Los Ángeles (EE.UU.), 31 may (EFE).- La cuarta temporada de “Stranger Things” fue reproducida durante 287 millones de horas en su fin de semana de estreno, el pasado 23 de mayo, un dato que Netflix comunicó este martes como el mejor debut en la historia de su plataforma.
La esperada nueva tanda de episodios del formato de ciencia-ficción batió un récord mundial que hasta ahora ostentaba la española “Money Heist”, que con el estreno de su quinta temporada en 2021 sumó 201 millones de horas reproducidas en su primer fin de semana.
En el tercer peldaño de los mejores estrenos en la historia de Netflix se sitúa la segunda temporada de “Bridgerton”, con 193 horas reproducidas en marzo de este año.
Netflix tiene la costumbre de publicar sus datos de audiencia de maneras poco convencionales.
En lugar de contabilizar el número de espectadores de un programa, como la mayoría de cadenas de televisión, la compañía mide el número de horas que se reproducen los títulos de su plataforma.
Así, pretende medir el rendimiento de sus programas de manera más realista, ya que si solo tuviera en cuenta el número de espectadores se colarían los usuarios que empiezan a reproducir una serie pero la paran a los pocos minutos.
En cualquier caso, la empresa con sede en Los Gatos (California, EE.UU.) lleva con absoluto secretismo todo lo referente a sus audiencias, que no están auditadas por una empresa externa como acostumbran desde hace años las cadenas de televisión tradicionales y los estudios de cine.
Independientemente del sistema de medición, el resto de indicadores confirman que la cuarta temporada de “Stranger Things” está arrasando en todo el mundo: Fue la serie más vista en 83 países durante ese fin de semana y las primeras temporadas anteriores sumaron más de 80 millones de horas reproducidas.
La siguiente prueba de fuego para la serie llegará cuando pasen 28 días desde su debut, un límite que Netflix fija para determinar el seguimiento de sus títulos a medio plazo y en el que la surcoreana “Squid Game” se mantiene como su mayor éxito con 1.600 millones de horas reproducidas.
Los Ángeles (EE.UU.), 31 mayo (EFE).- El actor estadounidense Bradley Cooper aparece irreconocible caracterizado como el músico Leonard Bernstein en su próxima película, producida por Netflix y que llevará el título de “Maestro”.
Las primeras imágenes del actor de Pensilvania, de 47 años, en el rol de Bernstein fueron publicadas por Netflix en su cuenta de Twitter, con un escueto mensaje en el que se lee “desde el set (de rodaje) de Maestro”.
Se trata de un film biográfico sobre la vida del creador de “West Side Story”, que ha sido coescrita y es dirigida por el propio Cooper y que se centrará en la relación sentimental del compositor con su mujer Felicia.
La plataforma audiovisual ha publicado cuatro instantáneas en las que el intérprete de “A Star is Born” (“Ha nacido una estrella”, 2018) aparece caracterizado, con un aspecto muy envejecido, extraídas de algunas escenas de la futura película.
La cinta, en la que también participa la actriz Carey Mulligan, tiene como productores a Martin Scorsese y a Steven Spielberg, quien precisamente ha dirigido para la gran pantalla la última versión de “West Side Story”.
Caracas, 30 may (EFE).- La banda puertorriqueña de reggae Cultura Profética volvió a Venezuela y puso una “curita musical” a sus seguidores, quienes no los veían desde hace siete años, cuando el grupo paró sus presentaciones en el país para evitar ser etiquetados en alguna tendencia política, explicaron sus integrantes en una entrevista con Efe.
Desde Caracas, Willy Rodríguez, Eliut González, Juanqui Sulsona y Omar Silva, miembros de la banda, coincidieron en que su música está “por encima de la política” y que su única intención en el reencuentro con el público venezolano fue sanar heridas de la polarización con sus ritmos.
“A la que vimos la oportunidad de volver y vimos cómo están realmente creciendo los conciertos aquí (…) dijimos: ¿Por qué no? Ya es más que tiempo, más que tiempo. Hace falta volver con nuestra curita musical y aquí estamos”, dijo Rodríguez, el cantante y bajista de la agrupación.
LA RECONEXIÓN
La banda recordó su conexión con Venezuela y lo mucho que les importa el bienestar del país, razones por las que se produjo el reencuentro con el público venezolano, que organizaron en dos fechas como parte de su gira Sobrevolando Tour.
