Luego de conquistar el verano con su éxito “Espresso”, Sabrina Carpenter comparte su nuevo sencillo “Please, Please, Please”. El lanzamiento vino acompañado de un video musical en el que se ve a Carpenter en una celda cuando de pronto ve que su novio en la vida real, Barry Keoghan, es arrestado también.
La trama del audiovisual entremezcla las peripecias de una pareja que repite ciclos criminales con la letra de Carpenter que explora una relación en la que se hace la distinción de que el desamor es una cosa, pero el ego es otra.
“Te ruego que no me avergüences”, canta la joven estrella de pop de Pensilvania.
“Espresso” llegó al puesto #4 en la Billboard Hot 100 el pasado mes de abril dando un adelanto muy prometedor para el esperado sexto disco de estudio de Carpenter, “Short n’ Sweet”. Además, el sencillo alcanzó el puesto número uno en las listas de Spotify de Estados Unidos y el Reino Unido.
La compositora también ha logrado consolidar una distinguida carrera como actriz. Tras figurar en shows del Disney Channel como “Sofia the First” y “The Goodwin Games”, Carpenter ha expandido su filmografía en donde ha tenido roles importantes en películas como “The Short History of the Long Road” y “Tall Girl”.
“Short n’ Sweet” estará disponible el 23 de agosto de 2024.
La legendaria banda de indie-rock Grandaddy lanzó su muy esperado primer álbum de estudio en 7 años, “Blu Wav”, a través de Dangerbird Records.
El álbum ha cosechado elogios de Pitchfork, Stereogum, NPR, Rolling Stone, Vulture, FADER, MOJO, Under The Radar, American Songwriter, PASTE, Uproxx y BrooklynVegan, con reproducción en radio en Sirius XMU, BBC 6 Music, KEXP Seattle, WXPN Philadelphia, KCMP Minneapolis, KCSN Los Angeles, WFUV New York City, KUTX Austin ¡y mucho más!
“Mientras que la letra llegó temprano y en su mayoría permaneció sin cambios, terminé grabando dos o tres versiones diferentes de esta canción y simplemente no podía lograr que sonara bien. Demasiado folklórica y/o demasiado country era el culpable. Afortunadamente, persistí y me decidí por esta interpretación. Justo la cantidad adecuada de brillo y suciedad. Justo lo suficientemente moderna y vintage. Todavía estoy confundido acerca de lo que es, pero eso es bastante normal para mí”.
“Blu Wav” está inspirado en la abrumadora belleza de la naturaleza hasta los momentos mundanos que desencadenan los recuerdos más intensos de la vida. Con el título del álbum destinado a ser una mezcla literal de “bluegrass” y “new wave”, la nueva colección tiene un ambiente distintivo, una vibra uniforme y un sonido algo inesperado.
Se concibió cuando el maestro de Grandaddy, Jason Lytle, conducía por el desierto de Nevada y la canción “Tennessee Waltz” de Patti Page sonó en la estación de country clásico de la radio. Inmediatamente le intrigó la posibilidad de cómo sonaría mantener el balanceo lento y las letras dulces y simples del vals bluegrass, al tiempo que agregaba capas de sintetizadores densos y la electrónica de la new wave.
Incorpora la exuberancia lo-fi y la orquestación a veces psicodélica por la que Grandaddy es conocido, junto con la primera incursión de Lytle en el verdadero country. Siete de sus 13 canciones son valses, y como señala Lytle, “hay una cantidad desproporcionada de pedal steel”.
Grandaddy celebró recientemente su legado con una serie de reediciones del 20 aniversario, incluido el aclamado set de cajas Sumday Twunny que recibió el premio “Mejor Nueva Reedición” de Pitchfork. Lytle también contribuyó con voces a un álbum póstumo de Sparklehorse por solicitud de la familia de su amigo y compañero auteur del pop psicodélico, Mark Linkous. Su próximo álbum, “Blu Wav”, ha sido destacado en listas de “Álbumes Más Esperados de 2024” por Pitchfork, Vulture, Stereogum, PASTE, BrooklynVegan, Uproxx, Glide Magazine, entre otros. Grandaddy ha lanzado cinco LP oficiales, siendo el más reciente “Last Place” en 2017.
