Author: Sofia Ovares

  • ACAM y AIE impulsan un nuevo disco con músicos del Pacífico Central

    ACAM y AIE impulsan un nuevo disco con músicos del Pacífico Central

    Un proyecto colectivo de música inédita

    El proyecto Dínamo Pacífico Central ya tiene forma.

    Después de un proceso de convocatoria, selección y formación musical, la iniciativa impulsada por ACAM y AIE confirmó las 13 canciones inéditas y las 25 personas músicas que darán vida a un nuevo disco grabado completamente desde la región pacífica del país.

    La propuesta continúa el camino iniciado por Dínamo Guanacaste en 2024 y Dínamo Limón en 2025, consolidando un esfuerzo por descentralizar la producción musical costarricense y visibilizar el talento fuera del Gran Área Metropolitana.

    Un disco construido desde la región

    La convocatoria reunió artistas provenientes de cantones como Puntarenas, Garabito, Quepos, Parrita, Esparza y Montes de Oro, entre otros territorios del Pacífico Central.

    Como requisito principal, todas las obras debían ser originales e inéditas, permitiendo construir un repertorio diverso que atraviesa géneros como indie, folk, hip hop y música de raíz tradicional.

    Entre las canciones seleccionadas destacan Agua de Mar de Natalie Salguero Ovares, Nada Igual de Joxan Núñez Marín, Coyolero de Franklin Mejía Vindas y Mi bello Puerto de Israel Galagarza Narváez.

    El proceso creativo contará además con arreglos liderados por el productor y bajista Mario Álvarez, quien trabajará junto a los músicos seleccionados para desarrollar el sonido final del proyecto.

    Formación, comunidad y representación regional

    Más allá de la grabación del disco, Dínamo Pacífico Central también incluyó talleres formativos y encuentros musicales en distintas zonas de la región.

    Decenas de artistas locales participaron en sesiones prácticas impartidas por músicos como Edgar Brenes Soto, Óscar Valverde y Josué Jiménez, fortaleciendo no solo la producción artística, sino también el intercambio de conocimientos dentro de la escena regional.

    De esos espacios surgió la banda oficial del proyecto, integrada por 25 músicos y músicas que participarán tanto en la grabación del disco como en los futuros conciertos de presentación.

    Una apuesta por descentralizar la música costarricense

    El disco será grabado en un estudio ubicado dentro de la misma región pacífica y su lanzamiento está previsto para el último trimestre del año.

    Con Dínamo Pacífico Central, ACAM y AIE continúan apostando por proyectos que entienden la música como una herramienta de representación cultural y construcción colectiva.

    Porque el talento costarricense no vive en un solo lugar, y este proyecto quiere demostrarlo canción por canción.

  • REVIVAL FEST 2026 reunirá a Protoje y Jesse Royal en Heredia

    REVIVAL FEST 2026 reunirá a Protoje y Jesse Royal en Heredia

    El festival promete convertirse en una de las citas más importantes del reggae este año

    Costa Rica se prepara para recibir una de las noches más fuertes del reggae internacional con la llegada de REVIVAL FEST 2026, un festival que reunirá algunas de las figuras más relevantes del movimiento revival jamaicano actual.

    La cita será el próximo 20 de junio en Nebula Center, en Aurora de Heredia, bajo la producción de Bad Monkey Live Concerts.

    Protoje y Jesse Royal encabezan una noche dedicada al reggae revival

    El line-up estará liderado por Protoje junto a The Indiggnation Band, consolidado como uno de los nombres más importantes del reggae contemporáneo y pieza clave del revival sound jamaicano.

    A ellos se suma Jesse Royal, una de las voces más reconocidas de la escena actual y artista nominado en dos ocasiones al Grammy.

    El festival también contará con la participación de Blackdali, Junior Natural, Shel Dixon, Docta Rythm y Luiz Dubs, completando una jornada pensada para conectar distintas generaciones y estilos dentro de la cultura reggae.

    Más que un concierto: una experiencia reggae completa

    Según la organización, REVIVAL FEST 2026 apuesta por una producción enfocada en crear una experiencia inmersiva para el público, en un espacio amplio y diseñado para disfrutar la música, la cultura sound system y la energía característica del género.

    El evento arrancará desde las 5:00 p.m. y busca consolidarse como uno de los encuentros reggae más importantes realizados recientemente en el país.

    Entradas y detalles

    Las entradas estarán disponibles a partir del 19 de mayo a través de eventcr.com, con precios desde los ₡20.000.