En las ciudades de Valencia y Caracas, el grupo celebró junto su público sus 26 años de carrera musical y rememoró épocas en las que las visitas a Venezuela eran parte de su agenda anual.
El vocalista de la banda de reggae Cultura Profética, Willy Rodríguez, ofrece un concierto, el 28 de mayo de 2022, en Caracas (Venezuela). EFE/Rayner Peña R.
“Vinimos muchos años porque era gratis para el pueblo también y sentíamos esa importancia de que la gente no tuviera que pagar un boleto porque es muy bonita esa conversación, esa oportunidad, pero a la misma vez sentíamos que se politizaba demasiado y esa no era nuestra intención”, dijo Rodríguez a Efe.
En la capital, Cultura Profética gestó esa reconexión a través de sus éxitos combinados en varios popurrís y también piezas de su última producción, Sobrevolando, con la que alcanzaron el premio Latin Grammy en 2020 a Mejor Álbum Alternativo y obtuvieron una nominación, en su versión anglosajona, en la categoría de mejor álbum de rock latino o alternativo.
Los artistas cantaron a los venezolanos con el objetivo de llevarse “algo lindo de esta energía” que “siempre” han compartido.
Con sus fusiones de reggae con sonidos del jazz, el funk, la electrónica, el hip hop y el ska, el grupo recibió los aplausos de los casi 6.000 fanáticos que corearon sus letras en su presentación de este sábado en Caracas.
“Ustedes son un país, una gente muy sólida, muy fuerte, muy educada”, dijo el vocalista de Cultura Profética en la tarima, antes de reiterar que no son de tendencias sino “de la gente y para la gente”.
MÚSICA DE TODOS LOS COLORES
“Que si hay que tener posturas, claro que hay que tenerlas, pero también hay que entender, hermano, que las cosas no son blancas o negras. Hay muchos grises en el medio y nosotros sentimos que pintamos mucho con esos grises”, respondió Rodríguez a Efe al ser consultado sobre la mezcla de la protesta social y el amor como temas centrales en sus canciones.
Como en sus letras, en su discurso promueven la tolerancia y el respeto al admitir que tienen ideales, pero no son bandera de ningún partido.
“Nosotros sí tenemos unos ideales muy claros, y sí, trascienden nuestra isla definitivamente, pero tampoco podemos tomar bando en realidades que nosotros no vivimos porque sería injusto y sería absurdo tomar una postura específica en un país en el cual no vemos el efecto de esas decisiones”, comentó Rodríguez.
Tras 26 años en la música, la banda puertorriqueña, considerada una de las máximas exponentes del reggae latino, se plantea convivir con los ritmos urbanos, en lugar de competir.
“Creo que nosotros, de alguna manera, hemos sido parte todo de ese crecimiento, aunque somos diferentes a la misma vez somos los mismos, venimos del mismo lugar, de la misma isla (…) Siempre nos hemos cruzado en el camino”, comentó el guitarrista Eliut González.
El grupo se siente orgulloso de ser influencia para artistas de su país que se dedican al reguetón y de poder coincidir en el gusto de la gente.
“Ahora mismo, vas a la playa (…) y vas a escuchar el disco de Bad Bunny y el de Cultura Profética; gracias a Dios, todavía la gente nos escucha. Gracias al pueblo estamos aquí”, afirmó entre risas Juanqui, teclista del grupo.
Los integrantes de Cultura Profética terminaron sus presentaciones en Venezuela, pero aseguran que se llevan mucho de su público en el país.
“De aquí, nosotros nos llevamos mucho de su valentía y de su aguante, los admiramos en la distancia. Los vemos en la calle, los vemos persistiendo en la adversidad y estamos muy orgullosos de ustedes”, concretó el vocalista de este grupo cuya profecía es conectar su ritmo y cultura con cualquier época. / EFE Génesis Carrero Soto.
Marcando un antes y un después para la industria del cine tras la pandemia de la covid-19, la nueva cinta de Paramount “Top Gun: Maverick”, protagonizada por Tom Cruise, alcanzó una velocidad hipersónica en la taquilla en su primer fin de semana de estreno.