Los miembros de Grandaddy incluyen a Jason Lytle, Aaron Burtch, Jim Fairchild, Tim Dryden y el fallecido Kevin Garcia (2017).
Es el ‘último baile’ de Tom Hardy como el periodista Eddie Brock que, tras entrar en contacto con un simbionte alienígena, desarrolla una comunicación con el ente extraterrestre que le permite transformarse en una criatura monstruosa llamada “Venom”.
Sony Pictures acaba de compartir el primer tráiler de “Venom: The Last Dance” que cierra la trilogía del anti-héroe de los cómics de Spider-Man de la editorial Marvel; una saga protagonizada por el actor británico.
En el avance, Venom se enfrenta a un enorme extraterrestre simbionte y también se ve perseguido por las autoridades. Además se revela la presencia de otros personajes del universo de Marvel como lo es el hechicero Karl Mordo (Chiwetel Ejiofor) que vimos en “Doctor Strange in the Multiverse of Madness”.
“Deberías saber que tengo un lado muy oscuro e impredecible dentro de mí”, dice Brock a unos tipos armados en el clip que entremezcla la banda sonora del filme con “Space Oddity” de David Bowie.
La sinopsis de la película resume que Eddie y Venom están en plena huida. Perseguidos por sus mundos y con una red encerrándolos, el dúo se ve obligado a tomar una decisión devastadora que bajará el telón del último baile de Venom y Eddie.
La nueva cinta de Venom se promociona como ‘la final’ de la trilogía que exploró los dilemas personales de Brock con su interés romántico Anne Weying (Michelle Williams) en “Venom” (2018) y luego sus habilidades para luchar contra el crimen en “Venom: Let There Be Carange” (2021). En esta última, en la escena postcréditos, se dejó entrever el reconocimiento de varios universos que corren en paralelo dentro del imaginario de Marvel y Sony Pictures.
“Venom: The Last Dance” llegará a los cines de Estados Unidos el 25 de octubre de 2024.
Los ritmos del dance-pop inconfundibles que convirtieron a la banda sueca, Ace of Base, en una de las más populares de la década de 1990 ahora vuelven a ganar popularidad gracias al uso del tema “Happy Nation” en la nueva serie animada de Disney Plus, “X-Men ’97”.
La canción que debutó en 1992 no fue tan exitosa como los sencillos “All That She Wants”, “The Sign” o “Don’t Turn Around”. Sin embargo, sus ritmos con influencia de reggae fusion y euro house se entremezclan con el show de una manera que no solo despierta nostalgia por los noventas sino que da nueva vida al significado de su letra. La pista inicia con un cántico y esta parte suena en una secuencia onírica del primer episodio de “X-Men ’97” en el que la mutante con habilidades psíquicas, Jean Grey, logra ver destellos de un posible futuro lleno de destrucción para los de su especie de habilidades sobrehumanas.
Luego, en el quinto episodio “Happy Nation” suena por varios minutos en una escena clave donde el mutante que manipula las fuerzas del magnetismo, Magneto, toma las riendas de la isla de Genosha; lugar al que fueron desplazados todos los mutantes para garantizarles protección tras sufrir tanta discriminación a nivel global.
El episodio explora el triángulo amoroso que existe entre Magneto y Gambito que compiten por el afecto de la mutante Rogue. En un baile entre Magneto y Rogue, a nivel de subtexto, se ahonda en la letra de la canción en donde se habla de querer vivir en una ‘nación feliz’, donde se sueña con un ‘hombre perfecto’, que ningún hombre es apto para dirigir solo y que si bien la muerte nos llega a todos, ‘no así a las ideas’.