    Además, la producción anunció que próximamente se revelarán más detalles y actualizaciones a través de las redes sociales de Tiquicia Irie.

    Una sola noche.
    Referentes globales del reggae revival. 

    Y un festival que quiere convertir Heredia en el epicentro de las vibraciones positivas este 2026.

  • Fito Páez se encuentra con todas sus versiones en el corto “Todos los Fitos”

    Fito Páez se encuentra con todas sus versiones en el corto “Todos los Fitos”

    El músico argentino anticipa “Shine

    Fito Páez presentó “Todos los Fitos”, un cortometraje que funciona como la primera gran puerta de entrada a Shine, su próximo álbum de estudio.

    La pieza propone un encuentro imposible pero profundamente humano: distintas versiones de Fito compartiendo el mismo espacio, conversando entre sí y enfrentando las preguntas que atraviesan toda una vida dedicada a la música.

    Un diálogo entre épocas, heridas y canciones

    El corto reúne al Fito de distintas etapas creativas —desde los años de Del 63 hasta versiones más recientes de su carrera— en una narrativa cargada de introspección, humor y nostalgia.

    Lejos de construir un ejercicio de ego o celebración automática de su legado, “Todos los Fitos” funciona más como una conversación vulnerable sobre el paso del tiempo y la manera en que la música termina acompañando todas nuestras transformaciones.

    La estética minimalista y casi onírica del proyecto convierte ese encuentro en algo emocionalmente cercano: un espacio donde pasado y presente dejan de sentirse separados.

    Shine: un disco atravesado por el renacimiento

    El lanzamiento llega además después de uno de los momentos más delicados en la vida reciente del músico, tras el accidente doméstico sufrido en 2024 que obligó a suspender parte de sus actividades y giras.

    Desde ahí parece construirse Shine, un álbum que apunta hacia la reconstrucción emocional y creativa, entendiendo el arte no solo como memoria, sino también como una forma de volver a empezar.

    Más que mirar hacia atrás, Fito utiliza este corto para dialogar con todo lo que fue y entender lo que todavía puede llegar a ser.

    Porque si algo deja claro “Todos los Fitos”, es que incluso después de décadas de carrera, todavía existen nuevas formas de encontrarse con uno mismo.

  • Jonathan Bree deja atrás la máscara y anuncia el álbum más íntimo de su carrera

    Jonathan Bree deja atrás la máscara y anuncia el álbum más íntimo de su carrera

    “Savour My Love” abre la puerta al universo oscuro y cinematográfico de Don’t Call It Love

    Jonathan Bree anunció oficialmente Don’t Call It Love, su sexto álbum de estudio y probablemente el proyecto más frontal, incómodo y vulnerable de toda su carrera.

    Como primer adelanto, el artista presentó “Savour My Love”, una pieza de art pop elegante y sombría que funciona como introducción al universo conceptual del disco, el cual será publicado el próximo 27 de agosto.

    Un primer vistazo entre el noir y la sensualidad

    La canción cuenta con la participación de Rachel Clarke, cuya interpretación atraviesa distintos estados emocionales: desde susurros íntimos hasta momentos de intensidad explosiva.

    Musicalmente, Savour My Love” se mueve entre percusiones minimalistas, atmósferas densas y una estética claramente influenciada por el noir cinematográfico, evocando el sonido de Portishead y la sensualidad clásica de Serge Gainsbourg.

    El videoclip también profundiza esa identidad visual: una puesta en escena inspirada en los antiguos shows televisivos de variedades, con maniquíes vestidos como la banda de Bree y una estética lynchiana grabada con apariencia de cámara analógica.

    Un disco doble sobre deseo, vulnerabilidad y tensión emocional

    Don’t Call It Love será un álbum doble de 17 canciones que explora la sexualidad desde distintas perspectivas emocionales y artísticas.

    El proyecto incluye colaboraciones con mujeres provenientes de disciplinas como la música, la fotografía, el cine y la danza, convirtiéndose en el trabajo más colaborativo y conceptual de Jonathan Bree hasta la fecha.

    Según el propio artista, el álbum transita constantemente entre lo seductor y lo incómodo, negándose a suavizar sus temas o esconder la carga emocional detrás de las canciones.

    El fin de una era visual

    Uno de los detalles más llamativos del anuncio es que, por primera vez, Jonathan Bree abandona su emblemática máscara en la portada de un disco.