Según el medio especializado, Variety, la secuela de “Top Gun” recaudó $156 millones en la taquilla durante el fin de semana largo (jueves a domingo) por el Memorial Day (Día de los Caídos), rompiendo el récord de un estreno para estas fechas, anteriormente ostentado por la tercera entrega de “Piratas del Caribe”, “Pirates of the Caribbean: At World’s End” que obtuvo $153 millones.
El filme sobre los pilotos top de La Armada estadounidense también significó un récord personal para Cruise, pues es la primera película de la superestrella que logra más de $100 millones en un fin de semana. Cifra que supera la que logró en el 2005 con la película dirigida por Steven Spielberg, “The War of the Worlds” (La guerra de los mundos), que alcanzó $64 millones en aquel entonces.
El relato audiovisual hollywoodense cuenta la historia del piloto y capitán Pete “Maverick” Mitchell (Tom Cruise), quién es escogido para entrenar a un equipo de pilotos para lograr un objetivo militar en un tiempo récord. El filme es una secuela de “Top Gun” (1986), de manera que varios personajes que aparecieron o fueron mencionados en la película original de Tony Scott regresan a la pantalla grande para el regocijo de los fans de la saga.
“Top Gun: Maverick” también sostiene críticas ampliamente positivas con el público y los críticos de medios especializados. Según la recopilación que hace el sitio Rotten Tomatoes, con 327 críticas de medios, la cinta tiene una aprobación del 96% y con más de 5.000 críticas verificadas del público, la cinta logra un 99% de aprobación.
Además, el filme del director Joseph Kosinski se convirtió en la película que ha tenido el estreno de mayor alcance de todos los tiempos en Norteamérica tras haberse proyectado en 4.732 salas de cine. A nivel internacional, la película ha recaudado $124 millones, llevando su total estimado a $248 millones recaudados en todo el mundo.
El sitio web especializado, Box Office Mojo, anotó el segundo lugar en la taquilla para “Doctor Strange in the Multiverse of Madness” con $16.4 millones, seguido por “The Bob’s Burgers Movie” con $12.6 y “Downton Abbey: A New Era” en cuarto lugar con $5.9 millones.
Cannes (Francia), 26 may (EFE).- El director australiano Baz Luhrmann resucita con “Elvis” al rey del rock y se acerca tanto al hombre que había más allá del mito como al tortuoso camino que recorrió hasta convertirse en leyenda.
Su película, proyectada fuera de competición en el Festival de Cannes, que se clausura el sábado, da protagonismo a la tóxica relación del cantante (Austin Butler) con su representante, el coronel Parker (Tom Hanks) a lo largo de 20 años, lo que ofrece a su vez un reflejo de la sociedad estadounidense en las décadas que atraviesa.
Butler rozó la obsesión en su transformación en el artista: “Aparqué el resto de mi vida durante dos años y absorbí todo lo que pude”, dijo este jueves en conferencia de prensa. Estudió vídeos de Elvis en bucle para analizar sus movimientos, entonación y postura y practicó ante el espejo para hacerlos suyos y replicarlos.
Luhrmann (Sídney, 1962) tomó como fuente de inspiración el filme “Amadeus”, de Milos Forman. “No va realmente de Mozart, sino de los celos entre Salieri y Mozart”, dijo el también autor de “Moulin Rouge” (2001) o “The Great Gatsby” (2013), ambas seleccionadas en Cannes.
Su cinta tiene como narrador al mánager del artista, controvertida figura que se dio cuenta de que “Elvis era una fruta prohibida con la que podía ganar dinero” y que fue tan responsable de su auge como de su caída. Le consiguió sus primeros contratos e intervenciones en televisión, pero exprimió al límite su fuerza.
Ni era coronel ni se llamaba Parker. “Huía de su pasado”, dijo Hanks, que cuando aceptó el papel no sabía nada de ese representante: “Cuando me enseñó una foto me dije ‘Dios mío, dónde me he metido’”, bromeó.
Elvis Aaron Presley nació en una familia humilde en Tupelo (Misisipi) el 8 de enero de 1935 y la película refleja cómo influyó en su persona y en su música el haber crecido en los barrios negros de esa ciudad.
Responsable de títulos como “Suspicius mind” (1969), “Good luck charm” (1962), “Surrender” (1961) o “Love me tender” (1956), canciones que le encumbraron como el solista que más números 1 había alcanzado en Estados Unidos, por detrás de los Beatles, “absorbió y mezcló” todo lo que percibía en ese ambiente, dijo Luhrmann.
