTIQ+ en esos espacios de poder parecía incompatible con muchas de las sociedades de la región.

    Pero la representación por sí sola no garantiza igualdad. Una persona LGBTIQ+ en el poder no necesariamente comparte las mismas prioridades políticas de los movimientos que históricamente han luchado por los derechos de la comunidad, y ocupar un cargo no convierte automáticamente a nadie en activista o aliada de esas causas.

    La historia de Ana Brnabić deja precisamente esa tensión sobre la mesa: llegar puede ser histórico, pero transformar requiere algo más. Y para una comunidad, la verdadera medida del cambio no está únicamente en quién ocupa la silla, sino también en si quienes están fuera de ella consiguen vivir con más derechos, protección y libertad.

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  • La Sánchez convierte el cierre de una etapa en un acto de libertad con “Punto y Aparte”

    La Sánchez convierte el cierre de una etapa en un acto de libertad con “Punto y Aparte”

    Cerrar una etapa no significa olvidar lo que pasó, implica reconocer cuánto nos transformó, recuperar la voz que habíamos perdido en el camino y decidir qué cosas ya no queremos llevar con nosotras.

    Desde ese lugar nace “Punto y Aparte”, el nuevo sencillo de La Sánchez y la última pieza que adelanta su álbum debut, Ultrasensible.

    La canción se mueve entre la vulnerabilidad y la certeza. Más que contar una historia de amor específica, La Sánchez utiliza la experiencia de sentirse pequeña, confundida o desconectada de sí misma para hablar de límites, dignidad y de la decisión de volver a ocupar el espacio propio.

    Una canción sobre volver a escucharse

    “Punto y Aparte” parte de una mirada hacia atrás, pero no para quedarse en la nostalgia. La canción plantea ese momento en el que una reconoce lo vivido y entiende que continuar cargando con una historia también puede impedirle avanzar.

    Por eso, el cierre que propone La Sánchez no es una negación del pasado. Es una forma de reconocerlo sin permitir que siga definiendo el presente. La propia voz se convierte así en el centro de una canción que habla de recuperar aquello que alguna vez quedó en segundo plano.

    Entre lo etéreo y lo emocional

    Musicalmente, el sencillo se construye desde un R&B íntimo y atmosférico. Los sonidos dreamy y etéreos crean una especie de espacio suspendido alrededor de la voz de La Sánchez, generando un contraste con el peso emocional de la letra.

    Esa combinación permite que la canción avance entre la nostalgia y la calma, mientras la interpretación vocal pasa de la vulnerabilidad hacia una sensación cada vez más clara de certeza. El resultado acompaña el proceso que plantea la letra: mirar lo que dolió, atravesarlo y finalmente dejarlo atrás.

    El último adelanto de Ultrasensible

    “Punto y Aparte” es además el tercer y último single previo al lanzamiento de Ultrasensible, el álbum debut de La Sánchez. El proyecto parte de la sensibilidad como una fuerza y construye un universo alrededor de emociones que no siempre resultan fáciles de nombrar.

    Dentro de ese recorrido, esta canción funciona como un cierre especialmente personal. No porque borre lo anterior, sino porque abre espacio para lo que viene. Después de reconocer lo vivido, poner límites y recuperar la propia voz, también queda la posibilidad de empezar a escribir una historia diferente.

  • Cartago se acerca al universo de Gaudí entre fotografías, órgano y danza

    Cartago se acerca al universo de Gaudí entre fotografías, órgano y danza

    Las formas de Antoni Gaudí llegarán este sábado a Cartago a través de dos experiencias que proponen acercarse a su obra desde distintos sentidos. Mientras una exposición fotográfica permitirá recorrer los detalles de la Casa Batlló, un concierto en la Basílica de Nuestra Señora de los Ángeles llevará su universo creativo al sonido del órgano y al movimiento de la danza.

    La jornada se desarrollará el 19 de setiembre, como parte del Año Gaudí 2026, que conmemora los 100 años de la muerte del arquitecto catalán. Ambas actividades serán de acceso gratuito, con el concierto sujeto a la capacidad del recinto.