    En su lugar aparece una imagen protagonizada por la bailarina y artista de cabaret Bella Filbey, reforzando el tono vulnerable, provocador y abiertamente erótico del proyecto.

    Además de ser su primer álbum doble, Don’t Call It Love también marca una nueva etapa sonora para Bree: un trabajo más centrado en guitarras y menos interesado en encajar dentro de las expectativas tradicionales del art pop.

    Y el propio músico parece tenerlo claro.

    “Cuando lo comenté con mi madre, le sugerí que quizá sería mejor que este disco se lo saltara”

    bromeó Bree sobre el lanzamiento.

  • Tecate Península 2026 entra en una nueva era con Caifanes, Interpol y Julieta Venegas

    Tecate Península 2026 entra en una nueva era con Caifanes, Interpol y Julieta Venegas

    El festival más grande de la frontera cambia de hogar y prepara una de sus ediciones más ambiciosas

    Tecate Península 2026 ya confirmó su regreso y lo hará con una edición que promete marcar un antes y un después en la historia del festival.

    La cita será el próximo 24 de octubre de 2026 en la Explanada del Estadio Caliente, en Tijuana, con un lineup que mezcla leyendas del rock latinoamericano, propuestas contemporáneas y algunas de las bandas más importantes de la escena alternativa actual.

    Un cartel pensado para cruzar generaciones

    El lineup de este año estará encabezado por Caifanes y Interpol, en una combinación que une la historia del rock latino con el post-punk internacional.

    También estarán presentes Panteón Rococó, Enjambre, Siddhartha, Julieta Venegas, Cuco y Ximena Sariñana, en una jornada que promete más de doce horas de música continua.

    La edición también celebrará la identidad fronteriza con la presencia de Nortec: Bostich + Fussible, además de propuestas como Midnight Generation, Bruses, Los Rabanes, Olivia Wald y Percance.

    Una nueva casa para el festival

    La mudanza hacia la Explanada del Estadio Caliente representa una nueva etapa para Tecate Península, con una producción más grande, escenarios monumentales y mejoras en sonido, iluminación y experiencia general.

    Además de la música, el festival contará con zonas gastronómicas, activaciones, espacios de descanso y experiencias VIP diseñadas para ampliar la experiencia más allá de los conciertos.

    Más que un festival: una celebración fronteriza

    Con seis ediciones construyendo identidad propia, Tecate Península se ha convertido en uno de los eventos musicales más importantes de la región, mezclando géneros, escenas y generaciones bajo una misma energía.

    Este 2026, el festival no solo cambia de venue. También confirma que su historia apenas está entrando en una nueva era.

  • Roxana Amed reimagina el rock argentino desde el jazz en “Todos los fuegos”

    Roxana Amed reimagina el rock argentino desde el jazz en “Todos los fuegos”

    La cantante fue nominada a los Premios Gardel 2026 como Mejor Álbum de Jazz

    La vocalista argentina Roxana Amed recibió una nueva nominación a los Premios Gardel gracias a Todos los fuegos, un álbum que transforma clásicos esenciales del rock argentino en una experiencia atravesada por el jazz contemporáneo.

    El proyecto propone una reinterpretación de canciones de artistas fundamentales como Charly García, Luis Alberto Spinetta, Fito Páez y Gustavo Cerati, explorando nuevas texturas, armonías y atmósferas sin perder la esencia emocional de las obras originales.

    “Estas canciones fueron revolucionarias en su época, rompiendo las reglas de la armonía, la melodía y la poesía de una manera que transformó la música latinoamericana para siempre”

    Expresó Amed sobre el concepto detrás del disco.

    La producción cuenta con una formación internacional encabezada por el pianista argentino Leo Genovese, junto a músicos de alto perfil como Tim Lefebvre, Kenny Wollesen, Mark Small y Martin Bejerano.

    Rock argentino desde otra dimensión sonora

    En Todos los fuegos, canciones como “Cinema Verité” y “Salir de la melancolía” de Serú Girán, “Ciudad de pobres corazones” de Fito Páez o “Corazón delator” de Soda Stereo adquieren una nueva vida a través de arreglos expansivos, improvisación y una sensibilidad jazzística marcada por la exploración sonora.

    Uno de los momentos más destacados del álbum es la reinterpretación de “Verbo carne” de Cerati, convertida en una pieza atmosférica y experimental que amplía todavía más el universo emocional de la canción original.

    Además de revisitar clásicos, Amed también presenta “Diamonds”, una composición original coescrita junto a Genovese, marcando su faceta como creadora dentro de este diálogo entre géneros.