Su cámara hace ver cómo su música nunca llegó tanto como cuando el artista era fiel a sus principios y se salía de la imagen que intentaba imponer de él la industria, y junto a sus momentos de gloria lo muestra también ya en el ocaso de su vida, solo, obeso y abandonado por su mujer, Priscilla, por sus infidelidades y excesos.
Butler, de 30 años, se adentró en este rol con la expectativa irrealista de que “si trabajaba mucho su cara y su mirada iban a ser como la de Elvis y no se podría notar la diferencia”, para luego darse cuenta de que lo importante era transmitir su esencia.
El resultado, según la reacción de la familia Presley, fue fidedigno.
Después de enseñarle la película a Priscilla, esta le mandó una carta en la que le decía no haber estado preparada para sentir vivo en la gran pantalla a Elvis a través de “cada respiración y movimiento de Austin”.
“Si mi marido estuviera aquí hoy le miraría a los ojos y le diría ‘¿cómo te atreves? Eres yo”, le comentaba en esa nota la exactriz de cine y televisión, que este miércoles acudió en Cannes al estreno del filme, que llegará a las salas a finales de junio.
Tanto para el director como para el protagonista, no hay mejor crítica ni más importante que la recibida por su parte.
“He vivido tres años con él y no pude sentirme mejor con la sensación de hacer justicia a su legado, de dar vida a ese hombre extraordinario y que Priscilla y toda la familia estuvieran orgullosos”, señaló el actor.
Como dijo Luhrmann ante la prensa, “era padre, marido, abuelo y persona, y tuvo hijos. La mejor crítica que he recibido en mi vida es que dijeran que ahora estos últimos pueden ver algo que captura la verdad de su persona”. /EFE. Marta Garde.
Los Ángeles (EE.UU.), 26 may (EFE).- Cuando Ewan McGregor anunció en un evento de Disney en 2019 que volvería a encarnar a Obi-Wan Kenobi, los ensordecedores gritos de los asistentes reflejaron la satisfacción de un público que, tres años después, está de enhorabuena porque, ahora sí, regresa el maestro Jedi.
McGregor (Perth, Reino Unido, 1971) se mostró tranquilo a pocas horas del estreno este viernes de la serie “Obi-Wan Kenobi” (Disney+) y, tras un lento sorbo de café, reveló a Efe que, aunque las expectativas son altísimas, “no es posible que decepcione” porque se ha dedicado “mucho tiempo a la historia”.
“Es más una película larga que una serie, pero tiene una esencia propia y tanto la directora (Deborah Chow) como yo estamos muy contentos con el resultado”, afirmó el intérprete escocés, cuya trayectoria cinematográfica quedó marcada por su participación en “Star Wars: Episode III – Revenge of the Sith” (2005).
La trama de esta serie se enmarca una década después de “Revenge of the Sith”, cuando el aprendiz de Obi-Wan Kenobi, Anakin Skywalker, se pasó al lado oscuro y acabó convirtiéndose en el malvado Darth Vader, interpretado por Hayden Christensen.
Los detalles sobre el argumento de esta nueva producción, basada en las películas originalmente creadas por George Lucas, se han mantenido bajo sumo secreto y nadie sabe aún cómo se desarrollará.
“No puedo adelantar nada, estamos muy implicados para que sea una experiencia totalmente nueva para nuestros seguidores. Solo puedo decir que habrá sorpresas que gustarán mucho”, aseguró McGregor, quien volvió a utilizar la frase “no decepcionará”.
“LOS SEGUIDORES DE STAR WARS SON LOS MÁS APASIONADOS”
El también protagonista de las películas de “Trainspotting” dijo que, tras quince años recibiendo mensajes de aficionados a la saga pidiendo una producción así, se dio cuenta de que profesional y personalmente quería retomar el papel de Obi-Wan Kenobi porque entendió “lo importante” que era para los espectadores.
“Creo que los seguidores de ‘Star Wars’ son los más apasionados de todas las sagas y yo soy parte de eso”, manifestó sobre esta franquicia que acumula más de 10.300 millones de dólares de recaudación a lo largo de su historia; la segunda más lucrativa después del universo Marvel.