“X-Men ’97” es una re-imaginación de la serie animada originalmente lanzada en los años noventa “X-Men”, basada en los cómics de la editorial Marvel. Esta cuenta la historia de un grupo de mutantes que usa sus poderes para proteger a un mundo que les teme pero necesita de su ayuda ante amenazas externas.
Según informó el medio Deadline, Disney dio a conocer que la audiencia de la serie animada original de “X-Men” se ha duplicado en su plataforma desde el estreno de “X-Men ’97” el 20 de marzo de 2024. El primer episodio de la nueva producción debutó con dos entregas y en 5 días sumó 4 millones de espectadores.
La primera temporada consiste de 10 episodios y en el sitio Rotten Tomatoes figura con una aprobación del 94% en reseñas del público y de un 99% en las de la crítica especializada.
Hollywood prepara un nuevo hechizo de nostalgia fílmica tras revivir al espíritu caótico de Beetlejuice para una nueva película partiendo de la cinta original de 1988. “Beetlejuice Beetlejuice” reúne nuevamente al cineasta Tim Burton con los actores Michael Keaton y Winona Ryder para explorar la cómica y fantasmagórica coexistencia entre los vivos y muertos.
“Pensé que se había ido para siempre, hasta que encontraste esto en el ático”, narra Lydia Deetz (Winona Ryder) en el sobrenatural y gótico nuevo tráiler de “Beetlejuice 2”.
La sinopsis oficial de la película apunta a que después de una tragedia familiar inesperada, tres generaciones de la familia Deetz regresan a su hogar en Winter River.
“Aún atormentada por Beetlejuice, la vida de Lydia da un vuelco cuando su rebelde hija adolescente, Astrid (Jenna Ortega), descubre el misterioso modelo de la ciudad en el ático y el portal al Más Allá se abre accidentalmente. Con problemas en ambos reinos, es solo cuestión de tiempo hasta que alguien diga el nombre de Beetlejuice (Michael Keaton) tres veces y el travieso ‘bio-exorcista’ regrese para desatar su propio tipo de caos”.
La cinta de Warner Bros. también cuenta con las actuaciones de Willem Dafoe, Monica Bellucci, Justin Theroux y Catherine O’Hara (Delia Deetz). El productor musical Danny Elfman también vuelve a la franquicia como compositor de la música de la película.
“Beetlejuice Beetlejuice” tendrá su estreno el 6 de setiembre del 2024.
Nueva York, 24 may (EFE).- El director estadounidense Morgan Spurlock, conocido por el documental ‘Super Size Me’ (2004) en el que comía en McDonald’s cada día durante un mes, falleció el jueves a los 53 años por “complicaciones derivadas de un cáncer”, informó su familia este viernes.
“Fue un día triste, ya que nos despedimos de mi hermano Morgan. Aportó tanto a través de su arte, ideas y generosidad. El mundo ha perdido a un verdadero genio creativo y a un hombre especial”, expresó el comunicado su hermano Craig Spurlock, que trabajó con Morgan en diversos proyectos.
Spurlock alcanzó reconocimiento internacional tras el revolucionario ‘Super Size Me’, que recibió una nominación al Óscar, abrió el debate sobre los problemas de alimentación y los riesgos del abuso de la comida rápida en EE.UU., y aún sirve como herramienta educativa en colegios e institutos de todo el país.
El documentalista, natural de Virginia Occidental, rodó la segunda versión de su oscarizada pieza audiovisual, titulada ‘Super Size Me 2: Holy Chicken’ (2019), enfocándose en las presiones de las grandes cadenas de comida rápida sobre las pequeñas granjas avícolas familiares, pero esta segunda entrega no tuvo tanta aceptación.