    La Casa Batlló se instala en el Museo Municipal de Cartago

    A las 5:00 p. m., el Museo Municipal de Cartago inaugurará la exposición fotográfica Casa Batlló de Gaudí: La joya modernista del genio catalán.

    La muestra reúne 22 paneles fotográficos que permiten detenerse en los colores, las texturas, las formas orgánicas y los detalles arquitectónicos de uno de los edificios más reconocidos de Barcelona. La exposición forma parte de una iniciativa que distribuye 56 paneles entre San José y Cartago: 34 se encuentran en la Plaza de la Cultura y 22 llegarán al museo cartaginés.

    La Casa Batlló fue construida originalmente en 1877 y posteriormente reformada por Gaudí entre 1904 y 1906. En su diseño, el arquitecto incorporó elementos inspirados en la naturaleza, además de una exploración particular de la luz, el color y las formas.

    En Cartago, la exposición podrá visitarse hasta el 31 de diciembre, ofreciendo una oportunidad para acercarse a la obra de Gaudí sin necesidad de viajar a Barcelona.

    El órgano de la Sagrada Familia sonará en la Basílica de los Ángeles

    La segunda actividad comenzará a las 7:00 p. m., cuando el organista español Juan de la Rubia, titular de la Basílica de la Sagrada Familia de Barcelona, se presente en la Basílica de Nuestra Señora de los Ángeles con el recital El universo de Gaudí en el órgano de la Sagrada Familia.

    El concierto forma parte de la IV Temporada Española de Conciertos 2026 y propone una relación entre la arquitectura de Gaudí y las posibilidades expresivas del órgano. El programa incluye obras de Johann Sebastian Bach, Jehan Alain y Charles Tournemire, además de una improvisación de De la Rubia.

    La propuesta también contará con la participación del Taller Nacional de Danza del Ministerio de Cultura y Juventud, que acompañará la música con coreografías. De esta manera, el recital no se limitará a una presentación instrumental, sino que incorporará el cuerpo y el movimiento como parte de la experiencia.

    La entrada será gratuita hasta completar el aforo.

    Una misma obra vista desde diferentes lenguajes

    La programación dedicada a Gaudí propone algo más que presentar una de sus construcciones más famosas o llevar su nombre a un concierto. La exposición permite observar la arquitectura a través de sus detalles, mientras que el recital busca traducir algunas de sus inquietudes —como la naturaleza, la luz y la dimensión espiritual— al lenguaje musical y escénico.

    Ambas actividades forman parte de una agenda cultural que se extiende durante el año en Costa Rica, con exposiciones, recorridos, charlas y talleres alrededor del legado del arquitecto catalán.

    Datos de la jornada

    Exposición fotográfica: 5:00 p. m.
    Museo Municipal de Cartago.

    Concierto de Juan de la Rubia: 7:00 p. m.
    Basílica de Nuestra Señora de los Ángeles, Cartago.

     Entrada gratuita, sujeta a la capacidad del recinto en el caso del concierto.

    Este sábado, Cartago tendrá la oportunidad de acercarse a Gaudí desde la fotografía, la música y la danza: tres maneras distintas de entrar en conversación con una obra que continúa inspirando mucho después de su creación.

  • Costa Rica encuentra distintas formas de estar presente en los Latin Grammy 2026

    Costa Rica encuentra distintas formas de estar presente en los Latin Grammy 2026

    La música costarricense vuelve a encontrar espacios dentro de los Latin Grammy. La edición número 27 de los premios incluye a Kendall Peña, nominada a Mejor Nuevo Artista, pero también reconoce trabajos en los que participan otros nombres vinculados a la escena nacional, como Debi Nova, Julián Bernal y Bombocat.

    La Academia Latina de la Grabación anunció este 16 de setiembre las nominaciones para la ceremonia, que se realizará el próximo 12 de noviembre en el MGM Grand Garden Arena de Las Vegas. La lista reúne producciones de distintos géneros, generaciones y territorios de la música latinoamericana.

    La representación costarricense también está detrás de los discos

    La presencia de Costa Rica en esta edición no se limita a las nominaciones directas de intérpretes.

    Kendall Peña aparece en la categoría de Mejor Nuevo Artista, mientras que Debi Nova compite en Mejor Álbum Pop Contemporáneo con Todo Puede Convertirse En Canción. El disco también cuenta con la participación del productor costarricense Julián Bernal, cuya labor forma parte del trabajo nominado.