Ahora, el actor puede decir que ha puesto todo cuanto estaba en su mano para que la serie no deje indiferente a nadie.
Y es que, detalló a Efe, durante estos años ha visionado en diferentes ocasiones las once películas de “Star Wars” para enmendar posibles errores y que la calidad de su desempeño luciese todavía más.
Asimismo, el protagonista de la serie se ha inspirado en su venerado Alec Guinness, el legendario actor británico que interpretó a Obi-Wan Kenobi en “Star Wars: Episode IV – A New Hope” (1977), entre otras cintas de la franquicia.
Para que se acabara produciendo la vuelta de McGregor a la gran pantalla de la mano del maestro Jedi también fue fundamental que su amigo y compañero Hayden Christensen decidiera aceptar el desafío de enrolarse en esta nueva aventura.
“Amo a Hayden Christensen y me hizo muy feliz trabajar con él otra vez. Era raro porque no parecía que hubieran pasado 17 años, fue como volver atrás en el tiempor”, comentó McGregor sobre el intérprete de Anakin Skywalker o, en su defecto, de Darth Vader.
OBI-WAN KENOBI, UN PERSONAJE POR EXPLORAR
En el equipo de “Obi-Wan Kenobi” se respira optimismo y un entendimiento total entre sus miembros que se evidencia en las palabras de admiración de McGregor hacia Deborah Chow, a la que calificó como una cineasta “brillante” con la que le encantó compartir set de rodaje.
Además, el actor añadió que disfrutó mucho durante la grabación porque sentía que “había mucho por explorar dentro del personaje” y fue “gratificante” llevarlo hacia “un lugar en el que no lo hemos visto antes”.
En la misma línea, añadió que en todo este tiempo el proceso de grabación ha cambiado mucho gracias a la tecnología, pues “permite una sensación más realista” a los intérpretes y, considera, que “va en la dirección correcta de mejorar el producto final”.
“Estuvimos rodeados de pantallas LED enormes que simulan que estás en un desierto o en el espacio y te hacen familiarizarte con el entorno. ¡Es increíble trabajar así!”, explicó sobre los innovadores estudios de Industrial Light and Magic (Los Ángeles, EE.UU.), donde también se grabó “The Mandalorian”.
En “Obi-Wan Kenobi”, además de McGregor y Christensen, el reparto lo componen Moses Ingram (Inquisitor Reva), Joel Edgerton (Owen Lars), Bonnie Plesse (Breu Lars), Indira Varma (Tia) o Rupert Friend (Grand Inquisitor), entre otros.
La serie, cuya producción ejecutiva corre a cargo del propio McGregor, es obra de Lucasfilm, Fairview Entertainment y Golem Creations. Además, la banda sonora y la ambientación musical está coordinada y dirigida por un clásico de la saga, el neoyorquino John Williams.
Los dos primeros capítulos, de los seis que conforman la producción, salen a la luz mañana, viernes, en la plataforma Disney+ y los seguidores de la franquicia ya cuentan los minutos para su ansiado estreno.
Cannes (Francia), 25 may (EFE).- El Festival de Cannes tiene un solo largometraje costarricense en su selección oficial, “Domingo y la Niebla”, de Ariel Escalante, con el que el cineasta efectúa un alegato contra la expropiación de las tierras en su país.
Su Domingo (Carlos Ureña) es un hombre cuya casa está a punto de ser expropiada para la construcción de una carretera y que se resiste a abandonarla porque en esas montañas se le aparece el fantasma de su mujer fallecida.
“Para mí es importante aportar un granito de arena a que Costa Rica reconozca su violencia y su injusticia”, dijo este miércoles a EFE el director sobre el tema central de su filme, su segundo, tras “El sonido de las cosas” (2016).
El asesinato en marzo de 2019 del líder indígena Sergio Rojas y en febrero de 2020 de Jerhy Rivera, ambos por la defensa de sus tierras, “robadas por la burguesía”, le sirvió de detonante e inspiración.
“Costa Rica es un país muy impune. Terminamos de rodar en mayo del año pasado y en junio salió el peor caso de corrupción de la historia con respecto a la construcción de carreteras. El chiste se cuenta solo”, lamentó el director, de 37 años y residente en México.