El legado de Spurlock condensa decenas de proyectos donde trató temas controvertidos para la sociedad estadounidense que abarcaron el trabajo de la población migrante (’30 Days’), la Guerra de Afganistán (‘Where in the world is Osama Bin Laden?’), el poder del marketing en el sistema capitalista (‘The Greatest Movie Ever Sold’) y la moda de las modificaciones corporales (‘7 Deadly Sins’), entre otros.
La apuesta de Spurlock, según sus familiares, siempre fue la misma “desafiar sin miedo las convenciones modernas utilizando el humor y el ingenio para arrojar luz sobre los problemas”, reza el comunicado.
A través de su productora Warrior Poets, Spurlock también desarrolló decenas de series de televisión con difusión nacional en Estados Unidos durante más de 13 años.
La familia de Spurlock pidió en su comunicado de este viernes que aquellas personas que lo deseen pueden realizar donaciones a la Sociedad Americana del Cáncer – Hope Lodge (Nueva York) “en honor a Morgan”.
La artista costarricense/estadounidense Julia Calvin, estrenó este viernes 17 de mayo su nuevo sencillo “Tunnel Vision”, en el cual explora la “auto terapia” a través del pop, en sus propias palabras, es un tema para sanar heridas del pasado.
Calvin es una cantautora oriunda de Turrialba, Costa Rica y su música es una mezcla de indie pop con fuertes influencias de sus raíces latinoamericanas. Este nuevo lanzamiento es el inicio de una serie de canciones que forman parte de su siguiente obra discográfica.
“Mi nuevo EP combina influencias del pop con líricas en inglés y español. Escribí la canción cuando me dí cuenta de que una de mis amigas más cercanas realmente no se preocupaba por mi (…) Decidí que ya no tenía que pasar tiempo con ella… pero tampoco soy una persona confrontativa, así que en lugar de decirle lo insensible que pensaba que era, escribí una canción para sentirme mejor”, expresó Calvin.
Este tema fue compuesto en su totalidad por Julia y trabajado en conjunto con su productor Michael Edwards, mientras que la mezcla y masterización estuvo a cargo de Alex Arnaout.
La artista se ha ocupado de encontrar su identidad sonora y su sello característico, el cual está marcado por una inevitable nostalgia y elegancia.
La música de Julia no se esconde de sus raíces latinoamericanas y logra conectar el universo costarricense que la vio crecer, con la realidad de Los Ángeles, Estados Unidos, en el cual se desenvuelve actualmente.
En 2019, Julia fue la ganadora del 16vo Premio Anual de Becas Peermusic Latin de la Fundación BMI por su canción “Mi Amor”. Más tarde ese mismo año, su canción “Lilac Lullabies” ganó en la categoría de Mejor Canción Original en los Premios de Cine Florence a través del cortometraje “Lighthouse”.
Julia estrenó su proyecto artístico con su EP BOXES en 2023. El primer sencillo,”Getting Stoned”, la llevó a la lista de reproducción Noteable Releases de Spotify. El proyecto ha acumulado más de 30.000 reproducciones. “Tunnel Vision” ya está disponible en plataformas digitales como el primer sencillo de su segundo EP, el cual será lanzado en el transcurso de este 2024.
Proveniente de Virginia, Julian Roy, un artista de grabación, compositor y productor, encuentra inspiración en figuras como Stevie Wonder, Bob Marley y The Beatles. Después de ser comparado con artistas como Frank Ocean y Chet Faker, Julian Roy continúa desafiando los límites de la música con su música que desafía los géneros.
Julian Roy es un viajero experimentado como artista. Se enseñó a tocar la guitarra cuando se mudó a Tailandia. Comenzó a componer canciones cuando se trasladó a Nashville. Inició su carrera musical cuando se mudó a Los Ángeles.