    En el caso de Bombocat, su participación se encuentra en Más Cara, el álbum de Bad Gyal nominado a Mejor Álbum de Música Urbana. Su aporte como productor forma parte de una producción que llega a la lista de candidaturas de la Academia.

    Esta distinción es importante: ni Bernal ni Bombocat aparecen como nominados individuales en esas categorías, sino que sus trabajos están vinculados a álbumes que sí recibieron una candidatura. Aun así, sus contribuciones permiten observar cómo la participación de profesionales costarricenses también se extiende a producciones internacionales.

    Una lista que cruza el pop, lo urbano y las nuevas voces

    La categoría de Mejor Nuevo Artista reúne a Fabian, Kendall Peña, Sofia Monroy, Delilah, Loulu Gilberto, Arath Herce, Macario Martínez, maye, Dora Sanches, ARIA VEGA y Zeca Veloso. La selección incorpora proyectos de distintas procedencias y propuestas que han comenzado a desarrollar su recorrido dentro de la industria.

    En las categorías de pop, Joaquina aparece nominada por “Amarillo” en Mejor Canción Pop y por “Generación Digital” en Mejor Canción Cantautor. Anitta, por su parte, compite en Álbum del Año y Mejor Álbum de Pop Contemporáneo en Lengua Portuguesa con EQUILBRIVM.

    La música urbana también tiene una presencia amplia. Feid suma nominaciones por “Se Lo Juro Mor”, “Poder” y su participación en “Verano Rosa” junto a Karol G. Bad Gyal aparece en Mejor Interpretación Reggaeton por “Choque”, junto a Chencho Corleone, y en Mejor Álbum de Música Urbana por Más Cara.

    Rock, música mexicana y otras escenas dentro de la lista

    La edición 2026 también incluye propuestas de diferentes tradiciones musicales. En la categoría de Mejor Canción de Rock, The Warning compite con “EGO”, mientras que Juanes aparece en Mejor Álbum Pop/Rock con JuanesTeban. El artista colombiano suma además una candidatura en Canción del Año por “Humano”, junto a Vivir Quintana.

    En las categorías de música mexicana figuran Camila Fernández, nominada por La Fernández en Mejor Álbum de Música Ranchera-Mariachi; Banda Los Recoditos, por Piratita en Mejor Álbum de Música Banda; y Calibre 50, por El Mundo Es Del Que Se Anima en Mejor Álbum de Música Norteña.

    También aparecen Greeicy, nominada por Candela en Mejor Álbum Tropical Contemporáneo, y artistas como Esteman y Daniela Spalla, quienes compiten en Mejor Álbum Pop Tradicional con Amorío.

    Una ceremonia que reunirá distintas formas de crear música

    Las nominaciones de este año muestran una industria donde la creación musical no ocurre únicamente frente al micrófono. Intérpretes, compositores, productores y otros profesionales participan en obras que pueden terminar representadas en distintas categorías.

    Para Costa Rica, la presencia de Kendall Peña, Debi Nova, Julián Bernal y Bombocat permite acercarse a los Latin Grammy desde diferentes lugares: como artista nominada, como intérprete con un álbum reconocido y como parte de los equipos creativos que hacen posibles esas producciones.

    La ceremonia se celebrará el 12 de noviembre en Las Vegas, donde se conocerán los proyectos y artistas que recibirán los reconocimientos de esta edición.

  • Álvaro Díaz llega a Costa Rica con el OMAKASE Tour este jueves

    Álvaro Díaz llega a Costa Rica con el OMAKASE Tour este jueves

    El menú de Álvaro Díaz ya pasó por Colombia, Guatemala, Panamá y El Salvador, y ahora tiene una nueva parada en Centroamérica: Costa Rica.

    El artista puertorriqueño llegará este jueves 17 de setiembre a Parque Viva, en La Guácima de Alajuela, como parte de su OMAKASE Tour. El concierto está programado para las 7 p. m.

    La parada costarricense llega pocos días después de su presentación en El Salvador, donde miles de personas acompañaron al artista en una noche marcada por canciones de OMAKASE, algunos de sus temas más conocidos y una sorpresa que convirtió el concierto en algo distinto a una simple reproducción del disco: “OG Black”, perteneciente a Felicilandia, fue revelada como canción exclusiva del show.

    Con la gira avanzando por Centroamérica, Costa Rica será ahora el siguiente lugar en recibir una experiencia construida alrededor del universo de OMAKASE.

    Una gira que juega con la idea de dejarse sorprender

    El concepto de OMAKASE parte precisamente de la idea de confiar en quien está al otro lado de la mesa. Para Díaz, llevar ese concepto a un álbum significó asumir el papel de chef y decidir qué quería servir, cómo combinar cada elemento y en qué momento revelar cada parte del proyecto.

    El disco, lanzado en mayo de este año, fue presentado por el propio artista como una experiencia dividida en cuatro partes y construida alrededor de diferentes “sabores” musicales.

    Esa idea también se trasladó al escenario.

    Durante la presentación en El Salvador, el público pudo escuchar canciones como “SELEDA.”, “NO PODEMOS SER AMIGOS.” y “PIENSO EN TI.”, además de temas como “Llori Pari”, “QUIEN TE QUIERE COMO EL NENE” y “YOKO”. La aparición de “OG Black” como canción exclusiva demuestra que el repertorio de la gira también puede reservar espacio para momentos que no necesariamente están anunciados de antemano.

    De “SELEDA.” a “PIENSO EN TI.”

    OMAKASE ha encontrado una parte importante de su identidad en la manera en que Álvaro Díaz se mueve entre distintos sonidos sin abandonar su raíz urbana.

    El álbum combina reguetón, hip hop, electrónica y otros elementos que acompañan una propuesta construida tanto desde la música como desde el concepto visual. Entre sus canciones aparecen desde la energía más cruda de “SICHEF.” hasta “SELEDA.”, una pieza que mezcla merengue y electrónica y que fue producida por El Guincho.

    Esa amplitud ayuda a explicar por qué el OMAKASE Tour no se limita a presentar un álbum de principio a fin. El espectáculo recorre diferentes etapas de la carrera reciente de Díaz y deja espacio para canciones que sus seguidores llevan tiempo esperando escuchar en vivo.

    En El Salvador, el propio artista resumió el vínculo con su público de una manera sencilla:

    “Estábamos, yo y todo mi equipo, súper locos por volver a estar acá.”

    Ahora esa misma energía se traslada a Costa Rica.

    Este jueves, la mesa está servida en Parque Viva

    La cita con Álvaro Díaz será este jueves 17 de setiembre en Parque Viva, en La Guácima de Alajuela, con inicio a las 7 p. m. El concierto es para personas mayores de 15 años; quienes tengan 15 años pueden ingresar acompañados por una persona adulta responsable.

    El concierto costarricense llega en medio de una gira que continuará posteriormente por Latinoamérica y Estados Unidos, después de pasar por otras ciudades de la región. OMAKASE, por su parte, ya supera las 250 millones de reproducciones globales, según la información proporcionada por el equipo del artista.

    Así que este jueves no toca esperar a que el menú llegue a la mesa: Álvaro Díaz trae el OMAKASE directamente a Costa Rica.

  • Science of Sensations convierte tres años de trabajo en un paisaje instrumental con Exvotos

    Science of Sensations convierte tres años de trabajo en un paisaje instrumental con Exvotos

    Un exvoto nace de una promesa y termina convertido en un objeto. Puede ser una forma de agradecer, recordar o dejar constancia de algo que ocurrió. Science of Sensations tomó esa idea como punto de partida para nombrar su nuevo álbum de estudio: Exvotos, un material que reúne tres años de composición y planificación y que finalmente toma una forma tangible.

    Pero el concepto no se queda en la portada. El álbum también habla, desde la música, sobre el paso del tiempo, la supervivencia y la memoria. Lo hace sin recurrir a una voz humana: guitarras, bajo y batería construyen por sí mismos las atmósferas de un disco que se acerca más al lenguaje cinematográfico que a una narrativa tradicional de canciones.

    Una promesa que tomó tres años en materializarse

    Para Science of Sensations, Exvotos representa el resultado de un proceso prolongado de composición, producción y planificación. La referencia a los exvotos proviene de su dimensión estética y antropológica: objetos que convierten una experiencia o una promesa en algo que puede verse y conservarse.

    Esa relación con lo tangible atraviesa la concepción del álbum. Después de tres años de trabajo, las composiciones dejaron de ser únicamente ideas para convertirse en una grabación concreta, con una identidad visual y audiovisual que amplía la experiencia del disco.

    La banda decidió además alejarse de cualquier lectura estrictamente religiosa del concepto. En Exvotos, la idea funciona como una manera de hablar sobre aquello que permanece: lo que sobrevivimos, lo que recordamos y las marcas que deja el tiempo.

    Buenos Aires como parte del sonido

    El proceso de grabación llevó a Science of Sensations hasta Buenos Aires en 2025. Durante una semana de trabajo intensivo, la banda se reunió con la productora audiovisual Mural Sessions para registrar el álbum en tres espacios con un peso particular dentro de la historia musical de la región: Estudios ION, Romaphonic y Unísono.

    La elección de estos estudios no funciona solamente como un dato de producción. Cada espacio forma parte del recorrido que terminó dando forma sonora a Exvotos, en una etapa que la propia banda describe como la más ambiciosa de su trayectoria.

    El resultado es un álbum que encuentra buena parte de su identidad en la interacción entre sus instrumentos. Sin voces que conduzcan la atención hacia una historia concreta, las guitarras, el bajo y la batería tienen que construir el relato desde el ritmo, las capas y las texturas.

    Música sin palabras para construir imágenes

    Esa ausencia de voz humana abre uno de los elementos más interesantes de Exvotos: las canciones pueden funcionar como escenas sin necesidad de explicar exactamente qué estamos viendo.

    Science of Sensations utiliza sus instrumentos para construir paisajes inmersivos y cinematográficos, dejando que la música sugiera movimiento, tensión, memoria o permanencia sin traducir esas ideas en una letra.

    La propuesta también se extiende al registro audiovisual. Cada pieza cuenta con una sesión de estudio en video, ya disponible, mientras que un documental permite seguir el detrás de escena del viaje a Buenos Aires y el proceso creativo que terminó convirtiéndose en el álbum.

    Así, Exvotos no queda limitado al formato de un disco. Su concepto se desarrolla entre la música, las imágenes y el registro de un proceso que comenzó mucho antes de entrar al estudio.

    Después de tres años de trabajo, Science of Sensations finalmente puede poner ese proceso frente al público. Como el objeto que inspira su nombre, Exvotos convierte algo que durante mucho tiempo existió como intención y promesa en una pieza concreta: un álbum construido desde la memoria, el paso del tiempo y todo aquello que consigue permanecer.

  • La noticia Queer de la Semana: Alice Weidel y las contradicciones de la ultraderecha alemana

    La noticia Queer de la Semana: Alice Weidel y las contradicciones de la ultraderecha alemana

    La ultraderecha acaba de conseguir una victoria histórica en Alemania. Y una de sus principales figuras es una mujer lesbiana que vive con su pareja, nacida en Sri Lanka, y sus dos hijos adoptivos en Suiza.

    Se trata de Alice Weidel, una de las líderes de Alternativa para Alemania (AfD), el partido de extrema derecha que obtuvo el 44 % de los votos en las elecciones regionales de Sajonia-Anhalt. Aunque todavía no tiene los votos suficientes para gobernar en solitario, el resultado abre por primera vez desde la Segunda Guerra Mundial la posibilidad de que la extrema derecha llegue a encabezar un gobierno estatal alemán.

    Y ahí aparece una contradicción que resulta especialmente difícil de ignorar para la comunidad queer.

    Una mujer lesbiana al frente de un partido que defiende la familia tradicional

    Weidel mantiene desde 2009 una relación con Sarah Bossard, productora cinematográfica nacida en Sri Lanka, y ambas tienen dos hijos adoptivos. La familia vive en Suiza.

    Al mismo tiempo, la AfD sostiene políticamente un modelo de familia tradicional y ha defendido que la familia formada por padre, madre e hijos sea el principal referente de sus políticas familiares. De hecho, desde el propio partido han respondido a cuestionamientos sobre la vida familiar de Weidel afirmando que su situación personal no contradice la posición política de la AfD.

    Pero la contradicción tampoco termina ahí.

    La pareja de Weidel nació en Sri Lanka y fue adoptada por una familia suiza. Mientras tanto, uno de los principales ejes políticos de la AfD es endurecer las políticas migratorias y promover lo que el partido denomina “remigración”: un conjunto de medidas que incluye deportaciones de personas obligadas a abandonar Alemania, restricciones migratorias y el retorno de determinadas personas a sus países de origen.

    El problema no es que una persona LGBT sea conservadora

    Y acá hay una distinción importante.

    Que Alice Weidel sea lesbiana no significa que tenga que defender políticas progresistas. Las personas LGBTIQ+ no pensamos todas igual, no votamos igual y no tenemos que cumplir con una ideología determinada para pertenecer a nuestra comunidad.

    El problema aparece cuando una persona que forma parte de una comunidad históricamente discriminada ayuda a fortalecer un proyecto político que promueve políticas de exclusión hacia otras comunidades vulnerabilizadas.

    La AfD plantea, por ejemplo, una fuerte reducción de la inmigración, controles fronterizos más estrictos y una política de retorno de personas que no tengan derecho a permanecer en Alemania.

    Y mientras esas propuestas pueden afectar directamente a personas migrantes, también es importante recordar algo que la historia de los derechos humanos ha demostrado una y otra vez: las narrativas de exclusión rara vez se quedan en un solo grupo.

    Cuando la exclusión empieza a normalizarse

    La victoria de la AfD en Sajonia-Anhalt no significa que Alemania haya elegido un gobierno de extrema derecha a nivel nacional. Tampoco significa que el partido ya controle el estado: obtuvo 39 de los 83 escaños y necesita acuerdos con otras fuerzas para poder gobernar.

    Pero el resultado sí marca un cambio histórico.

    La AfD consiguió convertirse en la fuerza más votada en un estado alemán y quedó a las puertas de formar el primer gobierno estatal de extrema derecha desde el final de la Segunda Guerra Mundial. Su discurso antimigración y nacionalista fue una parte central de esa campaña.

    Y por eso esta historia también nos toca como comunidad queer.

    Porque el debate no debería ser si una lesbiana puede ser de ultraderecha. Claro que puede.

    La pregunta es qué ocurre cuando la identidad de una persona se utiliza como prueba de que un movimiento político es inclusivo, mientras ese mismo movimiento construye su proyecto alrededor de quién pertenece y quién no pertenece a la sociedad.

    Hoy pueden ser las personas migrantes.

    Mañana, las familias que no encajan en el modelo tradicional.

    Después, quienes aman diferente, piensan diferente o simplemente son diferentes.

    La identidad de una persona no vuelve inclusiva a una política. Y pertenecer a una comunidad no significa que un movimiento que también te incluye esté necesariamente defendiendo tus derechos.

    Para esta y más noticias unite a Flamingo de Noche, hoy jueves a las 9:00 p.m. por 95.5 FM, Amplify Radio y sé parte de la Flamilia.

  • Jonathan Bree lleva su universo más oscuro y provocador a “Don’t Call It Love”

    Jonathan Bree lleva su universo más oscuro y provocador a “Don’t Call It Love”

    Jonathan Bree nunca ha parecido particularmente interesado en hacer música cómoda. El artista neozelandés, reconocible por su máscara, su profunda voz y una estética que juega constantemente con lo teatral y lo extraño, acaba de llevar esa idea a un nuevo nivel con Don’t Call It Love, su sexto álbum de estudio y el primero de su carrera concebido como un disco doble.

    El resultado es una producción de 17 canciones que gira alrededor de la sexualidad, el deseo y sus contradicciones, pero que también funciona como una extensión del universo visual y sonoro que Bree ha construido a lo largo de los años.

    Una banda sonora para el lado menos elegante de la noche

    Don’t Call It Love se mueve entre el pop oscuro, el dramatismo orquestal y una estética cercana al cine noir. Los arreglos cinematográficos que caracterizan el trabajo de Bree siguen presentes, esta vez acompañados por una mayor presencia de guitarras y por su habitual barítono, que puede sonar tan seductor como inquietante.

    Hay ecos de New Order, Siouxsie & The Banshees, The Cure y Grace Jones, pero el disco no parece interesado en convertirse simplemente en un ejercicio de nostalgia ochentera. Bree utiliza esas referencias para construir algo más incómodo: canciones que pueden ser juguetonas y seductoras en un momento y perturbadoras al siguiente.

    Desde “Live To Dance”, primer sencillo del álbum con Princess Chelsea, hasta la canción que le da nombre al disco, el artista mantiene una estética deliberadamente provocadora que también se extiende a sus videoclips y al universo visual de la producción.

    Una colaboración especialmente femenina

    La sexualidad de Don’t Call It Love tampoco está construida únicamente desde la perspectiva de Bree. El álbum reúne a una amplia selección de mujeres vinculadas a la música, el cine, la fotografía y la danza, convirtiéndose en el trabajo más colaborativo de su carrera.

    Princess Chelsea aparece nuevamente en “Part-Time Lover” y “Slow”, mientras Rachel Clarke participa en “Savour My Love”, uno de los momentos más oscuros del disco. La fotógrafa y artista francesa Eloïse Labarbe-Lafon también presta su voz a “Chameleon”, una canción que conecta con el legado de Jane Birkin.

    En el tema principal, Bree comparte micrófono con la artista y actriz parisina Adah Dylan, cuya interpretación aporta una sensualidad despreocupada que contrasta con la voz grave del neozelandés.

    La colaboración no se queda únicamente en las voces. La bailarina y artista de cabaret Bella Filbey protagonizó el videoclip de “Live To Dance” y aparece en la portada del álbum, reforzando la conexión entre música, performance y erotismo que atraviesa todo el proyecto.

    Jonathan Bree no parece interesado en suavizarlo

    Con seis discos en su recorrido, Don’t Call It Love reúne varias novedades para Bree: es su primer álbum doble, el que concede mayor protagonismo a las guitarras, su producción más colaborativa y también su trabajo conceptual más abiertamente relacionado con la sexualidad.

    Todo esto encaja bastante bien con un artista que ha construido buena parte de su identidad alrededor de hacer las cosas a su manera. Incluso cuando la propuesta resulta extraña, exagerada o difícil de clasificar, Bree parece cómodo ocupando ese lugar.

    Quizás por eso el título del álbum funciona como una declaración de intenciones. Don’t Call It Love habla de deseo, atracción, intimidad y vulnerabilidad, pero se niega a empaquetarlo todo bajo una palabra demasiado sencilla. Es un disco que prefiere quedarse en ese territorio mucho más confuso —y bastante más interesante— donde el deseo puede ser sensual, incómodo, divertido y oscuro al mismo tiempo.

  • La Noticia Queer de la Semana: en el mes de la prevención del suicidio, recordamos que acompañarnos salva vidas

    La Noticia Queer de la Semana: en el mes de la prevención del suicidio, recordamos que acompañarnos salva vidas

    Redacción: Catalina Restrepo.

    Para quien necesite escucharlo

    Septiembre es el Mes de la Prevención del Suicidio. Y para hablar de esto dentro de la comunidad LGBTIQ+, también tenemos que hablar de algo que muchas veces falta: apoyo.

    Ser una persona LGBTIQ+ no aumenta el riesgo de suicidio. Lo que puede aumentar el riesgo son las experiencias que muchas personas viven por ser quienes son: rechazo familiar, discriminación, violencia, aislamiento y la sensación de no tener un lugar donde sentirse segures y acompañades.

    Por eso, prevenir también significa crear comunidad.

    Significa tener a alguien que pregunte cómo estamos y realmente quiera escuchar la respuesta. Una familia que nos diga “te quiero como sos”. Una amistad que se quede. Un lugar donde podamos entrar sin miedo. Profesionales de salud mental que comprendan nuestras experiencias. Espacios donde nuestra identidad no tenga que ser explicada ni defendida.

    Porque a veces pensamos que prevenir el suicidio es reconocer una señal de alarma. Pero empieza mucho antes, construyendo redes donde nadie sienta que tiene que atravesar el dolor en soledad.

    Recordemos que pedir ayuda no nos hace débiles.