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Escalante celebra que la selección de “Domingo y la niebla” en Una cierta mirada, la segunda sección en importancia de Cannes, de la que se conocerá su palmarés este viernes, ayude a derribar concepciones erróneas sobre la situación en Costa Rica.
“Hay mucho mito alrededor, para fuera y para dentro, de que es un lugar donde no hay violencia, ni pobreza, ni problemas sociales, y siento que nuestro país teme históricamente hablar de su propia violencia”, destacó.
Esta película es la primera de su productora Incendio Cine, que él mismo considera más como un colectivo artístico. Les movió la necesidad de contar cosas, aseguró, y “todo el tiempo se sintió como un juego, un juego muy peligroso y muy excitante”.
El cine “es una de las formas más reales de expresar las situaciones que se dan en los países y en el mundo”, añadió Ureña, recién jubilado de la Compañía Nacional de Teatro de Costa Rica, donde ha pasado 43 de sus 67 años.
EFE/EPA/GUILLAUME HORCAJUELO
La niebla del título de su película es tan literal como figurada. Envuelve las montañas en las que vive su protagonista y encarna a su esposa, de la que este último todavía no está preparado para desprenderse.
“Queríamos invertir mucho en la experiencia sensorial. También divertirnos un montón, hacer chocar mucho la dimensión espiritual con la dimensión política. Hubo mucho juego y siempre con una intención muy clara de mostrar mucha cosa con la imagen y también esconder mucha sensación con el sonido”, apuntó el director.
Cannes, para Escalante, es un sueño. Y “hace tanto calor que uno se siente como que está soñando. Es muy lindo y muy importante porque es la primera película costarricense en la selección oficial. Nos da mucho orgullo pero también nos gusta mucho la idea de estar abriendo esa puerta, de estar reclamando nuestro espacio”, concluyó.
Los Ángeles (EE.UU.), 25 may (EFE).- Arquitecto de formación y cineasta por pasión, Joseph Kosinski ha sido el responsable de dirigir el regreso de “Top Gun” a los cines 36 años después del debut de la mítica película de acción protagonizada por Tom Cruise.
“Son dos mundos relacionados. En ambos casos, los planos y los guiones son los documentos que inician los proyectos, pero tanto la arquitectura como el cine no pueden ser ejecutados por una sola persona”, analiza el cineasta en una entrevista con Efe en Los Ángeles antes del estreno de “Top Gun: Maverick”.
EFE/Scott Garfield/Paramount Pictures
Con tan solo cuatro películas a sus espaldas, Kosinski (Wisconsin, 1974) fue el cineasta escogido por los estudios Paramount para devolver a la gran pantalla ese combinado de acción, altos vuelos, chaquetas de cuero y testosterona que hizo de “Top Gun” una de las cintas emblemáticas de los años 80.
La expectación por el filme es absoluta: Han pasado 36 años desde el debut de la primera película, la pandemia obligó a Paramount a aplazar su estreno, inicialmente previsto para 2020, y este mes se convirtió en uno de los platos fuertes del Festival de Cannes, con homenaje del ejército francés incluido.
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Finalmente, y tras más de diez años de trabajo desde que se aprobó el proyecto, la película debuta este viernes en cines, dispuesta a convertirse en uno de los grandes éxitos de taquilla de 2022 y, quizás, asomarse como la opción más comercial en la temporada de premios.
“La presión estaba presente desde el día uno. Pero no solo para mí, creo que todos los que trabajaron en esa película sabían que el listón estaba muy alto y no querían fastidiarlo”, argumenta un calmado Kosinski, graduado en arquitectura por la Universidad de Columbia de Nueva York.
El cineasta opina que ha jugado con ventaja, ya que su formación en arquitectura, disciplina que aún imparte como docente, le otorga “una perspectiva diferente” a la de otros directores a la hora proyectar sus ideas.
Especialista en imágenes generadas por ordenador, Kosinski se inició por todo lo alto en Hollywood: Su primer trabajo en el mundo del cine fue dirigir “Tron: Legacy” (2010), otra secuela de los 80 que logró convertirse en película de culto como su antecesora.
Luego llegaron “Oblivion” (2013), “The Dig” y “Only The Brave” (2017), hasta que recibió el encargo de dirigir uno de los papeles más famosos de Tom Cruise, considerado por muchos como última súperestrella global de Hollywood.