Ha viajado a más de 50 países y puede comunicarse “hablando el lenguaje” de la música o del fútbol con cualquier persona en cualquier país, desde Brasil hasta Japón, pasando por Marruecos y Noruega. Crea música para mostrar su amor y compasión, mientras explora temas para demostrar lo similares que somos todos. Ha tocado en más de 16 países y ha organizado giras autogestionadas en todo el mundo para conectarse con sus fans y ampliar su base de seguidores. Fuera de su música, Julian Roy escribe canciones para una variedad de artistas de diferentes sellos discográficos en Los Ángeles, Nueva York, Colombia y Corea.
Su hermano, James Sider, fundó una startup musical con sede en California que produjo la aplicación BandPage, una aplicación que alimentaba las páginas de Facebook de más de 500,000 artistas. Los artistas podían cargar y compartir pistas, videos, fotos y su agenda de giras en Facebook.
Julian Roy tenía una perspectiva interna de la tecnología musical mientras dirigía BandPage. Desde entonces, ha cambiado bastante hacia este monstruo de streaming del que todos quieren formar parte. Siempre ha estado orgulloso de ser independiente y se ha esforzado por explorar vías fuera de lo común.
El álbum debut fue grabado durante y después de la pandemia de COVID-19. “friends first” se inspiró en eventos personales y en sus viajes por la vida isleña del sureste asiático y América del Sur, así como en vivir con comunidades musicales en Nashville, San Francisco y ahora Los Ángeles. La compilación de 14 pistas profundiza su autenticidad como artista musical. Es una fuerza a tener en cuenta.
“friends first” refleja géneros de R&B moderno, indie-pop, alternativo, cantautor, electrónica, Neo-Soul y World Beat experimental, mostrando la base de su amor por la música y su talento incomparable para fusionar instrumentos cautivadores con lírica profunda.
Sobre el álbum, Julian Roy comenta: “‘friends first’ fue grabado durante y después de COVID-19 en medio de tanto dolor y sufrimiento, durante este tiempo también falleció mi padre, lo que dio forma a partes del álbum. ‘friends first’ tiene nueve productores diferentes, se grabó en México, EE. UU., Colombia y Noruega (tres continentes), y cuenta con siete artistas invitados”.
Pareciera una tarea editorial imposible pero Apple Music reunió a un equipo de expertos, artistas, compositores, productores y profesionales de la industria para determinar cuáles son los 10 mejores álbumes de todos los tiempos.
Según el comunicado dado a conocer por la empresa: “la lista es una declaración editorial, totalmente independiente de cualquier número de reproducciones en Apple Music: una carta de amor a los discos que han dado forma a los amantes de la música mundial que los escuchan y viven”.
Como toda decisión editorial, es posible que no todos coincidan con la selección o hasta el orden que se escogió.
Los 10 mejores álbumes de todos los tiempos según Apple Music con apuntes:
10. Lemonade (2016), Beyoncé
El exitoso sexto álbum de Beyoncé, que destruye géneros, es furioso, desafiante, angustiado, vulnerable, experimental, musculoso, triunfante, humorístico y valiente: una vívida declaración personal, lanzada sin previo aviso en una época de escrutinio público y sufrimiento privado. Cada segundo de Lemonade merece ser estudiado y celebrado.
9. Nevermind (1991), Nirvana
Nevermind y su salva inicial “Smells Like Teen Spirit” no sólo marcaron un improbable avance para el trío de Seattle, sino que trastocaron la cultura popular de una manera nunca antes ni después. El punk se convirtió en pop, el grunge se convirtió en lengua vernácula global, los muros de la industria se convirtieron en escombros y el vocalista principal Kurt Cobain fue ungido como la voz renuente de una generación que necesitaba catarsis, todo aparentemente de la noche a la mañana.
8. Back to Black (2006), Amy Winehouse
La presentación de Amy Winehouse y su voz atemporal y de otro mundo hacen que su música se sienta diferente: no tanto un intento de recrear el pasado sino más bien de honrar la música que amaba sin dejar de ser fiel a la millennial modesta y charlatana que era. El sonido de Back to Black puede atraer a los fanáticos del retro-soul y a los clasicistas del jazz, pero la actitud se acerca más al rap. Sí, ella era divertida. Pero ella no estaba bromeando.
