Author: Agencia EFE

Washington, 13 mar (EFE).- El actor William Hurt falleció este domingo a los 71 años, anunció su familia en un breve comunicado recogido por los medios estadounidenses.

Ganador de un Óscar por “Kiss of the Spider Woman” (“El beso de la mujer araña”, 1985), protagonizó filmes como “Body Heat” (“Fuego en el cuerpo”, 1981) o “Children of a Lesser God” (“Te amaré en silencio“, 1986).

Otras de sus participaciones cinematográficas destacadas fueron en “A.I. (Artificial Intelligence)” (“A. I. Inteligencia Artificial”, 2001), “The Village” (“La aldea”, 2004), “The Good Shepherd” (“El buen pastor”, 2006).

También interpretó a Thaddeus Ross en el universo Marvel.

“Es con gran tristeza que la familia Hurt llora la muerte de William Hurt, amado padre y ganador de un Óscar, el 13 de marzo de 2022, una semana antes de que cumpliese 72 años”, indicaron los familiares.

El actor falleció entre sus familiares de forma tranquila y por causas naturales.

Hurt también actuó en producciones teatrales como “Henry V”, “Fifth of July”, “Richard II” y “A Midsummer Night’s Dream” y recibió una nominación a los premios Tony en 1985 por “Hurlyburly”.

William Hurt, ícono de los 80 y secundario de oro en los 90

Nacido en Washington en 1950, Hurt estudió interpretación en la escuela Juilliard junto a Robin Williams y Christopher Reeve, y debutó en la película de ciencia ficción “Altered States” (“Un viaje alucinante al fondo de la mente”) en 1980, un papel que le valió la nominación a Mejor Nueva Estrella en los Globos de Oro.

Pronto le llegó la fama al ganar un Óscar por “Kiss of the spider woman” (“El beso de la mujer araña”, 1985), y también en los 80 protagonizó filmes como “Body heat” (“Fuego en el cuerpo”, 1981) o “Children of a lesser God” (“Hijos de un Dios menor”, 1986).

A partir de los 90, sus participaciones cinematográficas viraron hacia papeles más secundarios en los que sin embargo siempre destacaba, como en “A.I. Artificial Intelligence” (“A. I. Inteligencia Artificial”, 2001), “The Village”, (“El bosque”, 2004) y “The good shepherd” (“El buen pastor”, 2006).

También interpretó durante una década a Thaddeus Ross en el universo Marvel.

Además de ganar el Óscar en 1985, Hurt recibió nominaciones al máximo galardón cinematográfico en otras tres ocasiones: “Broadcast News” (“Al filo de la noticia”, 1987), “Children of a lesser God” (“Hijos de un Dios menor”, 1986) y “A History of Violence” (“Una historia de violencia”, 2005), donde tan sólo apareció unos 10 minutos en escena.

Hurt también actuó en producciones teatrales, especialmente en obras de William Shakespeare, como “Henry V”, “Fifth of July”, “Richard II” y “A Midsummer Night’s Dream” y recibió una nominación a los premios Tony en 1985 por “Hurlyburly”.

El último trabajo que hizo antes de morir fue interpretar a Donald Cooperman en 14 episodios de la serie de Amazon “Goliath”.

“Es con gran tristeza que la familia Hurt llora la muerte de William Hurt, amado padre y ganador de un Óscar, el 13 de marzo de 2022, una semana antes de que cumpliera 72 años”, indicaron los familiares.

El actor falleció entre sus familiares de forma tranquila y por causas naturales.

Los Ángeles (EE.UU.), 11 mar (EFE).- John Travolta, Lupita Nyong’o, Daniel Kaluuya, Mila Kunis, Naomi Scott y Wesley Snipes estarán entre los famosos que entregarán los premios Óscar en la próxima ceremonia del 27 de marzo.

La Academia de Hollywood anunció este viernes la tercera tanda de invitados a su gran gala, que recuperará la figura del maestro de ceremonias, aunque dividirá esa tarea entre tres mujeres: Amy Schumer, Regina Hall y Wanda Sykes.

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Mientras que las tres actrices presentarán el evento, el resto de celebridades se encargará de anunciar los vencedores de cada categoría.

Antes, la organización había confirmado la presencia de Lady Gaga, Kevin Costner, Zöe Kravitz, Rosie Perez, Chris Rock, Yuh-Jung, John Leguizamo, Anthony Hopkins, Rami Malek, Uma Thurman, Lily James, Simu Liu y Ruth E. Carter.

La gala de los Óscar tendrá este año un importante cambio, pues los ganadores de 8 categorías se conocerán una hora antes de que empiece la ceremonia televisada, en un intento por aligerar la gala y elevar los datos de audiencia tras los mínimos registrados en las últimas ediciones.

Luego, durante la retransmisión, se emitirá un resumen con las reacciones de los vencedores.

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Las categorías afectadas son mejor documental, mejor edición, mejor maquillaje y peluquería, mejor diseño de producción, mejor sonido, mejor corto, mejor corto animado y mejor banda sonora.

La decisión fue recibida como un jarro de agua fría entre algunos candidatos al premio, pues algunos han llegado a plantear un boicot y amenazaron con no presentarse al evento.

A nivel competitivo, “The Power of the Dog”, “Licorice Pizza”, “Coda”, “Don’t Look Up”, “King Richard”, “Nightmare Alley”, “Drive My Car”, “Dune”, “Belfast” y “West Side Story” son las candidatas al Óscar a la mejor película de este año.

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Penélope Cruz (“Madres Paralelas”), Jessica Chastain (“The Eyes of Tammy Faye”), Olivia Colman (“The Lost Daughter”), Kristen Stewart (“Spencer”) y Nicole Kidman (“Being The Ricardos”) se disputan el Óscar a la mejor actriz protagonista.

Y Javier Bardem (“Being the Ricardos”), Benedict Cumberbatch (“The Power of the Dog”), Andrew Garfield (“Tick, Tick? Boom!”), Will Smith (“King Richard”) y Denzel Washington (“The Tragedy of Macbeth”) compiten por la estatuilla a mejor actor protagonista.

Washington, 11 mar (EFE).- La plataforma de vídeos online YouTube (propiedad de Google) bloqueó este viernes los canales de medios oficialistas rusos que reciben fondos del Gobierno al considerar que violan sus políticas de uso en relación a no minimizar eventos violentos como la guerra en Ucrania.

En un comunicado, el portavoz de YouTube Farshad Shadloo explicó que las normas internas del portal de vídeos prohíben aquellos contenidos que “nieguen, minimicen o trivialicen eventos violentos bien documentados”.

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En cumplimiento de esta regla, la plataforma viene retirando desde el inicio de la invasión rusa de Ucrania contenidos que no se ajusten a la normativa y ahora bloqueó también con efecto inmediato y en todo el mundo los canales de medios oficialistas rusos que de forma reiterada minimizan la violencia en Ucrania.

Unas horas antes del anuncio de YouTube, Meta, la empresa propietaria de Facebook e Instagram, anunció que, de forma temporal por la guerra en Ucrania, permite a los usuarios saltarse sus normas de uso y enviar mensajes que normalmente estarían prohibidos como “muerte al invasor ruso”.

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En un comunicado, el portavoz de la compañía Andy Stone explicó que las excepciones se permiten con carácter temporal por la invasión rusa de Ucrania y que no incluyen amenazas de muerte “creíbles” contra civiles rusos.

Sin embargo, Meta sí permite llamamientos a la muerte del presidente ruso, Vladímir Putin, y de su homólogo bielorruso, Alexandr Lukashenko, emitidos desde Ucrania, Polonia y la propia Rusia.

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En respuesta, el regulador de telecomunicaciones de Rusia, Roskomnadzor, bloqueó este viernes Instagram en el país a petición de la Fiscalía General, mientras que Facebook ya lleva bloqueado desde la semana pasada.

Nueva York, 11 mar (EFE).- Joyce, una joven feminista que vive en Los Ángeles (California, EE.UU.), en los efervescentes años 70, está decidida a lanzar una revista que defienda los derechos de las mujeres, pero su única opción es aliarse con Doug, un editor de publicaciones porno de bajo presupuesto, cuyo único interés es hacer mucho dinero.

De esta extraña combinación de feminismo y pornografía nace la revista ficticia “Minx”, que da nombre a la serie que HBO Max estrenará el próximo 17 de marzo.

La historia, que está inspirada en la creación en 1973 de la publicación “Playgirl”, muestra con humor el choque de estos dos mundos y el de las personalidades antagónicas de los protagonistas, encarnados por Ophelia Lovibond y Jake Johnson.

https://youtu.be/UTc5I86to_8

Unas contradicciones que son más que suficientes para crear todo tipo de situaciones cómicas en las que el feminismo puritano de Joyce se ve constantemente retado por un entorno extremadamente laxo para ella.

“Ella no es consciente de lo limitadas y frágiles de algunas de sus ideas, de lo cerradas que son”, dice a Efe Lovibond, antes de explicar que Joyce se siente incómoda con esa limitación, “lo que retroalimenta la idea de que no está siendo muy feminista si no se acerca a todos los aspectos de sí misma”.

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Para confrontar sus convicciones está Doug principalmente, pero también el resto de los personajes de la historia, como Bambi (Jessica Lowe), Tina (Idara Victor) y Richie (Oscar Montoya) que trabajan para Doug, o su hermana Shelly (Lennon Parham), mucho más abierta al mundo sexual.

“No fue difícil encontrar un ritmo” al actuar con Johnson, explica Lovibond, ya que “fuimos muy afortunados, porque precisamente, aunque los personajes son muy diferentes, su principal objetivo es el éxito de ‘Minx’, aunque por razones muy diferentes”.

Para Johnson, trabajar juntos fue fácil porque los personajes que ambos representan son cercanos a su propia personalidad.

“La dinámica en cámara y fuera de cámara se sentía que era similar a veces cuando estábamos grabando escenas”, dice a Efe Johnson.

A través de esta dinámica y estas contradicciones, explica Lovibond, la “comprensión de ese mundo” por parte de Joyce mejora y se relaja.

Y el espectador, “de alguna manera, puede acompañarla en ese viaje”, zanja.

UNA HISTORIA INSPIRADA EN LA REVISTA “PLAYGIRL”

Como explica Johnson a Efe, “Minx” es una historia “totalmente de ficción” para la que la creadora y productora ejecutiva de la serie, Ellen Rapoport, se inspiró en “Playgirl”.

En 1973, nació en Estados Unidos la revista “Playgirl”, dirigida al público femenino en respuesta a publicaciones como “Playboy”, que llegó a llevar a los tribunales a la nueva cabecera por considerar que infringía su marca registrada, aunque posteriormente llegaron a un acuerdo.

“Playgirl” sufrió a lo largo de su andadura para poder sobrevivir y encontrar nuevos editores y nuevas audiencias, como el intento de atraer al público homosexual.

La revista fue creada por Douglas Lambert, el dueño de un club nocturno en California que vio la oportunidad de crear una publicación con desnudos para consumo de mujeres en pleno apogeo de una nueva revolución sexual.

En su momento de más éxito, a finales de los 70, llegó a vender 1,5 millones de copias por número.

Dentro de su mundo de ficción, “Minx” también se hace eco de varios acontecimientos de la época, como la aparición en la publicación “Cosmopolitan” de una fotografía del actor Burt Reynolds vestido únicamente con un cigarrillo entre los dientes, el primer desnudo masculino en una página central.

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Johnson recuerda un video sobre “PlayGirl” y las reacciones que provocaba la revista y que la productora Ellen Rapoport les envío cuando estaban discutiendo el proyecto de la serie.

“La reacción que tenía la gente sobre la desnudez masculina fue tan divertida que nos convencimos de que si nos acercábamos a eso podría ser un gran espectáculo”, concluyó.

“Minx” destaca también por el dinamismo de los diálogos, la caracterización de la época y el vivo y cuidado vestuario de los personajes, y muestra también algunos de los aspectos oscuros de esta industria, como el machismo, la corrupción y la explotación, pero tamizadas siempre por el tono irónico o cómico de la serie.

Madrid, 10 mar (EFE).- “En un momento en el que la música está tan pasteurizada”, Fito Páez se reconoce sorprendido gratamente de la buena recepción que ha tenido su último trabajo, una musicalización instrumental y sinfónica del libro “Los siete locos” de Roberto Arlt (1929) que forma parte de una trilogía discográfica igualmente salvaje.

“Podría ser uno de los mayores delirios de mi carrera”, reconoce a Efe a su paso por Madrid para presentar el recientemente publicado “Futurología Arlt” (Sony Music), que define como “una obra descarnada, hecha con mucho amor a través del tiempo”.

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Y tanto tiempo. La simiente se remonta a 1995, cuando Julio Bocca le propuso integrar un espectáculo de danza y música sobre tango, folclore argentino y rock. Según cuenta, de aquella reunión “chispeante” a la que también asistió Cecilia Roth surgió la idea de ponerle música al citado libro.

“El proyecto se frustró, pero nunca cesó en mí la idea de llevarlo adelante”, comenta Páez (Rosario, 1963), convencido de que “algunas cosas tienen que macerar en el tiempo, no solo para el oyente y la época, sino también para uno, sobre todo cuando es un material delicado sobre un libro icónico, frondoso e inabordable”.

De la existencialista “Los siete locos” destaca sobre todo la capacidad del autor para anticipar hechos que sucedieron en Argentina y en el mundo como el peronismo, la pandemia o la guerra.

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“Es asombrosa su capacidad para ver el hueso de la condición humana, sin vaselina, con una escritura exuberante y delirante”, señala el músico, que fue avanzando “caóticamente” en la composición, como una “olla calentándose a fuego lento que hubo que remover un montón” y a la que echaba como inspiración retazos de personajes y escenas.

¿Hace falta una mente delirante para traducir en música a otra? “Sí”, responde raudo, antes de precisar que “la locura es dañina y nosotros queremos solo disparate, tarea en la que nos ayudan autores de la envergadura de Roberto Arlt”.

Musicalmente comenzó como una receta de mínimos: de una estancia en una playa uruguaya surgieron unos teclados, a los que añadió apenas una cuerda, unos pianos, quizás algún clarinete y madera… y así fue creciendo hasta convertirse en una obra orquestal.

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Su grabación en cinco días no fue menos avezada, con triple vértice entre Los Ángeles, donde estaba Gustavo Borner como productor (tarea a la que también se sumó Diego Olivero), Buenos Aires con el director musical Ezequiel Silberstein y, desde Praga, la Orquesta Sinfónica Nacional Checa.

“Así fue como llegué a esta obra de la que estoy muy orgulloso”, ratifica el argentino, agradecido por la multitud de mensajes de felicitación que le han llegado por redes. “No me pasó con ningún álbum, ni con ‘El amor después del amor’ (1992). Me sorprendió en un momento en el que la música está tan pasteurizada, porque pensé que la gente no tendría ganas de música experimental, pero sí las tuvieron de escuchar este delirio de un rosarino”, se felicita.

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Páez, que ha ideado hasta una propuesta escenográfica multidisciplinar para “Futurología Arlt”, con música en vivo, videomapping y actores y anda “a la espera de que algún promotor se anime a montarla”, lanzó ya en 2021 el disco “Los años salvajes”, título que terminará englobando como una obra integral a esta obra orquestal y un tercer disco bien diferente.

“Terminando los dos primeros, pensé que faltaba algo, pero no sabía qué y recurrí a la idea de armar una trilogía con un álbum con piano, un disco pequeño, como una pequeña joya, que me dio la sensación de totalidad que podía contar lo que me estaba pasando en este mismo”, subraya un Páez remozado por el reto.

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Por si fuera poco, en pandemia se implicó también en la escritura de sus memorias hasta los 30 años y, sobre ese material, Netflix comenzó a armar una serie biográfica que ya va por su séptima semana de filmación y en la que él ha supervisado los guiones.

“El momento más peliagudo ha sido contar el asesinato de mis abuelas y de Fermina, la mujer que trabajaba en mi casa, embarazada de 7 meses. Fue un momento difícil, pero tomé la decisión de contarlo seco, con los hechos como pasaron y haciendo la reconstrucción con los documentos policiales”, comenta sobre uno los episodios más oscuros de la historia argentina. / EFE. Javier Herrero

Los Ángeles (EE.UU.), 10 mar (EFE).- El grupo The Black Keys publicará su nuevo álbum de estudio, “Dropout Boogie”, el próximo 13 de mayo, informó este jueves la productora Warner Music.

Se trata del undécimo disco en la trayectoria musical de este dúo rockero compuesto por Dan Auerbach y Patrick Carney, que contará con diez canciones inéditas y nuevas colaboraciones.

Los miembros de la banda ya lanzaron el sencillo “Wild Child” como anticipo del álbum, un tema en el que el rock y el groove se mezclan sin perder la esencia del grupo.

Billy F. Gibbons (ZZ Top), Greg Cartwright (Reigning Sound) y Angelo Petraglia (productor de Kings of Leon) son algunos de los artistas invitados en “Dropout Boogie”, cuyo repertorio está grabado mayoritariamente en la primera toma.

“Es instantáneo (…) En cuanto nos juntamos, hacemos música; no sabíamos que íbamos a hacer, pero lo hicimos y sonaba genial”, explicó Auerbach sobre la capacidad de culminar los temas a la primera grabación, según recoge un comunicado.

A lo que Carney añadió que era “la primera vez” que trabajaban así pero que fue “muy divertido”.

Our new single “Wild Child” off our upcoming 11th studio album “Dropout Boogie” is NOW available everywhere! Pre-Order our new album available on May 13 and don’t miss the official music video premiere tomorrow at 8AM PT. #DropoutBoogie https://t.co/9oOWdYA6Pi pic.twitter.com/kC55mj8NZk

— The Black Keys (@theblackkeys) March 10, 2022

Además, aunque ya habían compuesto a medias con el productor Danger Mouse en el pasado, esta es la primera vez que The Black Keys invita a varios músicos a colaborar simultáneamente en un nuevo álbum.

La publicación de este nuevo disco coincide con el vigésimo aniversario del lanzamiento de su debut, “The Big Come Up”, y llega un año después de su disco “Delta Kream”, que tuvo gran acogida transitando por los ritmos del blues.

The Black Keys se formó en 2001 en Akron (Ohio, Estados Unidos), aunque su éxito comercial no llegó hasta 2010 con su disco “Brothers”, con el que se llevaron entonces tres premios Grammy.

Redacción cultura, 10 mar (EFE).- Florence + The Machine ha desvelado finalmente que su quinto disco de estudio llevará por título “Dance Fever” y que verá la luz el próximo 13 de mayo, un anuncio que se ha realizado en paralelo con la publicación del videoclip de su nuevo sencillo, “MY Love”.

Esta producción que ya puede verse en plataformas como Youtube ha sido dirigida por Autumm de Wilde, quien se hiciera cargo también de los primeros anticipos del nuevo álbum, esto es, “King” y “Heaven is here”.

Indica la nota de prensa que “Dance Fever” se grabó principalmente en Londres durante la pandemia y, como tal, “evoca lo que Florence (Welch), en pleno confinamiento, más echaba de menos: los clubs, bailar en los festivales, el torbellino del movimiento y la unión y la esperanza de los reencuentros venideros”.

Dance Fever, the new album released May 13th.
Pre-order at https://t.co/eI39aoJEXg 🌕✨
Artwork by @autumndewilde pic.twitter.com/Lpd4jqtU18

— Florence + the Machine (@florencemachine) March 10, 2022

Añade que se vio influido por la reciente “fascinación” de la artista británica por la “coreomanía”, un fenómeno renacentista en el que grupos de personas, a veces miles, bailaban salvajemente hasta el punto de agotarse, colapsar y morir.

Informa asimismo que este tipo de danza, entendida como un medio de liberación y de empoderamiento, fue clave en sus primeros días de sobriedad y posteriormente de nuevo durante el confinamiento, y que ha sido motivo de inspiración en sus recientes videoclips.

Bajo la producción de Jack Antonoff, “Dance Fever” comenzó a gestarse en Nueva York, pero la pandemia forzó a Welch a trasladarse de nuevo a Reino Unido y allí, aislada en casa, transformó las canciones con la ayuda de Dave Bayley (vocalista de Glass Animals) con “guiños al dance, al folk, al Iggy Pop de los 70, a temáticas folk de añoranza del camino en plan Lucinda Williams o Emmylou Harris”.

My Love. Out now. 🌕✨https://t.co/R3IJoA7EgG
Directed by @AutumndeWilde
Produced by Radioaktive film and @anoncontent
Choreographed by @sirheffington
Costume design by @OfficialRodarte
Golden crown of wheat by Ruslan Baginskiy pic.twitter.com/MKDLkEsl8S

— Florence + the Machine (@florencemachine) March 10, 2022

Los sencillos avanzados en estas últimas semanas constituyen el primer material inédito que publica Florence + The Machine desde que en 2021 lanzara “Call Me Cruella” como parte de la BSO de la película de Disney “Cruella”.

Más lejos aún queda su último trabajo discográfico, “High As Hope” (2018), que les consolidaron como una de las voces más importantes del actual panorama musical con su inconfudible sello de rock y pop alternativo, con trazas de soul y barroquismo, así como una imagen influida por el “art nouveau”.

La banda inició su trayectoria en 2009 con el lanzamiento de su primer disco, “Lungs” (2009), que incluía temas como “Dog Days Are Over” y que les valió el premio Brit al mejor álbum británico. Posteriormente llegarían “Ceremonials” (2011), “How Big, How Blue, How Beautiful” (2015), el citado “High As Hope” (2018) y éxitos como el tema “Shake It Out”.

Buenos Aires, 9 mar (EFE).- Charly García, uno de los símbolos fundacionales del rock argentino, fue internado en un centro sanitario tras sufrir un “accidente doméstico” y su pronóstico permanece “reservado”, según confirmó este miércoles la agencia de comunicación del artista.

En un comunicado, la agencia informó que el músico porteño está ingresado en el Instituto Argentino de Diagnóstico y Tratamiento desde el pasado 22 de febrero, debido a una “quemadura extensa en el miembro inferior izquierdo ocasionada por un accidente doméstico”.

Por ese motivo, durante estas últimas dos semanas García requirió “múltiples curaciones por el equipo de cirugía plástica”, además de sufrir “complicaciones clínicas” propias de este padecimiento.

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“Su pronóstico es reservado. Continuará con el mismo plan terapéutico”, señaló la agencia de comunicación, incluyendo un agradecimiento del músico a todo el personal sanitario que lo está tratando.

Autor de himnos generacionales como “Demoliendo hoteles”, “Rezo por vos” y “Nos siguen pegando abajo”, García apenas ha pisado los escenarios durante los últimos dos años por su mal estado de salud.

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Su última aparición pública fue el pasado 23 de octubre con motivo de su 70 cumpleaños, cuando el músico dio un concierto ante centenares de sus seguidores en el Centro Cultural Kirchner de Buenos Aires.

Durante las últimas dos décadas, García ha estado ingresado en múltiples ocasiones, la última de ellas -antes de la actual- en 2020, por un cuadro febril y dificultades respiratorias.

Nueva York, 8 mar (EFE).- El cantautor estadounidense Bob Dylan anunció este martes la publicación de “The Philosophy of Modern Song”, que agrupa más de 60 ensayos y que supone el primer libro que publica el artista en 18 años.

La obra, que saldrá a la venta el próximo 8 de noviembre, lleva creándose más de una década, ya que Dylan comenzó a escribirlo en 2010, según concretó la editorial encargada de su publicación, Simon & Schuster.

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Los ensayos analizan en profundidad las obras de otros cantautores, como Stephen Foster, Elvis Costello, Nina Simone o Hank Williams, apunta el comunicado de prensa de la editorial.

“La publicación del brillante caleidoscopio de trabajo de Bob Dylan va a ser una celebración internacional de canciones de los mejores artistas de nuestro tiempo”, dijo el presidente y consejero delegado de Simon & Schuster, Jonathan Karp.

“Este libro sólo podía haber sido escrito por Bob Dylan. Su voz única y su trabajo expresan su profunda apreciación y entendimiento de las canciones, las personas que les dan vida, y lo que las canciones significan para todos nosotros”, agregó.

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Aunque los escritos del premio Nobel de Literatura hablan de música, “en realidad son meditaciones y reflexiones sobre la condición humana”, concreta el comunicado.

Se trata del primer libro que publica el responsable de “Blowin’ in the Wind” desde 2004, cuando publicó la primera parte de su biografía, “Chronicles Volume One”.