RENUNCIA A LA NOSTALGIA
La primera “Top Gun” no sólo encumbró al actor como una figura indiscutible del cine de acción, también subrayó el nombre de su director, Tony Scott (hermano de Ridley Scott), como uno de los más demandados de Hollywood.
Sin embargo, como si de la rehabilitación de un edificio se tratara, Kosinski evitó tirar de nostalgia y apostó por una renovación completa.
EFE/Scott Garfield/Paramount Pictures
“Vi la primera cinta cuando era un niño, con 12 años, y me impresionó mucho el estilo de Tony Scott pero también sabía que tenía que hacerlo mío. Que tenía que llevar la historia hacia el futuro y no mirar hacia atrás”, afirma el cineasta.
Tras su paso por Cannes y la Cinema-Con de EE.UU. los comentarios sobre la apuesta de Kosinski son tan positivos que incluso sitúan a esta secuela por encima de la precursora, en principio beneficiada por el poso que deja el paso del tiempo.
“Los espectadores van a ver un lado de Tom Cruise que no se había visto en mucho tiempo”, promete.
En “Top Gun: Maverick”, el piloto Maverick (Cruise) lleva más de tres décadas esquivando ascensos en el rango militar para seguir pilotando, hasta que se le convoca para ejercer como instructor de un grupo de pilotos jóvenes que deben participar en una compleja misión para destruir una peligrosa instalación nuclear.
“La primera película era la historia de un joven que pasa a ser adulto y en esta hay un hombre de 50 años en una etapa diferente de la vida”, analiza Kosinski.
Testosterona y vulnerabilidad, juventud y madurez, acción y drama se cruzan en esta cinta que, de nuevo, presume de escenas trepidantes grabadas en aviones reales y con muy poco uso de técnicas digitales, insiste el cineasta.
“Cuando ruedas en escenarios de verdad logras algo es imposible falsificar. No puedes grabar lo mismo en un escenario. Y parece que la gente está respondiendo realmente bien a ello”, valora el arquitecto.
Como si la entrega de una palma de oro honoraria en el festival de Cannes la semana pesada, o el estreno de “Top Gun: Maverick” esta semana no fueran suficiente atención para una estrella de cine; Tom Cruise vuelve a ser el foco de los espectáculos tras develar una intensa escena de riesgo en el nuevo tráiler de la película de Paramount Pictures, “Mission: Impossible – Dead Reckoning Part One”.
La cinta es la sétima entrega en la saga cinematográfica de Misión Imposible y es la primera de dos partes. El filme protagonizado por Cruise como el espía del IMF, Ethan Hunt, marca el regreso de personajes recurrentes interpretados por: Ving Rhames, Simon Pegg y Rebecca Ferguson. Además, y como es de costumbre en las películas de Cruise, el intérprete vuelve a desafiar los límites de la actuación, poniéndose en peligro para las cámaras en una toma en la que se le ve acelerar una motocicleta hacia un guindo y saltar al vacío.
El cineasta Christopher McQuarrie también regresa como el director de las riendas de la franquicia de Misión Imposible. Conocido en la industria como “McQ”, el cineasta dirige ambas entregas de “Dead Reckoning” luego de realizar las últimas dos películas de Misión Imposible, “Rogue Nation” (2015) y “Fallout” (2017).
El avance también presenta a la actriz Hayley Atwell, en un nuevo personaje para la serie llamado “Grace” que estará en ambas partes de “Dead Reckoning”. La intérprete Vanessa Kirby, que fans de la serie vieron por última vez en “Fallout” como el personaje “White Widow”, también regresa para las próximas dos entregas.
“Mission: Impossible – Dead Reckoning Part One” se estrenará el 14 de julio del 2023 y la segunda parte llegará a los cines un año después, el 28 de junio del 2024.
En el programa “Emprendedores de Vida” con Carla Castro transmitido por 95.5 FM Amplify Radio, el actor costarricense Leynar Gómez reveló que parte de lo implica consolidar una carrera como un actor de proyección internacional es enfrentar la realidad de que no se puede estar en todos los proyectos para los que se hace una audición.
“Cuando te dicen qué proyecto es, te entusiasma mucho y no querés perder la oportunidad de estar ahí. Pero también hay un ejercicio de saber que no todas las producciones las vas a alcanzar”, reveló Gómez tras relatar que en los últimos años estuvo cerca de lograr roles importantes en producciones francesas, italianas y hollywoodenses.