7. good kid, m.A.A.d city (2012), Kendrick Lamar
El segundo álbum de Kendrick Lamar, Good Kid, m.A.A.d City, es uno de los discos de hip-hop que definen el siglo XXI. Los veteranos del hip-hop de la costa oeste como Snoop Dogg y Dr. Dre ungieron a Lamar para continuar con el legado del gangsta rap, y el legado de este álbum es un ejemplo crucial de la narración estadounidense que estableció al futuro ganador del Premio Pulitzer como quizás el escritor más exitoso de su generación.
6. Songs in the Key of Life (1976), Stevie Wonder
En 1974, Stevie Wonder era la estrella del pop más venerada por la crítica del mundo. También estaba considerando dejar la industria de la música por completo. Entonces, cuando se lanzó Songs in the Key of Life dos años después, la demanda era tan alta que se convirtió, en ese momento, en el álbum de ventas más rápidas de la historia. El álbum, que dura casi 90 minutos, es melódico sin esfuerzo, de amplio alcance y profundamente personal. Sonora, cultural y emocionalmente, Songs in the Key of Life es mucho más que una gigantesca colección de canciones: forma toda una visión del mundo.
5. Blonde (2016), Frank Ocean
Aunque Blonde incluye 17 temas en una hora que se pasa rápida, es una paleta de ideas en expansión, un testimonio de la inteligencia de enarbolar la propia bandera artística y confiar en que el público los encontrará donde estén. Lo hicieron. Y Ocean se estableció como un artista generacional especialmente adaptado a las complejidades y cambios convulsivos de la segunda década del siglo XXI.
4. Purple Rain (1984), Prince & The Revolution
Con la mitad de su lista de canciones compuesta por los 10 mejores sencillos, esta banda sonora es lo que realmente convirtió a Prince Rogers Nelson en uno de los artistas pop más reconocibles y distintivos de todos los tiempos. Prince a menudo hacía comparaciones con Jimi Hendrix por la forma en que mezclaba música que parecía blanca y negra, sagrada y profana. La realidad es que no tenía precedentes entonces ni comparación ahora.
3. Abbey Road (1969), The Beatles
Abbey Road de los Beatles es una colección eterna e inigualable de canciones de una banda que está cambiando el mundo en su apogeo creativo. El undécimo y penúltimo álbum de la banda suena como nada más y nada menos que cuatro humanos extremadamente talentosos tocando juntos una canción imborrable tras otra en la misma habitación.
2. Thriller (1982), Michael Jackson
Hay pocos álbumes pop, o incluso obras de arte, que denotan un cambio radical en el tiempo y el espacio como lo hizo Thriller de Michael Jackson en 1982. No hizo nada menos que definir el éxito de taquilla del pop moderno y redefinir el alcance y el alcance de la música. Siete de sus nueve cortes originales estuvieron entre los 10 primeros y se convirtió en uno de los álbumes más vendidos jamás creados.
1. The Miseducation of Lauryn Hill (1998), Lauryn Hill
El debut (y único) álbum de estudio en solitario de Lauryn Hill fue un acontecimiento sísmico en 1998: una mirada sorprendentemente cruda y profunda al paisaje espiritual no sólo de una de las estrellas más importantes de la época, sino de la época misma. Ella fue, y sigue siendo, un talento único en una generación cuya inspiración e innovación se pueden escuchar a lo largo de las décadas. Los artistas agotan largas discografías con la esperanza de encontrar una obra lo suficientemente cohesiva y resonante como para remodelar la cultura e inscribir a su creador en el panteón; Lauryn Hill lo hizo en uno.
El DJ de Apple Music Zane Lowe también compartió sus consideraciones sobre la lista. Recalcó que The Beatles “tienen el cancionero de la vida” y subrayó que “Thriller” de Michael Jackson “cambió la forma en que la gente abordaba la creación musical, el lanzamiento, la distribución y el marketing musical”.
Sobre el álbum que quedó en primer lugar, el productor musical opinó que “no sólo resuena con las personas que estaban presentes cuando salió y que lo aprecian”. Añadió que “se siente más fresco y relevante cuanto más lo escuchas”.
Apple Music también publicó 100 audios que son viñetas en donde se cuenta la historia de cada LP y se contextualiza su importancia. Estos están disponibles para escuchar en Apple Podcasts.
El primer encuentro de Cráneo y Lasser con Costa Rica en 2022 se sintió como un sueño, el segundo fue en el marco de PICNIC (el festival más grande de la región) y el tercero promete ser una mítica fiesta que nunca saldrá de nuestra memoria colectiva.
Los dos españoles favoritos de la escena local vuelven el próximo 26 de mayo a donde fueron felices, San José, Costa Rica. Esta tercera visita a cargo de la Promotora y Agencia Creativa Cream Latam, se da como parte de la gira de presentación de su nuevo álbum “Diablos y Bermudas”.
Como el primer pedaleo de la bicicleta de Albert Hoffman, “Diablos y Bermudas” abre el telón conjurando ‘El Hechizo’, el primer paso de lo que promete ser un viaje trascendental a los límites de la realidad.
Esta nueva cita de Cráneo y Lasser con Costa Rica tendrá sede en el Mercado la California y a diferencia de las ocasiones anteriores, esta vez habrá tres actos teloneros que serán: Perromop, Gadea y Blu Marino.
Perromop es un proyecto que tiene una relación cercana con Cráneo y Lasser, inclusive compartieron escenario en su primera visita al país y además son parte de la comunidad de Erreape.
Blu Marino por su parte, es un nuevo proyecto de rap lofi a cargo de Nacho Mateo, quien fue descubierto por la promotora a través de una dinámica en redes sociale.
Finalmente, Gaby Martínez aka Gadea, es una dj y cantante costarricense que ha ido ganando espacio en la industria costarricense, oscilando entre la escena alternativa y la electrónica. Ha compartido escenario con artistas como BándalosChinos, Miranda y Monsieur Periné.
¿Qué nos espera? Mucho más de lo que hemos visto en las dos ocasiones anteriores. El show viaja por la calma intensa, la paz removida, vivencias de sus inalcanzables giras por su amada Latinoamérica, viajes inter-estelares, amores fugaces y rituales espirituales.
El show de Cráneo y Lasser viaja desde sus mejores clásicos hasta la aventura sonora del nuevo álbum, el cual hicieron y presentan actualmente acompañados de su productor malagueño GXNZX. Juntos forman un trípode capaz de posarse sobre cualquier superficie y proyectar una colorida imagen en constante movimiento.
“Diablos y Bermudas” es un disco único que representa un salto hacia el futuro sonoro, visual y de experiencia en vivo. Se mantienen fieles a sus raíces lo-fi pero demuestran que los techos son auto-impuestos. En esta nueva etapa lo abstracto se hace asequible y lo complicado resulta fácil, todo envuelto en melodías que siguen su línea hasta saltarse el margen y cualquier otro límite.
En definitiva “Diablos & Bermudas” es el ‘magnumopus’ de un dúo que ha sabido superar la temporalidad de la música actual con personalidad propia y que al incorporar al productor GXNZX han dado con una musicalidad difícil de encontrar hoy en día – por no decir imposible. Es innegable ver cómo muchos factores como la perseverancia y la experiencia, se han juntado con la creatividad y la autenticidad para fraguar un disco atemporal con tantas capas como formatos.
En definitiva, este show presentado por Cream Latam, es una experiencia que nadie debería perderse y que promete ser uno de los grandes espectáculos que Costa Rica presenciará en este 2024.