    Un puente entre rebeldía e innovación

    Para Amed, la conexión entre el rock y el jazz nace desde un mismo impulso creativo: romper estructuras y desafiar límites.

    “El desafío fue encontrar nuevos espacios dentro de estas canciones, manteniendo intacta su carga emocional”

    explicó la artista.

    “El rock y el jazz siempre han compartido una conexión profunda: ambos nacieron de la rebeldía, la innovación y el deseo de ir más allá de los límites”

    Con esta nominación, Roxana Amed continúa estableciéndose como una de las voces más originales del jazz latinoamericano contemporáneo, llevando el legado del rock argentino hacia territorios nuevos, elegantes y profundamente emocionales.

  • Toto&Co. debuta con “Atención Fugaz”, un álbum sobre el caos de vivir en el presente

    Toto&Co. debuta con “Atención Fugaz”, un álbum sobre el caos de vivir en el presente

    La banda costarricense presenta una propuesta alternativa

    A partir del 7 de mayo de 2026, la agrupación costarricense Toto&Co. presentó oficialmente Atención Fugaz, su álbum debut: un proyecto que convierte las inquietudes contemporáneas en una experiencia sonora intensa, emocional y profundamente honesta.

    Creada en 2024 por Alonso “Toto” Sánchez junto a Marcelo Aragón y Ricardo Montoya, la banda ha comenzado a posicionarse dentro de la escena alternativa latinoamericana gracias a una propuesta que conecta con lo cotidiano sin perder profundidad. En Atención Fugaz, Toto&Co. construye un recorrido que va desde la crítica política hasta reflexiones sobre el paso del tiempo, el cambio constante y las dudas existenciales que atraviesan la vida moderna.

    Cada canción funciona como una pieza de ese caos contemporáneo: fragmentos emocionales cargados de energía, guitarras envolventes y una producción que equilibra fuerza y sensibilidad.

    Una producción con sello internacional

    El disco fue producido por Abraham Madrigal de Sphere Sounds y cuenta, además, con el mastering de varias canciones a cargo del reconocido productor Eduardo Bergallo, conocido por trabajar con artistas como Soda Stereo, Gustavo Cerati, Él Mató a un Policía Motorizado y Natalia Lafourcade.

    Temas como “Veneno” y “Buena Suerte” funcionan como la puerta de entrada al universo creativo del álbum, consolidando una identidad sonora que mezcla intensidad lírica con una estética contemporánea y emocional.

    Una mirada urgente sobre el presente

    Con Atención Fugaz, Toto&Co. entrega una obra que captura la sensación de vivir en un mundo acelerado, donde todo cambia constantemente y las emociones parecen durar apenas unos segundos.

    Más que un debut, el disco se presenta como una declaración artística: una banda joven que busca transformar la incertidumbre moderna en canciones capaces de dejar huella dentro de la nueva escena alternativa costarricense.

  • Tame Impala prepara su regreso a Latinoamérica y Kevin Parker vuelve a encender la expectativa

    Tame Impala prepara su regreso a Latinoamérica y Kevin Parker vuelve a encender la expectativa

    El universo psicodélico de Kevin Parker listo para otro capítulo

    Después de meses de rumores, movimientos en redes y una nueva etapa después del lanzamiento de Deadbeat, Kevin Parker confirmó que Tame Impala volverá a los escenarios internacionales con una nueva gira que ya tiene a Latinoamérica en la conversación.

    Aunque todavía no se han revelado fechas oficiales para la región, distintos medios especializados y publicaciones recientes del artista apuntan a que el esperado regreso al continente estaría cada vez más cerca.

    Un regreso que Latinoamérica lleva esperando años

    Aunque Kevin Parker ha mantenido una relación cercana con el público latinoamericano a través de festivales y giras anteriores, el proyecto no visita la región desde hace varios años. Por eso, cualquier señal de regreso ha generado expectativa inmediata entre fans de países como México, Argentina, Chile, Colombia y Brasil.

    Más que nostalgia: una nueva era para Tame Impala

    Lejos de convertirse en un ejercicio nostálgico, el presente de Tame Impala parece estar enfocado en expansión, riesgo y reinvención. 

    Los conciertos recientes han sido descritos como experiencias inmersivas donde las luces, visuales y sintetizadores transforman cada show en un viaje sensorial.

    Aunque todavía no existe un anuncio oficial sobre fechas en Centroamérica, el regreso de Tame Impala a Latinoamérica ya empieza a tomar forma. 

    Y para una generación que convirtió discos como Currents, Lonerism y The Slow Rush en parte de su banda sonora, la posibilidad de volver a ver a Kevin Parker en esta parte del mundo se siente menos como una promesa  y más como una cuenta regresiva.

  • SUBTERRÁNEA convierte la moda en experiencia con “Hotel Subterránea”

    SUBTERRÁNEA convierte la moda en experiencia con “Hotel Subterránea”

    Una pasarela que se transforma en un universo inmersivo

    La plataforma costarricense SUBTERRÁNEA anuncia su tercera edición: “Hotel Subterránea”, una propuesta que transforma la pasarela en una experiencia inmersiva donde la moda se vive, se recorre y se habita.

    El evento se realizará el 30 y 31 de mayo en el Edificio LUX, en San José, bajo un concepto que convierte a diseñadores y colecciones en los “huéspedes” de este particular hotel.

    Moda como narrativa

    En esta edición, cada propuesta construye un universo propio. 

    Entre ellas podemos ver a Phantom Thread, cuya colección se inspira en la talasofobia para traducir la ansiedad en siluetas fluidas y estructuras que oscilan entre el control y el caos.

    Otro buen ejemplo Andrea Kader presenta Mixed Feelings, una exploración de la dualidad emocional: belleza y desastre, tristeza y alegría, todo coexistiendo en una misma narrativa visual.

    Estos son solo dos de los diseñadores con los que SUBTERRÁNEA contará, en un espacio donde la moda cumple con lo que siempre ha sido: reflexión, contexto y discurso.

    Dos días, múltiples experiencias

    La programación incluye pasarelas, showroom comercial, performances, pop-ups y activaciones especiales, diseñadas para conectar directamente al público con las marcas.

    El 30 de mayo, desde las 3:00 p.m., desfilarán propuestas como Rituo, Glamour Castle, Lumino, Vicato, Odette, La Priest (MX) y el cierre de Marco Garro.

    El 31 de mayo, a partir de las 12:00 m.d., continuarán Dream Machine, Fix, Dhiana Vhalé, Phantom Thread, Pigmento y Andrea Kader.

    Un espacio para ver  y acceder

    Durante ambos días, el público podrá recorrer un showroom comercial con piezas exclusivas de las marcas participantes, generando un intercambio directo entre diseñadores y audiencia.

    Las entradas ya están disponibles desde ₡15.000 y el evento será exclusivo para mayores de edad.

    Hotel Subterránea, una invitación a entrar, quedarse y descubrir qué historia habita cada diseño.

  • Diego González rompe la quietud de la pintura con “Movimiento muerto”

    Diego González rompe la quietud de la pintura con “Movimiento muerto”

    Una exposición que convierte lo estático en experiencia viva

    El artista costarricense Diego González presenta “Movimiento muerto: animación sobre pintura”, su nueva exposición individual que se inauguró el 17 de abril en Sendero, en Barrio Escalante.

    La muestra estará abierta al público hasta el 15 de mayo con entrada gratuita.

    Cuando la pintura empieza a moverse

    Este proyecto marca un punto clave en la trayectoria del artista: su primera exposición fuera del ámbito académico, donde fusiona animación, pintura y dibujo en un mismo lenguaje.

    La premisa es clara: toda pintura contiene un movimiento oculto. A partir de ahí, González registra y anima sus obras cuadro por cuadro, revelando ese ritmo interno que normalmente pasa desapercibido.

    El resultado es un cruce entre lo visual y lo audiovisual que expande los límites de la pintura sin perder su esencia.

    Crear lento en un mundo acelerado

    Más allá de lo técnico, “Movimiento muerto” funciona como una postura crítica frente a la automatización de la creatividad.

    Cada pieza ha sido trabajada manualmente, enfatizando el tiempo, el gesto y la intención detrás del proceso. En un contexto dominado por la inmediatez digital, la exposición reivindica lo hecho a mano como un acto de resistencia.

    A nivel conceptual, la muestra juega con múltiples capas: rompe con la idea de un estilo fijo, introduce una “tensión estilística” y propone una experiencia donde una misma mano parece transformarse constantemente.

    También hay espacio para el humor —sutil, incómodo— que atraviesa las obras y cuestiona las expectativas tradicionales del arte contemporáneo.

    Más que una exposición, es una invitación a participar no solo en la exposición sino también en las dos fechas restantes de la muestra.

    Porque a veces, para entender el movimiento hay que detenerse.