Esta dinámica de la industria del cine no ha desacelerado el crecimiento profesional de Gómez quien logró su primer rol para un largometraje en la película nacional “Puerto Padre” (2013) del cineasta costarricense, Gustavo Fallas.
“Fue una película muy importante para el país porque fue abriendo camino en el ámbito internacional”, dijo. “Tuvo buenas críticas en Variety y eso me abrió una ventana internacional porque en Nueva York vieron el personaje que hice en esta película y fue a partir de ahí que empezaron negociaciones para tratar de salir del país”, agregó.
En la crítica de cine de “Puerto Padre” tras su proyección en el festival de cine de Montreal (Canadá), Dennis Harvey del medio especializado “Variety” describió a Gómez como “carismático” y “sobresaliente”. De ahí dio el paso a trabajar con el cineasta nacional, Esteban Ramírez en “Presos” (2015), la primera película costarricense distribuida a través de la plataforma digital de Netflix.
Del cine tico a “Narcos”
Gómez asegura que, hasta la fecha, el salto más importante de su carrera fue lograr un papel en la serie producida por Netflix, “Narcos”. La serie relata la vida del narcotraficante colombiano Pablo Escobar, el exlíder del Cartel de Medellín, que hizo una fortuna comerciando cocaína. El intérprete dio vida a quien fue el último guardaespaldas de Escobar, Jhon Burgos (conocido como “Limón”), en una producción bilingüe que tuvo tres temporadas entre los años 2015 y 2017.
El actor relató que tan solo horas después del estreno de la superproducción, empezaron a salir titulares sobre la serie televisiva en los medios de comunicación más importantes del mundo como “The New York Times” y “The Guardian”. Gómez destacó que las notas de prensa en las que se resaltaban las historias secundarias dieron una exposición fundamental a sus habilidades.
“Hablan de las segundas historias que son las que sostienen a la historia principal. Entonces me pone a mí en perspectiva porque muchos de mis compañeros decían que mi trabajo era de los mejores que tenía la segunda temporada. Entonces escuchar eso en boca de actores con cien películas o premios en festivales internacionales, pues me pone a mí en una posición muy importante”, expresó.
Regeneración en Costa Rica
Gómez explicó que regresar a Costa Rica es una forma de regenerarse ya que le permite volver a conectarse con lugares de su infancia, sus amistades, y repensar su relación con su carrera.
“Levantarme, para mí, primero es regresar a Costa Rica porque sé que aquí estamos un poquito en otro ritmo, en otra velocidad, en cuanto a algunas cosas en cine y teatro. Y este ejercicio de regresar a Puntarenas, también verdad, de conectar con unos amigos”, dijo.
El intérprete de 38 años de edad subraya que dentro o fuera del país, es el “productor de su vida” y siempre busca emprender con sus propios proyectos. “Tengo que tocar puertas en mi país. Algunas están abiertas algunas están abiertas, otras hay que abrirlas”, indicó el actor que de momento se encuentra visitando colegios para promocionar su monólogo “Don Quijote, Sancho, y Yo”.
En relación al cine de Costa Rica y la difusión de la cultura, el intérprete criticó que aún existe “un mecanismo un poquito cerrado en términos, digamos, práctico”. Gómez destaca que es a través del teatro y con la colaboración de organizaciones sociales donde ha logrado mayor difusión de su trabajo recientemente en Costa Rica.
“En las costas me he movilizado bien a través de la ONU, de la UNICEF, con proyectos para niños y adolescentes, trabajando el tema de la prevención de las drogas, el delito de tráfico de personas, la promoción de la salud mental”, dijo.
Gómez escribió una obra de teatro en Jacó que con temática del delito de la trata de personas y tras estrenar una película en Estados Unidos, le contó a una productora del estudio Paramount para explorar la posibilidad de convertirlo en un guion para una película.
“Trato de rodearme de comentarios y de voces positivas. Eso es importante en la vida, verdad, para levantar ese nivel vibracional”, manifestó.
Escuchá la entrevista completa de Leynar Gómez en el programa “Emprendedores de Vida” con Carla Castro transmitido por 95.5 Amplify Radio en este enlace:
